LA FAM: EXPLORANDO EL SUB-UNDERGROUND

SCORN "Vae Solis" (1992)

2012-02-17T15:22:00.002-08:00

“Vae Solis” (1992) fue el primer trabajo de Scorn, un disco fundamental en la música industrial de los 90 y que a pesar de contar con sus ya 20 años de existencia ha pasado la prueba del tiempo de manera excepcional, ya que sigue siendo un álbum intenso y desasosegante después de tantos años y tantas escuchas.

Scorn nació como dúo, formado por dos ilustres miembros de la escena ruidista inglesa como eran Mick Harris (batería, samplers, secuenciadores y demás maquinaria) y Nik Bullen (bajo y voz), ambos ex-miembros de los legendarios Napalm Death. Harris y Bullen decidieron abandonar la escena del grindcore en busca de sonidos todavía más extremos e impactantes, pero en vez de recurrir a la velocidad y a la saturación como en Napalm Death, optaron por un sonido más lento y asfixiante, construyendo piezas disonantes de chatarra industrial y residuos sonoros tóxicos.

Scorn funcionó como dúo hasta 1994, editando obras maestras como “Colossus” (1993) y “Evanescence” (1994), demostrando una pasión por la experimentación y un ansia de explorar terrenos pantanosos realmente excitante, combinando elementos de la música industrial, ambient, noise, dub y atmósferas hipnóticas. En 1994 Nik Bullen abandonó el grupo así que Mick Harris siguió como Scorn en solitario, decantándose hacia un sonido instrumental más parco y profundizando en el dub y el isolationism, grabando discos muy interesantes aunque en un registro bastante distinto del de su primera época.

Pero volviendo al disco del que estamos hablando, la mayoría de canciones de “Vae Solis” se basan en lentas estructuras repetitivas de batería y bajo, atmósferas densas y opresivas, moviéndose sin problemas entre el sonido industrial clásico y los ecos de P.I.L., Killing Joke y Swans. Las composiciones tienen un sonido brutal, sucio, caótico e imprevisible, que igual suenan en plan cadena de montaje ultra-machacante que igual optan por los sonidos más ambient o incluso tribales. Ritmos tortuosos, mecánicos, maquinales (a veces batería, a veces caja de ritmos y a veces las dos cosas), y sobre esa estructura sonora se van añadiendo samplers y atmósferas claustrofóbicas de distinto origen así como distorsionadas texturas de guitarra eléctrica que oscurecen todavía más la sonoridad del grupo. “Vae Solis” contó con la participación de Justin Broadrick (de los todopoderosos Godflesh) en las guitarras, lo que le añade al disco una dimensión sonora extra ya que el trabajo de Broadrick es espectacular, no está tan centrado en los riffs brutales como es el caso de Godflesh sino que aparece más en un segundo plano, con un sonido disonante y psicodélico que aporta profundidad y densidad a los temas.

Obviamente este tipo de industrial no es del estilo fácil y asequible como el que practican otros grupos más cercanos al metal, sino que Scorn seguía una estética sombría y apocalíptica, girando alrededor de pesadillas, miedos y obsesiones, tanto en las letras como en las ilustraciones de los discos, algo que acompaña perfectamente al sonido tan oscuro, tenso e inquietante que va penetrando en nuestro subconsciente con cada sucesiva escucha.

Konstantin Lopushansky: "Visitor Of A Museum" (1989)

2012-01-10T07:00:00.000-08:00

Konstantin Lopushansky empezó en el mundo del cine como ayudante de Andrei Tarkovski en su obra maestra “Stalker”, en 1979. Esta experiencia le marcó sin ninguna duda, y a partir de ese momento el discípulo Lopushansky empezó a desarrollar su propia obra, con claras influencias de Tarkovsky (coinciden en su gusto por los temas apocalípticos, escenarios desoladores repletos de basura y desperdicios, personajes solitarios, secuencias lentas y oscuras, preocupaciones morales de carácter existencial y cierta tendencia al misticismo) aunque con su propias señas de identidad. Curiosamente, mientras Tarkovsky cimentó una reputación a nivel internacional, Lopushansky es prácticamente desconocido hoy en día fuera de Rusia. Si las comparamos, las obras de Luposhansky son más oscuras, pesimistas e incluso desagradables, quizás esto haya sido uno de los factores que hayan influído en su escasa divulgación, pero aun así lo encuentro incomprensible porque estamos ante uno de los grandes directores de las últimas décadas.

Tras debutar con la fascinante “Cartas de un hombre muerto” (Dead man's letters, 1986), Lopushansky continuó con “El visitante del museo” (Visitor of a museum, 1989), su segunda película, en la que profundiza en el género de la distopía y crea una de las obras más fascinantes del cine de temática post-apocalíptica conocidas hasta ahora. Si en “Cartas de un hombre muerto” planteó el tema de la catástrofe nuclear y la búsqueda de la salvación en un mundo destruído, en “El visitante del museo” trabajó con la idea del fin del mundo provocado por las catástrofes ecológicas y la posibilidad de redención a través del sacrificio y la renuncia a la razón.

La singular belleza de esta película es una de sus claves. Belleza, claro, vista desde una perspectiva diferente: la belleza de los vertederos de basura, de las estaciones de tren abandonadas, de los vagones rotos, de las iglesias a medio derruir, la chatarra, los charcos de agua sucia, el desierto árido y seco, océanos muertos, vehículos olvidados y oxidados en playas contaminadas, las ruinas, los locos y los parias. Quizás esto no entra en el canon de belleza que normalmente se enseña en las sociedades bienpensantes, pero su encanto es indudable, hay que aceptar las reglas que impone el director ruso y dejarse llevar por esas imágenes y disfrutar de una experiencia cinematográfica única.

Predomina el color rojo (el color del infierno en el que viven los personajes), así como las ambientaciones lóbregas y las secuencias oníricas e hipnóticas. La banda sonora, parte indispensable en el efecto de la película, corre a cargo del compositor Alfred Schnittke, cuyas sonoridades cortantes y sus drones inquietantes actúan de contrapunto para acentuar la belleza desolada de las imágenes. “El visitante del museo” es una obra que me deja sin respiración durante sus más de dos horas de duración, hay veces que no puedo creerme lo que estoy viendo, no puedo asimilar la intensidad y la belleza apocalíptica de las imágenes, su lirismo y su poesía terminal, la cautivadora atmósfera. Su impacto emocional y su intensidad a nivel visual y temático la convierten en una auténtica joya, aunque prácticamente desconocida, del cine soviético de los años 80.

En la película vemos como el mundo está en plena decadencia y camino de la autodestrucción debido a los excesos tecnológicos y el abuso medioambiental, esto ha provocado inundaciones en todo el mundo y una degeneración genética de la raza humana que provoca el nacimiento de niños con todo tipo de retrasos mentales. A estas personas calificadas de “degeneradas” (locos, enfermos, pobres, desgraciados) se las aparta de la sociedad y se las confina en “reservas” (eufemismo para campos de concentración), aislados del mundo racional y “normal” (pero que es al fin y al cabo más degenerado y sucio que el otro). El protagonista no se siente cómodo en la sociedad normal en la que vive sino que empatiza con los locos y los abandonados, así que, perseguido por sus propios fantasmas y visiones, decide viajar desde el mundo de los sanos hasta el de los degenerados, abandonando la sociedad convencional para adentrarse en la reserva, tomando parte en un viaje iniciático que le llevará a convertirse en el mesías de los degenerados, que lo ven como su única posibilidad de salvación. Luposhansky utilizó a verdaderos enfermos mentales sacados de diversos hospitales psiquiátricos para la grabación de muchas escenas de la película, confiriéndole así un dramatismo y una intensidad inusitada a las escenas en las que los degenerados celebran su particular misa, llegando a extremos de histeria colectiva absolutamente espeluznantes, algo que no habría podido hacerse con actores reales quienes al fin y al cabo están actuando. En la película, los locos, los pobres y los desgraciados lo son de verdad, así que el miedo, la soledad y la alienación que transmiten sus expresiones es auténtico. Algo parecido buscó Alejandro Jodorowsky en su magnífica película “El Topo”, donde su protagonista también toma parte en un viaje iniciático que le lleva a una caverna poblada por personas con todo tipo de deformidades físicas y retrasos mentales, para convertirse en su dios y salvarlos.

La interpretación del protagonista Victor Mijailov es encomiable, su capacidad para expresar deseperación gracias a sus duras facciones, y especialmente su transformación de persona sana a loco, llega a poner los pelos de punta en muchos momentos, así como la visceralidad que transmite durante su viaje iniciático que le llevará a expiar los pecados de la humanidad cargando en sus espaldas toda la pena, la vergüenza, la humillación y el dolor de los abandonados. En este viaje místico atraviesa paisajes desolados donde la naturaleza muestra toda su crueldad, desiertos, pantanos, mares enfurecidos, templos abandonados y culminando en lo alto de una montaña donde gritará su plegaria y renunciará a su razón para salvar a los más desgraciados. La única manera de salvar a la humanidad es el sacrificio (Tarkovsky también abordó este tema en su última obra, “Sacrificio”) así pues el protagonista pierde la razón y el lenguaje, se vuelve loco y en la escena final de la película lo vemos arrastrarse y gritar en medio de un vertedero de basuras interminable, iluminado por la luz rojiza de una puesta de sol aterradora, una escena de intensidad sostenida durante minutos, acompañada certeramente de la música de Schnittke. Uno de los finales más espeluznantes que recuerdo.

Desde luego que “El visitante del museo” es una obra que puede llegar a agotar al espectador medio, que incluso puede llegar a horrorizarle, pero es que hay ocasiones en las que el arte exige un esfuerzo y una entrega por nuestra parte, nos exige ir más allá del puro entretenimiento inofensivo para adentrarnos en terrenos más oscuros e inhóspitos, pero esenciales para vislumbrar las zonas más oscuras del alma. Un crítico alemán lo expuso claramente al referirse al estreno de esta película en 1989, diciendo que “tras dos horas viendo la película, el público llega a entender que todo no está en la comodidad, y eso es el arte, tan necesario como el pan.”

2012-01-01T06:47:00.000-08:00

AMON

2011-12-16T07:56:00.000-08:00

Amon es uno de los múltiples proyectos del músico italiano Andrea Marutti, miembro fundamental de la interesantísima escena ambient italiana junto a Stefano Musso (Alio Die) y Gianluigi Gasparetti (Oöphoi). Amon grabó una serie de discos clave en el dark ambient de los años 90, desarrollando una obra que combinaba el interés por los sonidos cósmicos y espaciales, el estudio de civilizaciones olvidadas (especialmente la egipcia) y los sonidos ambientales más densos y misteriosos que se conocen. Una discografía reducida y prácticamente imposible de conseguir, un ejercicio de arqueología sonora en la que sumergirse y desaparecer.

En discos como “Amon” (1996) y “Mer” (1999) Amon creó un dark ambient visceral, físico, cuya poderosísima vibración hace temblar las paredes y nos retumba en el estómago y las plantas de los pies cuando se escucha al volumen apropiado. A pesar de que Marutti no utiliza gongs, el efecto es similar al que produce el sonido de un gong, en el sentido de que el impacto no es sólo emocional sino también físico. En otros discos como “El Khela” (1997) o “The Legacy” (1999) Marutti opta por un sonido más sutil y subliminal, sin abandonar la estética dark ambient pero con un enfoque minimalista, investigando en el silencio, los ecos y el reverb, intentando reproducir el sonido de las catacumbas, con sus pasadizos estrechos, húmedos y claustrofóbicos, las partículas de polvo flotando en la oscuridad durante siglos, corrientes de agua subterráneas, piedras cayendo sobre el suelo de cavernas nunca exploradas por el hombre.

La propuesta de Amon está dominada por extensas composiciones que abundan en drones esféricos que se repiten y dilatan buscando estados hipnóticos, formando masas sonoras en expansión que oscilan lentamente como satélites olvidados orbitando alrededor de planetas muertos. Las notas se mantienen flotando durante minutos en una especie de mantra electrónico creando así una atmósfera sagrada y ritual propicia para alterar la conciencia y emprender la búsqueda del trance nocturno. Estos sonidos están vivos mientras fluyen de los altavoces y se extienden por la habitación envolviéndolo todo, inundando el espacio con sonidos ultra-graves, frecuencias subterráneas, reverberaciones metálicas y resonancias espectrales. Una música sugerente, que nos hace visualizar formas horribles y bellas simultáneamente, como una fotografía en negativo de un paisaje inerte, haciéndonos sentir la fascinación y el miedo ante el vacío que intuimos en los confines del universo, ante los abismos inexplorados en el fondo de los océanos o ante el espectáculo de una supernova en formación.

MOSS: "Sub Templum" (2008)

2011-11-12T14:39:00.000-08:00

“Sub Templum” es uno de esos discos que no han sido grabados para ser escuchados regularmente sino que es una de esas obras que necesitan momentos especiales para poder ser disfrutados en su integridad. Este es un disco nocturno e invernal, que requiere un estado mental apropiado y una predisposición emocional por parte del oyente, que debe estar preparado para poner su paciencia al límite y tensionar sus nervios al máximo. De lo contrario, sumergirse en esta pesadilla sonora puede convertirse en algo insoportable. Eso sí, si el oyente se encuentra en el estado apropiado, la experiencia es de esas que dejan huella para siempre.

Moss han llevado el género del doom a un punto de no retorno, rompiendo todo tipo de convenciones artísticas, ralentizando los tiempos al máximo, creando atmósferas opresivas y ofreciendo nuevas perspectivas sobre el feedback y la distorsión. Combinando en su enfoque minimalista las influencias de Sunn 0, Khanate, el “Dopesmoker” de Sleep y, por qué no, los ritmos brutales y agresivos de los primeros Swans, Moss han creado una fascinante propuesta sonora a la que le han añadido una particular idiosincrasia relacionada con su afición por lo macabro, el ocultismo, las visiones alucinógenas, la masonería, Lovecraft y los ritos iniciáticos.

“Sub Templum” fue su segundo disco, grabado en diversas sesiones nocturnas en Gales a principios de 2008, un trabajo que plantea un rito iniciático y la búsqueda del conocimiento (la luz en la oscuridad en el interior de un templo subterráneo, tal y como indica su título), entrelazando imaginería masónica (se les llegó a etiquetar como “Masonic Doom”) y su habitual pasión por los universos malsanos de Lovecraft.

4 temas distribuidos en 74 minutos. Unos pocos riffs, crudos y disonantes, increíblemente lentos, densos y agonizantes, apuntalados por una percusión minimal y desvencijada, y una voz cuyos alaridos nos recuerdan a los gritos de las brujas cuando ardían en la hoguera. La nota predominante de estas composiciones es la lentitud extrema de sus tiempos, la distorsión ultra-densa, la afinación gravísima y el bottom end aplastante. Un sonido de carácter físico que nos envuelve y aplasta al mismo tiempo que nos va hipnotizando con sus repeticiones rituales, como una especie de drone music llegada de las cavernas. La interpretación de los temas es absolutamente primitiva y brutal: el trío ejecuta sus lentísimos riffs mientras esculpe amenazadoras estructuras megalíticas sumergidas en la oscuridad y desesperación más absolutas. A pesar de la simplicidad de los escasos riffs que el grupo desarrolla con parsimonia, si escuchamos con atención y leemos entre líneas podemos encontrar una oculta riqueza de texturas, luces, sombras y ecos: detrás de la disonancia y los riffs amargos y fúnebres se esconde una belleza abyecta y fascinante.

Un auténtico “bad trip” para espíritus aventureros, cuyos efectos sobre nuestro cuerpo y mente perdurarán durante años.

JACKIE O'MOTHERFUCKER "Liberation"

2011-10-09T06:49:00.000-07:00

Liberación, este es el sonido y la actitud que me gusta oír en este trabajo de JOMF. Uno está aburrido de la monotonía de las notas de la mayoría de discos del panorama musical que se estrellan en pentagramas convencionales sin magia alguna. Con esta dosis de folk, rock y mucha improvisación orgánica dada por un sin fin de instrumentos (guitarras, clarinetes, órganos, violines, harmónicas, banjos, sitar, saxo, percusiones, teclados … y más que me dejo en el tintero), recuperamos el libre albedrío de la emoción de la música que te toca más allá de las convenciones, como una segunda piel hecha de ondas que se expanden por instinto y necesidad. Estas necesidades básicas se cumplen en todos sus trabajos, prueba con ellos si no tienes nada claro lo que es una buena improvisación, si no te convencen, quedarás atrapado y ligado en el círculo demoníaco del pentagrama confeso por la mayoría. No seas Nemo y ¡Libérate!

INGRAM MARSHALL: "Gradual Requiem"

2011-09-30T14:40:00.000-07:00

Sentirse perdido, rodeado de espesa niebla, en la costa de un país desconocido. De vez en cuando la niebla se disipa durante unos segundos y nos deja entrever paisajes oníricos e irreales para después envolvernos una vez más. Me siento confuso pero sin miedo, los sonidos que oigo son inquietantes pero también reconfortantes. Esa es la sensación que producen las composiciones de Ingram Marshall incluídas en este cd editado por el sello New Albion.
Estas tres piezas, compuestas a lo largo de los años 70 y 80, nos ofrecen un ejemplo de la visión creadora de Marshall quien, a pesar de venir del mundo más académico de la música contemporánea, en este disco se mueve en ámbitos más intuitivos cercanos al ambient y a las atmósferas etéreas y misteriosas.
Utilizando piano, sintetizador, gambuh (un tipo de flauta de Bali), instrumentos de viento, mandolina, voces y sonidos pre-grabados, Marshall elabora unos paisajes sonoros melancólicos y de gran belleza, en los que luces y sombras se alternan y metamorfosean de manera fluída en medio de atmósferas rebosantes de eco y delay. El hecho de combinar instrumentos acústicos con otros de origen electrónico le permitió ofrecer una paleta de sonidos mucho más rica y variada para así poder satisfacer sus necesidades creativas. El uso del gambuh le añade a su propuesta estética un sabor todavía más exótico y seductor.
Su música no ofrece melodías, ni ganchos, ni clímax, simplemente está ahí, en pleno equilibrio en el espacio, instalada sobre pulsaciones misteriosas, avanzando en lentas mutaciones a través de texturas sonoras que se van solapando y evolucionando, como un océano en movimiento o un satélite gravitando. De hecho, Marshall definió algunas de sus composiciones como “música contínua”, es decir, que no tiene inicio ni final, sino que existe durante un período de tiempo que podía ser minutos, horas e incluso días. Composiciones aparentemente básicas y sencillas pero que van creciendo con sucesivas escuchas, revelando matices, destellos y sensaciones nuevas así como una riqueza y complejidad interna que las hace únicas.
A nivel visual su música es riquísima: los sonidos y los ecos nos transportan a paisajes desolados y misteriosos envueltos en la niebla, sus texturas tan bien estructuradas nos conmueven profundamente a nivel emocional mientras su pulsación arcáica nos hipnotiza y nos mece, llevándonos al umbral del sueño para después soltarnos la mano y dejarnos proseguir nuestro viaje en solitario.

AD LUX TENEBRAE

2011-09-05T13:46:00.000-07:00

Hay ocasiones en las que te encuentras con ciertos discos que trascenden los límites de lo puramente musical para adentrarse en terrenos trascendentales y cercanos a las revelaciones místicas. Discos que están fuera del circuito comercial y cuyo objetivo no es el entretenimiento ni el usar y tirar habitual en el mercado discográfico. Es el caso de Ad Lux Tenebrae, un grupo siberiano que lleva unos años participando en rituales secretos que después plasman en sus grabaciones sonoras. El grupo está rodeado de un aura de oscuridad y misterio que hace todavía más hermética su propuesta. Sus discos, disponibles en ediciones limitadas, son prácticamente imposibles de conseguir. Sus miembros se ocultan en el anonimato más absoluto. No hay prácticamente información sobre ellos en internet. No hay fotografías. No hay entrevistas. Y todo esto es debido a que el grupo no quiere entrar en el juego de la industria discográfica ni en las convenciones de la música popular ni seguir los valores de la civilización moderna sino que su trabajo está más cerca de los chamanes y exorcistas de diversas culturas, cuyo objetivo es hacernos alcanzar estados de conciencia superiores y ayudarnos a conseguir un mayor conocimiento de nuestra vida interior.

Ad Lux Tenebrae vienen de la ciudad de Ekaterimburgo, en Siberia, y forman parte de una pequeña pero fascinante escena local de grupos dedicados al dark ambient, al drone ambient y a la música ritual, trabajando con grupos hermanos de su misma ciudad como Velehentor y Closing The Eternity, de los que también hablaremos en este artículo.

El disco más antiguo de Ad Lux Tenebrae que tengo en mi poder fue grabado en el año 2002 junto a otro de los grupos legendarios de la escena siberiana: Velehentor. Se titulaba “Dyatlov´s Pass”, obra maestra del ambient ritual-chamánico que incluía 2 extensas composiciones: primero, un tema de más de una hora de duración a cargo de Velehentor y después otro tema de 46 minutos interpretado por Velehentor y Ad Lux Tenebrae, un verdadero agujero negro en el que los drones ultra-profundos elaborados por las dos formaciones nos llevan en un viaje interior hacia lo más oscuro y recóndito de nuestra alma. Velehentor elabora sus drones subyugantes y expansivos con notas que se mantienen en el aire indefinidamente, mientras que Ad Lux Tenebrae utiliza todo tipo de percusiones (hierros, campanas, gongs) y voces que deben tanto a los cantantes guturales de Mongolia como a los monjes Tibetanos. Atmósfera sobrenatural, fría, desoladora, fiel reflejo de los gélidos paisajes siberianos. Uno de los discos más oscuros, intensos y devastadores de las últimas décadas. Insisto, escuchar este disco es una experiencia que va mucho más allá del simple proceso de escuchar música, es un proceso de hipnosis, trance, descenso a los infiernos y purificación espiritual.

La segunda grabación de la que hablaré es del año 2004 y se titula “Nearby Being”. Se trata de una colaboración entre Ad Lux Tenebrae y su grupo hermano Closing The Eternity. En este disco los dos grupos ofrecen una lección magistral de música ritual, hipnosis, drone, con una atmósfera más etérea y caleidoscópica que el anterior “Dyatlov's Pass” y construyendo riquísimas capas de sonido y paisajes de una belleza inquietante. Todos los drones y atmósferas fueron generados con instrumentos acústicos: hierros, campanas, madera, cuencos tibetanos y diversos objetos fabricados por Ad Lux Tenebrae. Las tres extensas composiciones (cerca de 20 minutos cada una) sirven una vez más para la meditación y el viaje interior. Los sonidos, expansivos y acogedores, ascienden hacia la bóveda celestial y nos dejan al borde de un abismo en el que se sugiere que hay algo más allá. Un disco cuyos efectos a nivel emocional y espiritual se dejan notar de manera sutil pero efectiva, su escucha nos hace diferentes cada vez.

El primer disco en solitario de Ad Lux Tenebrae es del año 2006 y se titula “Sketches From That Autumn”, un trabajo no tan oscuro pero sí tan misterioso como los anteriores. Es un trabajo de carácter más explorador y variado, de naturaleza improvisada. El grupo se fue a los Montes Urales en Siberia, a diversas cabañas abandonadas, bosques, pantanos y ríos, y allí, lejos de la civilización, grabó los temas de este disco, improvisaciones de guitarra acústica, arpa, violín, instrumentos caseros, field recordings de sonidos naturales, grabaciones antiguas de música folk siberiana y cantos chamánicos. Cuando escucho este disco puedo sentir en la distancia las fuerzas primigenias de los bosques y montañas siberianas donde estos temas fueron grabados, su espíritu ascético y su vibración chamánica.

El siguiente trabajo de Ad Lux Tenebrae recopila dos rituales celebrados en 2004 y 2008, y se titula “Zov Predkov”. Es un trabajo de carácter ritual y chamánico, repleto de cantos y voces en trance, percusiones manuales y electrificadas, drones primitivos. Música en estado salvaje, indomable, fuera de la civilización, respirando la pureza de abandonados parajes siberianos. Un disco que suena vivo y orgánico, con momentos de intensidad poderosa y pasajes misteriosos y herméticos. Los aspectos mágicos de estas composiciones, así como su atmósfera ritual, lo hacen ideal para acompañar las sesiones de meditación profunda. Su escucha continuada puede provocar cambios imprevisibles en el interior del oyente.

El último trabajo hasta la fecha de Ad Lux Tenebrae es otra colaboración, de nuevo con Closing The Eternity, se trata de un doble cd grabado en 2005 pero publicado en 2010, y que tiene por título “Skywards The Infinity”, disco que profundiza en su anterior colaboración (“Nearby Being”), es decir, texturas sonoras riquísimas, drones hipnóticos, sonoridades flotantes en el horizonte, dark ambient trascendental.

Esta es hasta ahora la discografía de este fascinante proyecto, una música que obviamente no será del gusto de las audiencias mayoritarias pero sí de todas aquellas personas que estén buscando experiencias hipnóticas cercanas al misticismo y a la exploración de realidades interiores poco frecuentadas.

BELA TARR: Sátántangó

2011-07-29T15:06:00.000-07:00

Un colectivo de agricultores en Hungría ve como su sueño se ha venido abajo tras la caida del comunismo. Aislados del mundo, sobreviven en la miseria, hundidos en el alcoholismo, la depresión y la decadencia moral. Sobreviven al paso de los días conforme pueden, emborrachándose, prostituyéndose, peleándose, en medio de un paisaje gris, opresivo, vacío y desolado. El infierno en la tierra. Perdedores, fracasados, cobardes, borrachos, desarraigados, abandonados: a pesar de eso, creen en los milagros. Su única esperanza reside en Irimias, su lider espiritual, su profeta, su mesías, que les promete un nuevo futuro, una nueva utopía en la que creerán con desesperación, hasta las últimas consecuencias.

Sátántangó (1994) es una de esas experiencias cinematográficas clave en el cine del siglo XX, una obra fascinante e inabarcable que nos sumerge en un mundo de soledad, oscuridad y desaliento que transforma al espectador gracias al poder sugestivo y curativo de sus imágenes. A pesar de ser una película durísima tanto en el contenido como en su plasmación visual, a pesar de su temática enigmática, alegórica e incluso mística, de su duración (más de siete horas) y de ese austero uso del blanco y negro, su efecto reparador y liberador es indescriptible. Obviamente no es una obra para mentes superficiales, para consumidores de cine de entretenimiento ni para personas con poca disciplina, pero si uno entra en su mundo sabiendo lo que se va encontrar, la recompensa es máxima.

Obra fundamental del director húngaro Bela Tarr, el film ofrece el sello característico de todos sus trabajos y de su personal estilo de narrar historias: personajes solitarios, silenciosos, deshauciados, de raíz Dostoyevskiana, viviendo al límite de la existencia, hundidos en la apatía y asfixiados por una realidad gris y sin sentido, paisajes desolados, casas en ruinas, hombres encorvados deambulando por calles vacías, bajo la incesante lluvia y el cielo plomizo, descampados llenos de barro y charcos, callejones repletos de basura y mierda donde perros abandonados buscan comida, la soledad, el vacío, la callada desesperación que asesina por dentro.
Las películas de Bela Tarr son trabajos extremadamente cuidados a nivel visual, son ese tipo de películas que, al igual que sucede con las obras de Tarkovsky o de Angelopoulos, se aprecian en un sentido casi pictórico: esos planos secuencia lentísimos, interminables, en los que la cámara se mueve con parsimonia, milímetro a milímetro, como si observásemos un cuadro, donde cada objeto, cada luz y cada sombra están ahí colocados con intención, nada sobra, sólo es cuestión de admirar la belleza inagotable en cada fotograma, en cada segundo que pasa ante nuestros ojos. A pesar de su austeridad, el impacto visual es descomunal, hay veces que es difícil asimilar tanta belleza.

Sátántangó se abre con una inquietante secuencia de 8 minutos en el que vemos unas vacas caminando a través del interminable barro y los charcos de agua estancada en la pequeña aldea rural en ruinas, bajo un cielo oscuro y opresivo. No se ve a nadie por las calles desiertas. Miseria, desolación, abandono, y un clima espiritual de aridez y desamparo. Vacas vagando sin rumbo ni destino, igual que los hombres que todavía viven en esta aldea. Misterio, incertidumbre, expectación ante lo que vendrá después. Tarr nos está enseñando a mirar de otra manera, a percibir el tiempo desde otra perspectiva, a romper con los patrones culturales que nos ha impuesto la sociedad en que vivimos y a aprender que hay otras maneras de sentir, ver y oir. Abrir los ojos y aprender a mirar de nuevo. Arte. Nada más. Nunca se ha dicho que el arte tenga que ser “fácil” y “agradable” (es decir, la concepción burguesa del arte como pasatiempo, como entretenimiento). Obviamente, esto le puede parecer una tomadura de pelo al espectador medio, ese que busca argumento, acción, movimiento, persecuciones, efectos especiales, diálogos ingeniosos y ocurrentes. Muy bien, allá cada uno con sus gustos. En el caso del cine de Bela Tarr la lentitud extrema de sus planos es su mayor virtud ya que intensifica las sensaciones al máximo, el espectador se sumerge totalmente en ese universo visual, paladeando cada imágen con tiempo, amplificando así el efecto en nuestros resortes sensitivos y emocionales. El problema que muchas personas puedan tener con este tipo de películas no es la lentitud sino el exceso de intensidad, el sentirse avasallados por el peso de las imágenes y la cantidad de pensamientos (no siempre agradables) que suscitan. El caso más claro es el de la polémica escena de la niña que, mientras su madre se prostituye con un cliente, decide expulsar toda su frustración matando a su gatito. En este fragmento de la película observamos lentamente y con detalle cómo la niña tortura a su gatito golpeándolo y arrastrándolo por el suelo y acto seguido lo envenena, para después suicidarse ella tomando matarratas. Todo esto durante unos 20 minutos en primer plano, sin música (sólo la lluvia de fondo) y con un gato real, sin piedad, sin artificios, en una escena de una intensidad desgarradora, que en absoluto es un ejercicio estilístico de violencia gratuita sino que es una dolorosa reflexión sobre la crueldad humana y el abuso de poder contra los más débiles.

Cuando uno ve obras como Sátántangó se da cuenta de por qué el cine es arte, en mayúsculas, y también entiende por qué gran parte las de películas que se estrenan hoy en día son auténtica bazofia intrascendente cuyo único fin es hacer que pase el tiempo de la manera más aséptica posible. Ver Sátántangó es mucho más que el simple acto de ver una película, es una experiencia única en sí, un viaje a lo más oscuro del alma humana cuyos efectos perduran en nosotros para siempre.

LA FAM Nº 4 YA DISPONIBLE

2011-07-04T15:08:00.001-07:00

El número 4 de La Fam ya está disponible.

Incluye artículos y reseñas sobre Arktau Eos, Voodoo Muzak, Traummaschine, Mick Harris, Popol Vuh, Swans, Gyakusatsu, Mauthausen Orchestra, Elias Merhige, Biota y más.

24 páginas en blanco y negro, casero y absolutamente gratuito, como tiene que ser.

Personas interesadas contactad a través del correo lafamzine@gmail.com

ROCK IN OPPOSITION

2011-06-22T13:42:00.000-07:00

El movimiento musical del Rock In Opposition es una de las tendencias estéticas más interesantes de las últimas décadas.

A finales de los años 70, una serie de grupos de diversos paises decidieron aunar esfuerzos para ofrecer nuevas propuestas en contra de lo que estaba establecido por las discográficas, prensa y establishment musical. El proyecto inicial surge de las manos del legendario grupo británico Henry Cow (liderado por músicos respetadísimos en la escena más experimental como Fred Frith y Chris Cutler) quienes, tras contactar con grupos afines en la escena europea, decidieron fundar el movimiento R.I.O. y trabajar al margen de los canales oficiales. Henry Cow se lo propusieron a los italianos Stormy Six, los belgas Univers Zero, los franceses Etron Fou Leloublan y los suecos Samla Mammas Manna. Esto ya es indicativo del grado de inconformismo del movimiento: en una época en la que el mercado del rock estaba dominado por los anglosajones, el R.I.O. surgió como un proyecto internacionalista, de hecho sólo había un grupo británico, y el inglés no era el idioma dominante ya que cada grupo cantaba en su lengua materna.

En 1978 los diferentes grupos se convirtieron en colectivo y establecieron su punto de reunión en los estudios Sunrise, en Suiza, donde también grabaron la mayoría de sus discos. Establecieron unos criterios musicales para pertenecer al colectivo. Estos eran: excelencia musical, trabajar activamente fuera del ámbito musical y tener una actitud comprometida en el rock. Tras las primeras reuniones se añadieron los británicos Art Bears, los franceses Art Zoyd y los belgas Aksak Maboul.

A pesar de las diferencias estilísticas entre todos los grupos, todos ellos coincidían en su enfoque absolutamente iconoclasta y experimental hacia la música. Partiendo del rock progresivo más radical (Zappa and The Mothers, Magma, King Crimson), combinaron sonidos provenientes del jazz (free y fusión, Coltrane, Coleman, Davis, etc.), la música contemporánea (Messiaen, Stravinsky, Schoenberg, Bartok), improvisación, folk y todo tipo de rarezas.

En un principio se habló de tener un cierto grado de compromiso social en las letras, y así fue en los casos de Henry Cow, Art Bears y Stormy Six, pero no en los otros grupos, que en la mayoría de ocasiones optaron por hacer música de carácter instrumental y alejada de todo contenido social, especialmente en el caso de Univers Zero y Art Zoyd. De ahí surgieron diferencias en el seno del colectivo y tras poco más de un año de actividad (reuniones, intercambios, festivales organizados en diferentes paises), los grupos decidieron dejar la acción conjunta a finales de 1979.
A pesar de su breve existencia el R.I.O. continuó su labor a través de sellos como Recommended y Cuneiform, y cientos de grupos siguieron trabajando bajo sus coordenadas estilisticas: grupos como Present, 5 uu's, Motor Totemist Guild, Nazca, Guapo y tantos otros.

A continuación repasamos los 8 grupos que formaron parte del colectivo Rock In Opposition desde 1978 a 1979, fecha en la que se disolvió el movimiento.

HENRY COW
Ejemplo perfecto de grupo que combina vanguardia estética y compromiso político. Pioneros del R.I.O. con su combinación de rock progresivo de corte radical, free jazz, música contemporánea e improvisación, todo ello respaldado por letras de explícita tendencia izquierdista. Un grupo admirable en todos los sentidos. Álbumes clave: “In Praise Of Learning” (1975) y “Western Culture” (1978).

STORMY SIX
A pesar de sus inicios algo más convencionales, los italianos Stormy Six evolucionaron poco a poco (especialmente gracias a sus contactos con Henry Cow) hacia un rock progresivo más complejo e intenso, recurriendo también a textos anticapitalistas y en defensa del proletariado, manteniendo una relación cercana al Partido Comunista Italiano. Su disco fundamental fue “Macchina Maccheronica” de 1980.

ETRON FOU LELOUBLAN
El grupo más loco, caótico y lúdico de todo el movimiento R.I.O. Los franceses grabaron diversos álbumes de música nerviosa, angular y convulsa similar a Captain Beefheart y textos surrealistas y muy singulares. Clásicos: “Batelanges” (1977), “Les 3 fous perdegagnent” (1978) y cualquiera de sus discos en los años 80.

UNIVERS ZERO
Mezcla de Magma, Henry Cow y King Crimson pero mucho más oscuros, cruce de caminos entre el R.I.O. y el Zeuhl, Univers Zero han venido grabando la música más amenazadora e intimidatoria de las últimas décadas. Evolucionaron de un sonido más acústico en plan orquesta de cámara pasada por el filtro progresivo (“1313” en 1977, “Heresie” en 1979, su obra maestra) para después ir incluyendo elementos eléctricos (“Ceux de Dehors”, 1981). Una fascinante trayectoria que llega hasta nuestros días.

ZAMLA MAMMAZ MANNA
Extraña banda sueca de folk-prog con ecos del primer Zappa con los Mothers of Invention. En ocasiones mostraban su faceta más oscura con largas piezas estructuradas e improvisaciones salvajes a lo Henry Cow. Indispensable: “Schlagerns Mystik” (1978).

ART BEARS
Grupo fundamental y absolutamente seminal. Nacidos tras la disolución de Henry Cow en 1978 y liderados por Chris Cutler, Fred Frith y Dagmar Krause. Canciones cortas que acumulan niveles descomunales de intensidad, oscuridad y belleza. Letras durísimas, criticando el lado más injusto de la sociedad. Tan sólo grabaron tres álbumes, todos ellos indiscutibles joyas: “Hopes And Fears” (1978), “Winter Songs” (1979) y “The World As It Is Today” (1980).

ART ZOYD
Sus primeros trabajos, absolutamente fascinantes, se encuentran entre lo mejorcito de la música experimental francesa. Música minimalista, compleja, bellísima, sublime y misteriosa, hecha para ser escuchada con los cinco sentidos. Cualquiera de sus 5 o 6 primeros discos es una joya, pero su obra maestra absoluta es el doble disco “Phase 4” de 1982.

AKSAK MABOUL
Fascinante mezcla de jazz, prog-rock, improvisación, folk, música contemporánea, cintas manipuladas, trabajo de post-producción en estudio y mucho más. Para su segundo disco, el clásico “Un Peu de l'Ame Des Bandits” (1980) contaron con la colaboración de miembros de Art Bears y Univers Zero.

BORIS "Pink" (2005)

2011-06-08T07:15:00.000-07:00

Una reseña de Blackdecker

A estas alturas de la película no se trata de ser el más duro. O puede que sí. No lo sé. En esto de la música siempre te acaba te saliendo un último duro de la siguiente esquina. Luego está nuestra capacidad de dolor. El conocimiento de nuestra cueva y de los personajes que habitan en ella. Los diversos monstruos que nos ocupan. Y el gusto por la electricidad, por ese latigazo que recorre nuestra espina cuando metemos los dedos en el enchufe. ¿O es que no recuerdan cómo se les erizaba el pelo? Eso era lo mejor, y el pestazo a quemado de nuestra propia carne, y esos tres segundos que te quedas en blanco que es cuando traspasas el umbral. Lo peor, cuando te ataban a la camilla. Lo mejor, el aliento de la enfermera si mascaba fresa o vainilla. Los pellizcos cuando aplicaban mal los electrodos. O el jueguecito de le doy o no le doy a los voltios, bajo la palanca y te frío, o espero unos segundos y, cuando no te enteres, suelto la corriente. Cuando te quitan de ahí y te llevan fuera, el zumbido que te queda es persistente. Dura. Depende del día, unos minutos, o unas horas.

CHRISTIAN DEATH "Sex & Drugs & Jesus Christ" (1988)

2011-05-28T06:23:00.000-07:00

Portada mítica para todos los que la conocimos en su momento, era lo más provocativo que te podía enseñar cualquier amigote adolescente. Pero no es una portada vacía de contenido, un gran rock-gótico recorre los cortes con momentos muy acertados de experimentación y todo ello expresado con una gran intensidad. Muy oscuro y sacro a la vez, como si sonara desde el confesionario de alguna catedral gótica - esas construcciones que servían para mostrar la grandeza de Dios y su reino y la posición de las personas mundanas en la tierra - denunciando alguna ignominia de oratoria parroquial como el temor a Dios que recela la Biblia.

Nota: En mi adolescencia me escondí el disco cuando me lo dejaron por no tener la seguridad de cómo les iba a afectar a mis padres el visionado de la portada.

SACHER-PELZ

2011-05-10T13:37:00.000-07:00

Maurizio Bianchi es una de las figuras clave en la escena ruidista/experimental europea de las últimas décadas. En los años 80, bajo el seudónimo de M.B., grabó algunos de los discos más importantes de la música industrial, siempre trabajando en el aislamiento más absoluto, gestando a su alrededor un áura enigmática y misteriosa, produciendo unas grabaciones intrigantes y enfermizas que crearon escuela en multitud de grupos de la escena Power Electronics. En 1984 decidió desaparecer del panorama musical, y no regresó hasta finales de los 90, cuando continuó su producción discográfica de manera febril hasta hoy en día.
Pero antes de todo esto, Maurizio Bianchi tuvo un proyecto al que llamó Sacher-Pelz, con el que grabó 4 cassettes entre 1979 y 1980, titulados “Cainus”, “Venus”, “Cease to exist” y “Velours”, todos ellos autoeditados y con una tirada limitadísima.
Sacher-Pelz propone un trabajo de mutilación, destrucción, manipulación y deformación de diversas fuentes sonoras ya existentes (música extraida de discos de vinilo), que son transformadas y re-estructuradas hasta conseguir un resultado que nada tiene que ver con su fuente original. De-construyendo los sonidos extraidos de viejos vinilos, grabando, regrabando, cortando y pegando, Bianchi crea una serie de ásperos y espectrales paisajes en blanco y negro, ambientes en negativo, loops obsesivos que se repiten sin piedad, variando su velocidad, densidad, tonalidad y textura, para así hipnotizar/desquiciar al oyente (táchese lo que proceda). El trabajo de montaje y manipulación sonora lo emparenta con los experimentos de “musique concrete” que iniciaron Pierre Schaeffer y Pierre Henry, aunque Bianchi lo pasa por el filtro primitivo, industrial y ruidista de Boyd Rice y Throbbing Gristle, consiguiendo así una “anti-música” de carácter lo-fi pero adelantada a su tiempo (finales de los 70).
El resultado: burbujas de sonido crepitante; cortocircuitos electrónicos dirigidos al sistema nervioso; estructuras sonoras fracturadas, asimétricas, saturadas; ruido atonal, opresivo y disonante; collages siniestros, abstractos y futuristas; paisajes monótonos, grises, deshumanizados, reproduciendo las imágenes de la metrópolis post-industrial, con sus cadenas de montaje, polígonos industriales, hileras interminables de edificios, el tráfico incesante de vehículos y los ciudadanos cabizbajos aplastados por el smog y la contaminación, océanos de chatarra y residuos; perros abandonados copulan y se reproducen incesantemente en callejones oscuros repletos de basura, su progenie destinada a la miseria y la muerte, destino similar al de miles de humanos.
En sus cassettes, Sacher-Pelz expresa su agradecimiento a gente como Throbbing Gristle, Monte Cazazza, el Marqués de Sade, Leopold Sacher-Masoch, Charles Manson, creando así un marco socio-cultural que expone claramente por dónde se movía Bianchi en aquellos años: experimentación, ruido, sado-masoquismo, pornografía, violencia, exploración del tabú y lo ilegal. En uno de los collages creados por Maurizio Bianchi para ilustrar sus trabajos con Sacher-Pelz se puede leer, debajo de una foto de varios dirigentes nazis reunidos alrededor de una mesa; “This is pure art for crime people”, esto es arte puro para criminales. Sobran las palabras.

GRIEF

2011-04-25T14:18:00.000-07:00

HASTA LOS HUEVOS DE TODO

Grief fueron uno de los pilares fundamentales del sludge norteamericano de los años 90 junto a Eyehategod. Pero fueron Grief los que llevaron el sonido Sabbath/Melvins/Vitus a un callejón sin salida: riffs amargos, grasientos, disonantes y horribles que nos machacan el cuerpo sin compasión. Las guitarras aúllan como animales moribundos, el sonido de bajo es inmenso, la batería sencilla, al grano, aplastando los ritmos sin complicación. No hay groove ni melodías a las que aferrarse, al contrario, los riffs suenan como fracturados, asimétricos, los cambios se producen en el momento más inesperado, las estructuras están rotas, lo cual hace que la escucha sea más cerebral e incluso desagradable en ocasiones (pero ahí reside su encanto).

En la primera mitad de los 90 Grief grabaron clásicos como “Come to grief” y “Miserably ever after”, sonido grave, riffs lentos y narcolépticos hasta la desesperación, oleadas de ruido, distorsión y feedback incendiario acompañados de una batería en plan martillo-yunque, y una voz que escupe asco y náusea a traves de sus textos a lo Bukowski pero en plan terminal. En la segunda mitad de los 90 llegaron “Torso” y “...And man will become the hunted” donde perfeccionan su estilo, sin grandes cambios, pero con un sonido algo más limpio, crujiente y aplastante, lo que ofrece más matices al sonido Grief. Nada de virtuosismo musical, simplemente cuatro tíos vaciando sus entrañas y expulsando lo peor de sí mismos de la manera más salvaje posible. Las voces de Jeff Hayward, rasposas y chirriantes, más cercanas al grindcore que al metal, suenan convincentes: es difícil cantar este tipo de cosas de otra manera, hay que gritar, vomitar toda la bilis, notar como le hierve la sangre al cantar cada una de las estrofas (y al oyente tres cuartos de lo mismo).

Sus letras eran auténticos himnos a la soledad, la desesperación, al aislamiento emocional, a la renuncia. Existencialismo para clases obreras, sin sistemas filosóficos ni conceptos abstractos. Letras sinceras, sencillas, sin artificio, expresando el dolor de un hombre vencido por las circunstancias que le rodean, traicionado, abandonado, humillado, fracasado, recurriendo a la droga y al alcohol como única salida al caos en el que está envuelto. Esto no es poesía, no es literatura, es simplemente la crónica de una derrota.

Temas como “Lifeless”, “Hate grows stronger”, “I hate you”, “Down in the dumps again”, “Low life”, “Falling apart” y tantos otros van cayendo lentamente, rezumando odio y rabia por los altavoces mientras una ola de calor viscoso nos envuelve, nuestro cuerpo está tensionado al máximo y notamos como el sudor es expulsado por cada uno de nuestros poros. La experiencia de escuchar y vivir la música de Grief nos deja exhaustos, al igual que ocurre con Swans, Khanate o Godflesh. La catarsis que provoca en el oyente nos deja limpios, tras asomarnos al abismo tenemos más claridad de ideas, listos para sobrevivir en esta jungla otro día más.

ROYAL TRUX "Twin Infinitives" (1990)

2011-04-12T00:28:00.000-07:00

Después de afrontar su destartalado rock de serie B en Accelerator (1998) me esperaba encontrar una versión más rudimentaria en su pasado, pero desde luego no encontrarme con este desmembramiento del rock, víctima de una deconstrucción masiva, deglutido sin compasión, donde solo dejan los engranajes desordenados dando una grotesca impresión.
Me suena a un trío etílico entre Chrome, Throbbing Gristle y el Trout Mask Replica de C.B.
También deja imágenes en mi memoria, me recuerda los locales de ensayo de los grupos noise de la época, con sus destrozadas paredes, fotos chungas desparramadas y mobiliario carcomido. Y como no, a los conciertos de rock, con su suelo húmedo por las cervezas derramadas acompañadas por la BSO cortante de los vasos de plástico al aplastarlos y el humo haciendo lagrimear los ojos.
Sin duda la guinda del pastel de este way-of-life rockero es la rúbrica que practican Royal Trux en este trabajo:
El vómito.

ANDREY ISKANOV

2011-03-29T14:08:00.000-07:00

El director ruso Andrey Iskanov es uno de los mejores exponentes del cine fantástico de la última década. Su propuesta transgrede las normas del género para adentrarse en terrenos más experimentales y poco convencionales, fusionando surrealismo macabro, experimentación audio-visual y violencia gráfica extrema. Su filmografía hasta el momento incluye tan sólo 3 películas que han contribuido a crear una estética propia, Iskanoviana por así decirlo, con ecos del críptico “Eraserhead” de David Lynch, los elementos cibernéticos y apocalípticos del “Tetsuo” de Tsukamoto, el onirismo de “Begotten”, la estética decadente de las primeras obras de Cronenberg y Buttgereit y los terrores nocturnos de Jan Svanmaker. Iskanov se ha convertido en una figura de referencia en el cine más radical de los últimos años en los ambientes más underground y anticomerciales. A continuación repasaremos sus películas.

Su primer film se titula “Nails” y es de 2003. En él vemos al personaje principal (“Hitman”), un asesino a sueldo cuya conciencia le tortura hasta legar al extremo de que los recuerdos de sus víctimas le obsesionan y le impiden vivir tranquilo. El paisaje opresivo y desolado de una anónima ciudad en Siberia, con sus bloques de edificios y sus luces de neón sirven de telón de fondo para la progresiva degeneración mental del protagonista. Ante una existencia insoportable, en la que las imágenes de los cadáveres de sus víctimas se le aparecen en sueños y sus voces no dejan de resonar en su interior, decide hacer algo para escapar a todo ese dolor que le atormenta. Tras informarse sobre el tema, el hombre decide practicarse a sí mismo diversos ejercicios de trepanación, insertándose clavos en el cerebro, unos clavos que, en contacto con ciertas zonas de su cerebro, le provocan visiones y alucinaciones con las que puede huir de la realidad. Poco a poco se va obsesionando con estas visiones y con la posibilidad de penetrar en una dimensión paralela, así que decide continuar insertándose más y más clavos mientras se dirige inexorablemente hacia una espiral de paranoia, caos, locura y auto-destrucción. Aquí Iskanov nos muestra ya una de sus grandes virtudes: la de plasmar en el celuloide las alucinaciones del personaje, cuya realidad cotidiana se va modificando progresivamente, los objetos circundantes pierden su forma, todo lo ve borroso y envuelto en la niebla, los sonidos se transforman, de las latas de conservas ya no caen alimentos sino ojos, dedos, insectos y masas gelatinosas. Iskanov nos muestra con maestría en diversos pasajes oníricos las alucinaciones del personaje a través de unas secuencias surrealistas, caleidoscópicas, retorcidas hasta lo indecible, en pleno trip psicodélico, imágenes que nos deslumbran por su gran belleza e impacto, repletas de tintes y filtros de colores que deforman nuestra visión, y que van ganando en intensidad hasta llegar al delirante final de la película.

Su segundo trabajo se llama “Visions of suffering”, de 2006. En este trabajo Iskanov profundiza en las directrices formuladas en su debut, pero esta vez se centra no en el mundo de las alucinaciones sino en el de las pesadillas. El protagonista del film sufre unas terribles pesadillas cada vez que llueve. Estos amenazadores sueños amenazan con destruir su equilibrio psíquico y su vida. Poco a poco los personajes van penetrando en el orígen y significado de estas pesadillas, en una historia que combina el vampirismo, la sexualidad reprimida y el uso de drogas como elemento para conseguir estados de conciencia superiores. De nuevo Iskanov nos deslumbra con su capacidad para reproducir esas pesadillas en la pantalla: los elementos oníricos, los viajes psicotrópicos, los juegos de colores y sombras, las asociaciones surrealistas que combinan lo macabro con lo absurdo y bucean en océanos del inconsciente colectivo, donde se retuercen miedos irracionales. Los personajes se mueven en paisajes apocalípticos de naturaleza post-industrial, envueltos en la lluvia y la niebla. A nivel visual la película (al igual que sucede con “Nails”) es fascinante, y esta es una de las características que hace que la obra de Iskanov sea tan especial: la fotografía está cuidada al detalle, el trabajo de post-producción da como resultado unos fotogramas que son auténticas obras de arte, con un estilo visual muy personal, perturbador y absolutamente fascinante.

Su último trabajo hasta la fecha es “Philosophy of a knife” (2008), su obra más radical y polémica. En este trabajo Iskanov abandona la temática fantástica de sus dos films anteriores para ofrecernos una historia basada en hechos reales sobre los experimentos que tuvieron lugar en la llamada Unidad 731 a cargo de los médicos japoneses en los años 30 y 40. La película, rodada en un blanco y negro brutal y presentada como un “falso documental”, combina la estética desolada y post-industrial típica de Iskanov con material real de archivo tanto de guerra (soldados en plena batalla, cadáveres y ejecuciones) como material médico (intervenciones quirúrgicas, autopsias, imágenes de víctimas de experimentos). Iskanov retrata sin piedad todo tipo de experimentos médicos y atrocidades que ocurrieron en la Unidad 731: armas bacteriológicas, enfermedades y virus variados, exposición del cuerpo humano a condiciones extremas, en fin, un catálogo de atrocidades en las que los prisioneros son simples cobayas a merced de los médicos japoneses. Así como hay directores que prefieren sugerir en vez de mostrar, Iskanov opta por lo contario: no nos sugiere sino que muestra explícitamente, con todo lujo de detalles y con una parsimonia espeluznante, las imágenes de los experimentos médicos más salvajes, desde una perspectiva realista, dura e impactante: despellejamientos, extirpación de dientes, electrocutamientos, cámaras de descompresión, introducción de insectos en el cuerpo, vivisección, el umbral del dolor... Y todo ello durante 4 horas y media que es lo que dura la película. Muchas personas han descalificado esta película debido ya no sólo a su duración sino a la crudeza y brutalidad de sus imágenes, que en ocasiones parecen tan reales que podían pasar por un documental. Hay que dejar claro que“Philosophy of a knife” no es un simple desfile de atrocidades gratuitas sino que es una obra con clara intención artística: Iskanov se esfuerza en convertir cada fotograma, cada secuencia, cada enfoque, en una experiencia visual y artística plenamente satisfactoria, una experiencia irreal y onírica. Así pues, lo que en un principio es algo terrorífico como son las torturas y experimentos médicos que se nos muestran, se convierten en arte a través del filtro mágico de la camara de Iskanov. Un arte degenerado, terrible e insoportable para muchos, pero nunca se dijo que el arte debiera ser algo fácil y reconfortante, hay gente que en el mundo estético prefiere los desafíos y sumergirse en los infiernos más oscuros. “Philosophy of a knife” es sin duda una de las obras más extremas y radicales en lo que llevamos de siglo 21, es más, diría que de toda la historia del cine, un trabajo fascinante y terrible al mismo tiempo, que nos muestra hasta dónde puede llegar la crueldad y perversidad humanas.

Aquí concluye este viaje por la obra de Andrey Iskanov, cuya nueva película (“Ingression”) está recién finalizada y promete ser un regreso a su anterior mundo onírico. Estaremos atentos para ver lo que nos depara una vez más la imaginación del maestro ruso.

YEN POX

2011-03-17T10:42:00.001-07:00

El dúo norteamericano Yen Pox son uno de esos clásicos prácticamente desconocidos de la escena dark ambient de los 90. En su época se les llegó a comparar con gente como Lustmord, Robert Rich, Thomas Köner y Lull, aunque por diversas circunstancias nunca llegaron a tener la repercusión que tuvieron los mencionados artistas. A pesar de eso, sus escasas grabaciones se convirtieron en objeto de culto.
Sus primeras grabaciones, como el cassette “Yen Pox” de 1993, combinaban los sonidos más oscuros de corte ambiental con elementos ruidistas e industriales, desde una perspectiva casi mística y ritual.
El dúo pulió y refinó su sonido para su obra maestra “Blood music” de 1995, simplificando su propuesta y dejando de lado los elementos ruidistas para centrarse en un dark ambient minimalista, denso y absorbente, creando paisajes húmedos, cavernosos, desolados y oscuros, donde las texturas fluyen libremente sin elementos ni melodías que perturben la escucha.
Sus atmosféricas composiciones se mueven lentamente a través de drones, masas y nebulosas sonoras que conectan con los albores de la humanidad y con los límites del universo, con gélidos vientos estelares, planetas en lenta rotación sobre su eje o mareas subiendo incesantemente.
A pesar del enfoque tan minimalista (una escucha superficial puede dar la impresión de que nada sucede) muchas cosas laten en el fondo de estas composiciones para el viajero experto: sonidos misteriosos de origen desconocido que evolucionan y se metamorfosean majestuosamente, formas que se mueven sinuosamente, capas de sonidos y colores que se unen, entrelazándose y separándose con gran belleza.
La música de Yen Pox tiene un carácter claramente introspectivo: sus oleadas de oscuridad y vibraciones subterráneas afectan a determinadas partes de nuestra conciencia y nuestro aparato receptor, ralentizando las pulsaciones y sumergiéndonos en una dimensión extraterrenal, guiándonos en un auténtico viaje hacia nuestro interior más oculto, hacia zonas desconocidas y prohibidas de nuestro ser.

EL RUIDO ES BELLEZA

2011-03-06T13:33:00.000-08:00

Un repaso a los momentos clave del ruidismo y la música industrial en el siglo XX. La lista está abierta: se admiten sugerencias ruidófilas.

LUIGI RUSSOLO.
Sin él, esto no sería lo mismo. Escribió el manifiesto “El arte de los ruidos” en 1913, y a partir de ahí empezó a dar sus conciertos (pioneros del noise y la música experimental) con su máquina “Intonarumori”.

PIERRE SCHAEFFER.
El trabajo de Schaeffer y su Groupe de Recherches Musicales en los años 50, así como sus colaboraciones con Pierre Henry, dieron como fruto la creación de la “música concreta”. Grabaciones de trenes, fábricas, motores y todo tipo de ruidos extraidos del mundo real y posteriormente manipulados en el estudio para crear nuevas dimensiones sonoras. El ruido empezó a percibirse como arte.

EDGAR VARESE.
Uno de los grandes revolucionarios en la música del siglo XX. Su composición “Deserts” (1954) fue la primera pieza que combinaba instrumentos clásicos con ruidos pregrabados de fábricas y maquinaria industrial. Sus trabajos para percusión fueron precursores en transmitir la brutalidad y alienación de las cadenas de montaje del futuro.

KARLHEINZ STOCKHAUSEN.
Su trabajo fundamental, “Kontakte” (1959), es uno de los clásicos de la música electrónica, una fuente inagotable de placer y conocimiento.

IANNIS XENAKIS.
Creó sus obras fundamentales en los años 50 y 60, profundizó en la “tape music” y creó deslumbrantes universos sónicos que incluían todo tipo de ruidos y fuentes sonoras (motores, terremotos, hierros). Hoy en día todavía suena moderno y extremadamente radical.

AMM.
Pioneros en los años 60 en el campo de las improvisaciones free electrónico-ruidistas.

KLUSTER.
El grupo más extremo surgido del krautrock alemán en los primeros años 70. Formado por figuras míticas del movimiento como Conrad Schnitzler, Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius. Paisajes electro-acusticos tremendamente oscuros y opresivos, sentando las bases de lo que después sería la música industrial.

KRAFTWERK.
Sus dos primeros discos encajaban perfectamente en la estética industrial por su uso del ruido, las secuencias mecánicas y repetitivas (fiel reproducción de las fábricas en su Düsseldorf natal) y las atmósferas saturadas y electrificadas.

FAUST
Experimento comunal que combinaba ruido, técnicas de collage sonoro y manipulación de sonidos, krautrock y locura generalizada.

THROBBING GRISTLE.
Propulsores de la “música industrial para gente industrial”. Absolutamente rompedores tanto en su propuesta sonora como en sus letras, actitud y estética. Con su mezcla de krautrock, experimentos electrónicos, punk, performaces subersivas y temáticas tabú, fueron los primeros en hacer música industrial tal y como la conocemos hoy en día.

SURVIVAL RESEARCH LABORATORIES.
Proyecto fundado en California a finales de los 70 por Mark Pauline y dedicado a todo tipo de violentas performances protagonizadas por máquinas, robots, restos de animales, basura, fuego y ruido industrial, sumidos en un ritual autodestructivo e inquietante.

EINSTURZENDE NEUBAUTEN.
Pasaron el krautrock por el filtro de la música concreta, el ruido (mítico el uso que hacían de las taladradoras) , la percusión metálica y el punk para así convertirse en un grupo legendario de la escena industrial.

NURSE WITH WOUND.
Sus primeros trabajos son una fascinante mezcla de música contemporanea, free jazz, krautrock, música concreta, ruido y surrealismo onírico y absurdo.

THE HAFLER TRIO.
Misterioso y enigmático grupo que mezclaba loops, samples, drones y música concreta.

NON.
Perturbadores drones, oscuros paisajes sonoros, experimentos inefables con el sonido.

WHITEHOUSE.
Pioneros en la escena del Power Electronics a principios de los 80, posteriormente imitados por miles de grupos. Brutal mezcla de ataques de ruido, gritos desgarradores, saturación máxima, perversiones sexuales, violencia sin límites y exposicion de los instintos más sucios del alma humana. Quizás el grupo más extremo de la historia.

SWANS.
En los años 80 su música se basaba en aplastantes y lentos bloques de sonido, ritmos obsesivos, atmósfera ultra-tensa y unas voces brutales y obscenas. Obra maestra su doble disco en directo “Public castration is a good idea”de 1986.

ESPLENDOR GEOMÉTRICO.
Estructuras de sonido saturadas, mecánicas y machaconas. Pioneros en la escena industrial-ruidista y sin posible comparación con lo que a principios de los 80 se estaba haciendo en España.

MERZBOW.
Lo que en un principio puede parecer un impenetrable muro de ruido nos revela numerosas capas de sonido y texturas, imágenes y grados de intensidad tras sucesivas audiciones. Figura clave del llamado “Japanoise”.

LUSTMORD.
Atmósferas subterráneas, enormes olas de sonido, drones misteriosos. Oscuro a más no poder pero bellísimo al mismo tiempo.

GODFLESH.
Estructuras sónicas lentas, corrosivas, disonantes y deformes inmersas en un mar de feedback y ruido. Un cruce entre Swans, Big Black, Killing Joke y Black Sabbath.

AUTECHRE.
Ambientes glaciales, sonidos crepitantes de origen desconocido, estructuras repetitivas de precisión matemática.

MAIN.
Sonidos ambientales de belleza impactante, drones y texturas ricas y profundas, ecos y reverb, pasajes cósmicos inductores al trance.

Para terminar, un pedazo de video de Survival Research Laboratories:

TARTAR LAMB: "Polyimage of known exits" (2011)

2011-02-26T15:24:00.000-08:00

Extraordinarias sensaciones se desprenden de la escucha de este trabajo, a medio camino entre la experimentación ambiental y toques neoclásicos sencillos y góticos. Al igual que el “...and Poppies from Kandahar” de Jan Bang, la gran capacidad de emocionar también forma parte del discurso de esta obra. Son evocaciones que se absorben lentamente bajo la piel y que pasan a formar parte de la banda sonora de paisajes yermos de nuestro subconsciente.

IANNIS XENAKIS: "Electronic Music"

2011-02-16T06:47:00.000-08:00

El compositor, matemático y arquitecto griego Iannis Xenakis es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea. Además de sus trabajos orquestales, Xenakis tuvo una faceta menos conocida: compuso algunas piezas de música electro-acústica que figuran entre las más influyentes y revolucionarias del siglo XX.

Su enfoque partía de la “música concreta” iniciada por Pierre Schaeffer (con el cual trabajó en los años 50 en su Groupe de Recherches Musicales), pero Xenakis pronto tomó su propio camino y empezó a profundizar en la “tape music” y a componer temas de carácter electro-acústico que rompieron ortodoxias y se avanzaron a su tiempo.

Xenakis recurre a todo tipo de ruidos chirriantes y granulados, muros sonoros, sugestivos ecos y ausencia total de melodías. Es una música con elementos sinestésicos porque, además de escucharse, estas composiciones pueden “verse”, ya que sus sonidos tienen un carácter visual muy pronunciado, casi cinematográfico, sus atmósferas orgánicas, sus inquietantes sonidos y las frecuencias de desconocido origen fluyen a lo largo de estructuras narrativas que estimulan nuestros sentidos y nos hacen viajar a lugares insospechados, desde el inicio de nuestra civilización hasta agujeros negros perdidos en el universo.

Partiendo de sonidos reales que luego eran transformados y manipulados (motores, terremotos, campanas, hierros, fragmentos de música pre-grabada), Xenakis elabora todo un universo sonoro en el que reproduce el sonido de galaxias en movimiento, nubes en evolución, tormentas eléctricas, animales pre-históricos, el crepitar del fuego, el frío de las galaxias inmensas, masas y densidades sonoras en movimiento, laberintos matemáticos.

La mayoría de piezas de este cd fueron grabadas en los años 50 y 60, pero suenan modernas y actuales. A pesar de estar enmarcado en la música electrónica contemporánea, las piezas de Xenakis no suenan frías, académicas ni rígidas sino que su enfoque es mucho más primitivo, directo, salvaje e intuitivo. A pesar de su origen netamente matemático y científico, de todos sus diagramas y elementos geométricos, la música de Xenakis suena libre, intensa, dramática y expresiva.

Adelantándose a su tiempo, Xenakis le estaba indicando el camino a seguir a todos los grupos que años después iniciaron géneros como la música industrial, el dark ambient o el power electronics, desde Throbbing Gristle y Whitehouse hasta Lustmord o Maurizio Bianchi.

SONS OF OTIS: "Exiled" (2009)

2011-02-02T05:16:00.000-08:00

Desde las cavernas más profundas del universo stoner, el trío canadiense Sons Of Otis nos ofreció en 2009 su quinto álbum, titulado “Exiled”. El sonido del grupo continúa avanzando sin sorpresas en su intento de crear el stoner rock más ácido, espacial y bluesero en los confines de nuestra galaxia, algo normal teniendo en cuenta su consumo habitual de hierba y sustancias así como su admiración por los sonidos vintage y los riffs pesados y lisérgicos.

“Exiled” es seguramente su mejor disco hasta la fecha, el más conseguido y trabajado, tanto a nivel de sonido como de canciones, y con un grupo que suena engrasado y entendiéndose a la perfección. Sonido denso pero con guitarras cálidas y acogedoras, atmósfera con mucho espacio y reverb donde los riffs fluyen y el grupo se suelta con elegancia y clase, el caso más claro es el de la jam instrumental “Oxazejam” donde el grupo llega a unos niveles de guarrería sonora pantanosa y orgásmica entre oleadas de ácido, wah y feedback por doquier.

Sons of Otis siguen con su particular acercamiento al stoner cósmico y siguen con su preferencia por la repetición obsesiva: los temas contienen uno o como mucho dos riffs mastodónticos que se repiten incesantemente, algo que a buena parte del público stoner se le puede hacer pesado, pero ahí reside uno de sus grandes aciertos, en la hipnosis creada por sus riffs, repetitivos, sí, pero absolutamente hipnóticos y cautivadores.

Además del gusto por los riffs monolíticos, el trío da rienda suelta a su pasión por las jam sessions, la psicodelia y el blues, géneros que empapan con sus colores y sonidos cada segundo de este disco, en un cruce bastardo entre Black Sabbath, Robin Trower y Sleep, con permiso del Hendrix en su etapa final con la Band of Gipsys.

A destacar esa versión del “Iron horse / Born to lose” que Motörhead grabaron para su primer disco en 1976 y que ya sonaba muy stoner para su época, aunque por supuesto Sons of Otis lo traen a su propio terreno y lo transforman en una canción completamente nueva y marca de la casa.

Sons Of Otis siguen en su viaje alucinógeno y sin retorno hacia el centro del cosmos. No dudes en subirte a su nave cuando pasen cerca de tu casa.

POPOL VUH "Hosianna Mantra" (1972)

2011-01-20T10:42:00.000-08:00

Una reseña de Blackdecker.

¿Qué pensar de un disco como este? Después de tantas escuchas... incontables... después de haberme dejado envolver por esas brumas. Hoy, una vez más, tratando de desentrañar de qué va el disco, tratando de fijarlo en un tiempo determinado, de explorarlo de arriba abajo. ¿Fue rompedor? ¿Un punto de encuentro para hippies folclóricos? ¿El inicio de la música macrobiótica? ¿El fin de todo lo demás? Se trenzan muchos significados. O quizás no debiera darle tantas vueltas y sacar el látigo. O dejar que trabaje la sensibilidad y ahogarme. Se vislumbran muchas influencias posteriores. Se presume a otros artistas que, después de empaparse con sus notas, dieron forma a nuevos trabajos, en otros tiempos, a otras horas. ¿Qué se supone, pues? La mezcla de místicas diferentes, un tipo de rito diferente, o esa intención. Los loops, las voces, la instrumentación, los crescendos, ese mantra al que se condena el grupo para alcanzar una suerte de mágica iluminación, el camino de las baldosas amarillas comidas por el musgo y el vapor. Magia. Intemporalidad. Medianoche. Rusticidad. Un viejo aliento de mandrágoras, de remedios caseros, de cuerpos revueltos a la luz de una débil candela. ¿Es eso? El paso del tiempo deja a su paso túmulos de ceniza. El tiempo de la espiritualidad ha muerto definitivamente. Quedan estos restos flotando en el fondo de un pozo, en un charco. En aquel estanque que una vez lució imperial y ahora no pasa de charca. Puede ser, no sé. Quizás sea eso.

SALÓN KITTY (Tinto Brass, 1975)

2011-01-05T15:29:00.000-08:00

Recuerdo que descubrí a Tinto Brass hace muchos años, cuando era un adolescente y en la televisión autonómica valenciana daban películas eróticas los sábados por la noche. Solían emitir películas eróticas del montón, material de calidad ínfima de los 70 y 80, rollo “Emmanuelle negra” y similar bazofia, pero también recuerdo que vi películas de algunos directores como Jesús Franco, Jean Rollin o Tinto Brass que me desconcertaron bastante pues no encajaban en los cánones del erotismo standard que era lo que yo buscaba en aquella época (básicamente una paja y a dormir) sino que ofrecían productos más trabajados y con imágenes perturbadoras que se me grabaron en el subconsciente. Una de aquellas noches emitieron “Salón Kitty” (1975) de Tinto Brass, que en su momento no entendí, pero que años después, al igual que los trabajos de los mencionados Jesús Franco y Jean Rollin, visito una y otra vez con mayor placer.
“Salón Kitty” forma parte del movimiento que en los 70 se dedicó a unir dos elementos de gran disfrute a nivel estético como son el sexo y el nazismo, lo que se vino a llamar “Porno-nazi” o “Sexploitation” o “Nazisploitation”, en fin, todo tipo de excesos sexuales bajo la sombra del régimen nazi, cuya simbología e imágenes encaja perfectamente con la estética de sado-masoquismo y perversiones sexuales que dominan estas obras. Hubo directores que optaron por la vertiente más brutal y salvaje, temática centrada en campos de concentración con un enfoque de “serie z” y con títulos clave como “Ilsa, la loba de las SS” y todas sus secuelas e imitadores, material muy chungo y depravado pero con encanto, auténticas delicatessen para los paladares más selectos. Otros directores, en cambio, trataron la misma temática pero desde una perspectiva más “artística” por así decirlo, es el caso de “Portero de medianoche” de Liliana Cavani o este “Salón Kitty” de Tinto Brass.
Kitty Kellermann es la propietaria de un burdel de lujo en Berlín a principio de los años 40, durante la segunda guerra mundial. Su local es frecuentado por diversos dirigentes nazis y miembros de las clases altas alemanas. Las autoridades nazis deciden implementar de manera radical su política de pureza aria así que obligan a Kitty a despedir a todas sus chicas polacas para acoger sólo a prostitutas de pura cepa alemana y absolutamente inmersas en el nacional-socialismo: auténticas mujeres de las SS. Para obtener a esta élite de profesionales nazis hay que pasar un duro proceso de selección consistente en, primero, copular en masa con un grupo de fornidos miembros de la raza aria bajo los compases de una orquesta militar, en plan maratón de sexo, y en una segunda selección, realizar diversas prácticas sexuales con judíos, gitanos, viejos, lesbianas, enanos y monstruos, para así poder seleccionar a las más viciosas y con menos escrúpulos.
Una vez hecha la selección nos sumergimos en el fascinante mundo del Salón Kitty, un universo de decadencia, degeneración, corrupción y oscuridad moral en la que sus clientes se entregan sin freno al alcohol y a todo tipo de prácticas sexuales, desde el sado-masoquismo al fetichismo, destacando, por ejemplo, uno de los clientes que sólo se pone cachondo si sobre la cabecera de la cama donde está su puta se proyectan imágenes del “Triunfo de la voluntad” con Hitler en pleno discurso incendiario. Eso es tener clase. Así pues los clientes del Salón Kitty están en las antípodas de lo que pretendía el nacional-socialismo, estos hombres, cansados y descreídos, cobardes y traidores, no se preocupan de si Alemania ganará o perderá la guerra, les da igual si mañana su futuro será la gloria, el pelotón de fusilamiento, la cárcel o el exilio, todo da lo mismo si pueden despertar en el lecho de una puta. Tinto Brass es un maestro para plasmar en imágenes toda la decadencia de estos personajes, putas y clientes que se mueven en la penumbra del burdel mientras la música de cabaret de perdición y desarraigo suena al compás en el que se consumen sus vidas.
La mayoría de figurantes que hacen de prostitutas y clientes en la película no eran actores reales, lo cual aumenta el aire de naturalidad del film, nos movemos entre ellos como si fuéramos un cliente más, nadie sobreactúa, nadie está pendiente de la cámara, sus rostros dominados por una palidez cadavérica (ellos) y por maquillajes recargados y esperpénticos (ellas) dirigen sus miradas vacías hacia no se sabe dónde. El elenco de meretrices seleccionado para la película es espectacular: auténticas bellezas con expresión ausente, fría, hierática, verdaderas “femme fatale” en el más puro estilo setentero, con sus felpudos bien poblados, sus pechos naturales y sus curvas interminables, destacando la increíble Teresa Ann Savoy, un auténtico bellezón ario que me cautivó cuando era un adolescente y sigue extasiándome hoy en día.
El final de la película es glorioso, llegando a la cima de la decadencia y la auto-destrucción: Kitty y su preferida, Margherita, beben champagne mientras caen las bombas y las balas atraviesan los cristales del Salón Kitty que poco a poco se va llenando de humo, polvo y cristales rotos mientras una puta y su madam brindan a la salud de un mundo destruído.

2011-01-01T11:20:00.000-08:00

EL CIELO NÚMERO 20: "Amanece sin ángeles"

2010-12-24T15:01:00.000-08:00

Me asomo a la ventana y veo un descampado con una hoguera alrededor de la cual yonquis y gitanos de todas las edades se calientan en esta fría noche de invierno. De fondo suena “Amanece sin ángeles”. El cielo número 20 expresan a la perfección la belleza de la decadencia, un romanticismo apocalíptico, de vertedero, de polígono industrial vacío en la madrugada, de fábricas abandonadas y en ruinas, de prostitutas en las afueras de la gran ciudad.

“Amanece sin ángeles” es el segundo disco de este dúo castellonense en donde continúan con su particular universo estético y ahondan en la propuesta de su debut: deconstruyen el sonido Suicide/Spacemen 3, se apropian del krautrock y la psicodelia enfermiza, se adentran en los terrenos del ambient/drone primitivo y sucio, recurren a los samples hipnóticos y el collage desconcertante, profundizando en el ruido y la disonancia, siempre con clase e intención, sin excesos, manejándose a la perfección en ese caos controlado que ya nos ofrecieron en su anterior grupo Ebria Danza. Temas de carácter instrumental en su mayoría, aunque en ocasiones escuchamos inquietantes textos recitados por voces lejanas, difuminadas entre las sombras de la noche.

Es un disco que no es fácil de escuchar, hace falta un estado anímico especial y una predisposición firme, ya que su horizonte sonoro es amplio y heterodoxo. Eso sí, una vez entramos en su mundo, nos seduce completamente y nos regala un viaje nocturno, onírico y surrealista a través de diversos decorados en los que vemos y sentimos múltiples imágenes y sensaciones, en un viaje cerebral y emocional simultáneamente. Un viaje que nos eleva hasta ese cielo número 20 del que llegan estas canciones, un cielo destinado a todos aquellos que somos devotos de la nueva religión cuántica de la chatarra estridente, donde vive nuestra diosa, esa puta sifilítica a la que adoramos.

elcielonumero20@hotmail.com

THE NORH SEA: "Bloodlines" (2010)

2010-12-13T07:00:00.000-08:00

Con el Bloodlines de fondo en mi viaje en tren, observaba el paisaje agreste a través de las ventanas. Poco a poco aparecían las torretas de la luz que se abrazaban unas con otras de forma siniestra con sus cables colgantes. Estas gigantes figuras grises aumentaban su número al llegar a la primera zona poblada, se empezaban a acompañar de los depósitos de agua; esas torres también grises con forma de virus. Continuaba el viaje y la sensación del disco se hacia más evidente; viejos almacenes industriales abandonados con sus cristales rotos. Iba desapareciendo cualquier rastro verde sustituido por el cemento y el gris alquitranado de las carreteras. Finalmente llegamos a la ciudad, el mensaje de The North Sea se estaba aclarando, o más bien oscureciendo: Bienvenido a la Zona Negativa.

Normil Hawaiians

2010-11-27T14:08:00.000-08:00

Hay grupos que fueron injustamente olvidados en su momento (bien por no ser entendidos o bien por adelantarse a su época) pero que décadas más tarde fueron recuperados y reivindicados tanto por prensa especializada como por aficionados. Todos conocemos casos de sobra. Pero también hay ejemplos de grupos que fueron marginados en su tiempo y que, años después, siguen siendo absolutamente desconocidos y se limitan a ser objeto de culto entre los connoiseurs musicales más aventureros. Normil Hawaiians sería uno de estos grupos. Activos en la primera mitad de los 80, tuvieron escasa repercusión a nivel mediático a pesar de su indudable calidad. Hoy en día, tres décadas más tarde, siguen sumidos en el más absoluto anonimato, hay muy poca información disponible sobre ellos en la red y sus discos están descatalogados esperando que algún iluminado en una discográfica independiente los re-edite como se merecen. Así pues, desde las páginas de La Fam queremos reivindicar a este grupazo en las siguientes líneas.
Normil Hawaiians fue un colectivo musical inglés liderado por el guitarrista y cantante Guy Smith, único miembro fijo del grupo, que fue reclutando a diversos músicos y colaboradores según sus necesidades, entre ellos el ex-Amon Duul Dave Anderson. Todos ellos practicaban la vida en diferentes comunas en Londres, de ahí que su música transmita ese espíritu medio hippie, medio fumeta, con cierto espíritu místico y pastoral, tal y como ya se había puesto en práctica en formaciones anteriores como Amon Duul, Hawkwind, y los primeros Gong.
Normil Hawaiians tan sólo grabaron dos álbumes: el doble “More wealth than money” en 1982 y su continuación, el más experimental “What's going on?” en 1984, además de un par de singles. En estos trabajos el grupo se mostraba cómodo moviéndose en el límite de la música de finales de los 70 y principios de los 80, es decir, que igual sonaban en plan progresivo / Krautrock (bastantes de sus temas rondan los 10 minutos de duración) que se acercaban al post-punk a lo Joy Division, Killing Joke o Magazine.
La familia Hawaii gustaba de los desarrollos largos, con ritmos repetitivos e hipnóticos a lo Can / Neu, pero combinados con la urgencia del post-punk, es decir, guitarras afiladas y disonantes, ritmos fracturados y teclados sombríos. En sus trabajos también encontramos ecos del folk más ácido (el grupo disfrutaba con las guitarras acústicas y los violines en plan viaje de LSD), además de influencias de la “world music”, con toques étnicos y tribales que se notaron sobre todo en su segundo álbum.
La improvisación también fue una de las bases del grupo, que se entregaba al juego y a la búsqueda dando rienda suelta a las atmósferas más espaciales y psicodélicas, entrando incluso en terrenos más experimentales, algo que se nota también en el segundo disco, todo esto sumergido en un ambiente con mucho espacio y ecos, y con un estilo extremadamente elegante a la hora de interpretar los temas, unas veces sencillos y directos y en otros momentos más reflexivos y complejos.
Normil Hawaiians dejaron grabado un tercer disco previsto para 1986 pero que nunca llegó a ver la luz ya que se disolvieron en 1985.

BRISE-GLACE

2010-11-13T02:30:00.000-08:00

Brise-Glace es uno de los proyectos más radicales del prolífico Jim O'Rourke. El grupo (que incluía también a miembros de grupos tan destacables como Dazzling Killmen, The Flying Luttenbachers o You Fantastic!) tan sólo grabó un disco (titulado “When in vanitas”) y un single para el sello Skin Graft en 1994. A pesar de ser relacionados con la escena post-rock de principios de los 90, el cuarteto superó toda limitación estilística para adentrarse en terrenos mucho más experimentales, siguiendo los pasos de gente como Faust o This Heat.
Para escuchar a Brise-Glace hay que aceptar las reglas de juego que el grupo nos impone, desaprendiendo los conceptos preconcebidos que podamos tener respecto a lo que es la música y asimilando una nueva sintaxis sonora con su propio vocabulario, que combina elementos del rock experimental, la música electro-acústica, noise, improvisación... Una imprevisible mezcla de géneros para mentes inquietas. Brise-Glace diseccionan el cadáver del rock y lo cortan en pedazos, para después volver a unir las diversas partes pero de manera aleatoria, alterando profundamente sus principales elementos para crear un nuevo y demente monstruo de Frankenstein.
O'Rourke (apoyado en su tarea ni más ni menos que por Steve Albini como ingeniero de sonido) realizó un colosal trabajo de post-producción, cortando y pegando las cintas con la música grabada por el grupo, manipulando sonidos, deconstruyendo y poniéndolo todo patas arriba para después re-situarlo todo como si se tratase de un rompecabezas. El resultado es desconcertante para el oyente desprevenido: no hay melodías, las estructuras tradicionales desaparecen para dar paso a una sucesión de sonidos y estructuras sónicas inmersas en atmósferas asfixiantes. Los grooves suenan fracturados, angulares, atonales e imprevisibles. Los inquietantes silencios vuelan por los aires dinamitados por todo tipo de cacofonías e irrupciones sonoras. Las diferentes piezas que conforman el disco navegan en un mar de ruidos de todo tipo, frecuencias radiofónicas, electricidad estática, distorsión, collages sonoros desquiciantes y multitud de pequeños detalles...
La escucha de “When in vanitas” es una experiencia intensa pero no a nivel emocional sino en el plano cerebral, lo que hace que su música sea más difícil e incomoda de escuchar si lo comparamos con otros grupos de su género.
Un grupo que, aunque pasó desapercibido en su época, debe ser reivindicado como uno de los mejores exponentes del rock experimental para el siglo XXI.

GRINDERMAN 2 (2010)

2010-10-23T14:12:00.001-07:00

Sigue en la onda iniciada en su predecesor álbum de debut; olas de sucio rock bastardo.
Se moja en los bajos instintos que moran en nuestro infierno personal, se pasea con los demonios del deseo carnal que cambian nuestra alma, dos minutos que culminan en Dios, Buda, Ala y en todo a lo que salpique. Desde erupciones precoces y pegajosas (Worm Tamer, When My Baby Comes, Evil), hasta quemazones de cadencias hipnóticas que prolongan el deseo (Heathen Child, Kitchenette y Bellringe Blues).

Evangelista

2010-10-11T11:09:00.000-07:00

La voz de Carla Bozulich me acompaña en las sofocantes e insomnes noches de verano, mientras, empapado en sudor, me revuelvo en la cama y los fantasmas del pasado reaparecen y los recuerdos ocultos se hacen presentes en medio de un escenario de deseo y violencia. Imposible conciliar el sueño, sacudido por una efervescencia febril, escucho a mi conciencia repetirme todos mis errores y fracasos. En esos momentos la música de Evangelista, a través de la voz de Carla, aparece para redimir nuestros pecados. Su rock denso, oscuro, pegajoso y disonante a veces se acerca a la música de cámara, tentando a la belleza nocturna, de cuchillos afilados y sobredosis de somníferos, mientras que otras veces se adentra en terreno del caos y el ruido. Las canciones de sus dos discos (“Hello, voyager” de 2008 y “Prince of truth” de 2009), suenan crudas y al límite, mientras progresan con total libertad sobre texturas de feedback y ruido, sin apenas ritmo ni melodías a las que aferrarnos. Una música hermosa e inocente, pero también cruel y terrible. Atmósfera eléctrica, guitarras disonantes, percusiones recias, sección de cuerda deslabazada, momentos ruidosos y momentos delicados, la niebla que impide ver delante de nosotros, mientras Carla canta sus letras en un paisaje emocional saturado de rabia, incertidumbre, sensualidad y pasión. Carla nos habla de nuestros miedos, de nuestra debilidad humana, de todo aquello que escondemos en nuestro interior y no nos atrevemos a mostrar a nadie. Evangelista es una propuesta de una sinceridad brutal, una experiencia extraña, inquietante, íntima, deprimente y revitalizadora al mismo tiempo. El viaje es imprevisible: igual hay noise que jazz, folk de cámara, ambient o psicodelia, la voluntad exploradora impregna cada uno de sus temas. Y mientras los escuchamos, nos da igual si veremos el final de esta madrugada.

SWANS "My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky" (2010)

2010-09-21T04:23:00.001-07:00

Swans y su música ponzoñosa, Michael gira el volante de su cacharro oxidado para volver a estrellarse. Un crash sonoro de paranoia, violencia y elegía. Pero algo ha cambiado, no es tan light como sus Angels ni tan agónico ni desesperante como sus inicios, es regeneración a partir de la enfermedad . Fermentan sus aclamaciones de sacro profanador de tumbas industriales como una expiación consumada. Una denuncia que da forma a la capa de dura corteza que rodea su vida al paso de los años y que ahora está lejos de marchitarse o secarse. Resistencia conseguida, elige resucitar con la furia innata de sentirse finalmente un no-muerto y no sólo un cadáver.

UPSIDEDOWN CROSS

2010-09-03T03:31:00.000-07:00

Upsidedown Cross fueron algo así como una anomalía en el terreno del sludge norteamericano, un cortocircuito en el panorama doom de los 90, un coma etílico en el mundo del underground. Formados en Boston por gente que militó en grupos pioneros del sludge-punk como Kilslug y en proyectos tan irreverentes como Anal Cunt, tan sólo grabaron un par de discos a mediados de los 90 y pasaron más que desapercibidos.
Liderados por el inquietante Larry Lifeless (el Carlos Jesús de Boston), un tipo que se dedica a cantar sus diatribas mongoloides contra todo tipo de religión (empezando por el cristianismo y terminando por la magia negra y el satanismo), con unas letras de una cutrez para descojonarse y que te hacen pensar que o bien el tío va absolutamente ciego, o bien es subnormal o quizás nos está tomando el pelo a todos. Yo personalmente me decanto por esta última opción: con sus letras super-colgadas y su vocalización entre viciosa y mongola (como si Monchito recitase una invocación en una misa negra) está ridiculizando a todos los grupos que se toman tan en serio a ellos mismos que se convierten en su propia parodia, en su propio chiste.
Así pues Upside down Cross tenían muchas ganas de cachondeo y de reirse hasta de su propia sombra (sólo hay que verlos en fotos o videos, en algunas ocasiones maquillados con corpse-paint, igual que los grupos de black metal escandinavos) algo poco habitual en géneros como el sludge, donde los grupos suelen mostrar una imagen bastante más seria y atormentada.
A nivel musical eran músicos más bien limitados pero sacando partido a sus instrumentos de manera simple y efectiva: riffs lentos, calientes y aceitosos, mamando pero bien de los primeros Sabbath, de los Melvins, de Pentagram, y emparentados genéticamente con los primeros grupos sludge americanos (léase Eyehategod, Grief, etc.), pero con un sentido del humor absolutamente desquiciado y salido, herencia de los Butthole Surfers más ácidos y yonkis. Las canciones de Upsidedown Cross son más bien sencillas: un par de riffs por canción y punto, riffs oscuros, sucios y empapados en cloroformo, en plan sludge / southern rock / doom metal para retrasados mentales, rollo lento y asfixiante, distorsión y ruido a saco, todo muy psicótico y enfermizo, oliendo a droga y sustancias varias de manera considerable (diría que veo humo saliendo de los altavoces!!!) y todo ello con mucho, muchísimo groove y con ritmos pegadizos que desembocan muchas veces en puras jams ácidas y psicodélicas pero a cámara lenta y en reverse. Eso sí, repetición a más no poder, o sea que si lo que buscas es variedad y cambios de ritmo mejor que pases de estos y te vayas a escuchar a Ruins.
Así pues, queridas lectoras, aléjense de las drogas, de lo contrario pueden terminar ustedes igual que estos tipos de Upsidedown Cross, o como los redactores de La Fam, que no sé qué es peor.

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Architect: "Consume adapt create" (2010)

2010-07-20T03:04:00.000-07:00

Me trae recuerdos de cómo sonaba Seefeel. La portada bicolor parece reproducir el punto de vista de algún artilugio de ataque fantasma, como el de los aviones durante la guerra de "los golfos", en aquella ocasión eran gris y verde. La cuadrícula deja caer graves que no estallan de manera tan ordenada, como si fuera un modelo defectuoso desechado de algún proyecto ya oxidado. Refleja sin embargo, un sórdido presente post-industrial.

THE SOFT MACHINE "S/T" (1968)

2010-07-01T03:52:00.000-07:00

Reseña escrita por Blackdecker

No hay que darle demasiadas vueltas a la máquina para entender. Escucharlo y ver cómo su nutritivo contenido ha dado de comer a las nuevas generaciones. Ahí tenemos a Flaming Lips, tirando de veta. O a ese moderno de Ariel Pink. Ellos, por eso, cargando con el 68, con los Pink Floyd y los Crimson flanqueándolos, jugaron a ser bellos y ágiles, a saltar de flor en flor como resulta este su primer disco. A jugar a organistas de catedral, a baterías jazzero, a imaginar territorios amigos para la concurrencia. A dárselas de progresistas antes de su definitivo tercero. Antes de coronar su carrera, tuvieron tiempo para pasar por niños de guardería con su inocencia musical entre Barrett y Lake, para firmar uno de esos discos en los que no sobra ni falta nada. En el que comienzas con una sonrisa fumada y acabas viendo arco iris en tu cabeza. Cuando Wyatt tenía piernas y no pensaba en saltar por la ventana, cuando Ayers aún respondía al final de los conciertos, cuando Ratledge nos embrujaba con sus órganos planeadores. Cogidos de la mano saludaban al acabar el concierto. Qué grande disco! No hay nada como ser niño y creer que Peter Pan vendrá a salvarte.

Entrevista a Gyakusatsu

2010-06-18T00:37:00.000-07:00

Gyakusatsu es un nuevo proyecto de Barcelona dedicado en exclusiva a los sonidos más extremos y las temáticas transgresoras y tabú, moviéndose entre el Power Electronics, Harsh Noise y Death Industrial clásico, sucio y old-school. Su cd debut, titulado “The day of the man's death” (2010) ha sido editado por el sello Marbre Negre y contiene casi 50 minutos de ruido áspero, ambientes asfixiantes, humo, electricidad, saturación, degeneración y odio a raudales. Su creador, Óscar, contestó a nuestras preguntas. Que aproveche.

¿De dónde viene el nombre de Gyakusatsu?
El nombre proviene del japonés y significa “masacre”, palabra que describe a la perfección el proyecto tanto a nivel musical como estético. En un principio se tenía que llamar Holocaust, pero al final me decanté por Gyakusatsu, me pareció más adecuado a la filosofía del proyecto.

Influencias a nivel musical y extra-musical.
La influencias a nivel musical están dentro de lo que se podría llamar noise, dentro de todas sus posibles variantes, para concretar más y dar el nombre de algún grupo te diría que especialmente me han influenciado: Atrax Morgue, Grunt, Richard Ramirez, Sutcliffe Jügend, MSBR, Streicher, Genocide Organ, Mauthausen Orchestra, Premature Ejaculation, sólo por nombrar algunos. Fuera de lo musical, sobretodo y más en este mi primer trabajo, el antiguo testamento, aparte mis influencias son literarias. Desde Nietzsche hasta William S. Burroughs, Yukio Mishima, Nabokov, y un largo etc. Los asesinos en serie, el holocausto nazi, las malformaciones y todo tipo de aberraciones.

¿Qué puede esperar una persona al enfrentarse por primera vez a "The day of the man's death"?
Encontrará un sonido directo y áspero, en ocasiones con letras, la mayoría escritas a partir de fragmentos del antiguo testamento, otras a partir de textos de escritores como en “Is this forbidden?”, letra que escribo a partir del libro “Deseo” de la escritora austríaca Elfride Jelinek, en el que la escritora nos relata el machismo y la opresión de la mujer en las clases burguesas y una supuesta liberación sexual y que yo he adaptado para tratar el lesbianismo y el sadomasoquismo en las relaciones sexuales. En definitiva un disco que se mueve entre el Power Electronics, el Death Industrial y pasajes de noise estático y en el que intento hacer una crítica a todo tipo de censuras, y muy concretamente a las religiosas, con sus tabús y gilipolleces varias.

Tan sólo han salido 33 copias del CD. ¿A qué se debe esta tirada tan limitada?
Por dos motivos principalmente, el primero y el más importante es el propio 33, la edad en que murió Jesucristo, fecha en la que empieza uno de los mayores problemas que tiene occidente en la actualidad, aunque también hay que decir que es preferible esta religión a otras más represivas e intolerantes que poco a poco se nos están introduciendo en Europa y que nos intentan imponer sus costumbres y desvaríos. El segundo motivo es menos transcendental, es simplemente una cuestión de mercado, al ser el primer trabajo y en la actual situación creí que no merecía la pena hacer más copias, hoy en día se vende muy poca música.

Hay gente que dice que el Power Electronics es un género para misántropos, degenerados e individuos rebosantes de odio en su interior. ¿Estás de acuerdo con esto?
Sí y no, por un lado tienes que tener una parte de degenerado y psicópata para hacer este tipo de música o para escucharla, pero por otra parte no deja de ser una expresión artística en la que se denuncia o se apoyan diferentes aspectos de la vida, aunque normalmente sean de una forma violenta y fea para la mayoría de gente.

Según comentas, tu cd está influido por "la religión, la violencia y las perversiones sexuales". ¿Puedes dar más detalles al respecto?
Básicamente es la atracción que siento por estos temas, atracción a nivel estético y como fuente de inspiración. Por un lado la religión, como ya he comentado uno de los males que tenemos en la actualidad, es absurdo pensar que la gente se mata y hace todo tipo de barbaridades en nombre de dios, sea el que sea. Aunque por eso lo hace más atractivo precisamente, es la violencia por la violencia, gente matándose por motivos banales, aunque ellos se crean que es lo más importante de sus miserables vidas, básicamente les lavan el cerebro, en el caso que lo tengan, claro. Y de las perversiones qué decir, pues que son atractivas precisamente por ser una perversión, el saber que se hace algo que está prohibido y mal visto por una parte de la sociedad. Definitivamente todo es violencia en la sociedad actual, una encubierta y en nombre de la paz, otra de tipo machista y así podríamos estar todo el día. Amén.

¿Crees que se puede obtener placer a nivel estético de lo feo, lo grotesco, lo deforme, del dolor y el sufrimiento?
Sí, sin ningún tipo de duda. Lo feo, lo grotesco, el dolor, el sufrimiento, todo ello nos proporciona un gran placer, nos saca el animal que somos, la persona enferma que tenemos dentro. Personalmente creo que el ser humano es malo por naturaleza, lo raro es el encontrar a una persona buena. Normalmente nos pasamos la mayor parte de nuestras vidas intentando esconder nuestra parte fea y decadente.

¿Crees que está cerca el día de la muerte del hombre?
Por desgracia no, supongo que aún estaremos siglos y siglos destruyéndolo todo y llenando de mierda todo lo que tocamos.

¿Te interesa la pornografía, el sado-masoquismo, bondage o alguna otra práctica sexual?
Únicamente de forma estética y de inspiración para mí música.

¿Qué origen tienen los diversos samplers y grabaciones que usas en el disco?
Son entrevistas a serial killers, mujeres practicando sexo, siempre son samples de mujeres, normalmente practicando sadomasoquismo, trozos de películas y grabaciones que hago de la calle, mientras trabaja la gente o simplemente hablan. Luego todo esto es procesado e incluido en los temas.

La Fam es un fanzine hecho por gente de Alcàsser, lugar famoso por el triple crimen de las niñas. ¿Qué recuerdos y sensaciones tienes de aquel acontecimiento? ¿Tienes interés en algún serial killer en particular?
Tengo unos recuerdos vagos, en esas fechas estaba cumpliendo unas obligaciones y no le pude prestar toda la atención que se merecía. Posteriormente he leído sobre el caso y pienso que todo fue un montaje y que nunca se sabrá del cierto qué es lo que realmente sucedió.
La verdad es que me interesan prácticamente todos los serial killer, pero tengo especial predilección por Charles Manson y Albert Fish. Es muy interesante leer sus razonamientos y estudiar sus complicadas personalidades.

Otros proyectos en los que estés involucrado.
Junto con Desirée formamos la banda “Persona” en el año 2005, grupo menos áspero que Gyakusatsu, es una mezcla de los gustos de los dos y el resultado podría clasificarse como: Dark Ambient, martial, industrial, con pasajes líricos.
Aparte en 2006 creamos nuestro sello discográfico Marbre Negre, en un principio sólo para editar nuestros trabajos, pero en la actualidad estamos empezando a sacar trabajos de otras bandas.
Esporádicamente en los últimos años he ido haciendo alguna reseña sobre música y literatura en algún fanzine.

¿Algo más que quieras añadir?
Agradecerte esta oportunidad que me has dado para explicar la música que hago y felicitarte por el fanzine, hoy en día ya no queda demasiada prensa en papel que trate estos tipos de música.
Muchas gracias y un saludo para los lectores de tu revista y los oyentes de mi música.

TRAUMMASCHINE "Hyperion" (2009)

2010-06-10T11:00:00.000-07:00

Si alguien me dijera que “Hyperion” es la re-edición de un oscuro disco de 1971 grabado por un desconocido grupo de Dusseldorf y que estaban directamente relacionados con Conrad Schnitzler, yo me lo creería sin dudarlo. Pero ahora va y resulta que Traummaschine ni son alemanes ni grabaron en los años 70 sino que son un dúo de Albaida (Valencia) y que éste “Hyperion” es del año 2009... Menuda sorpresa, ¿no? Pues sí, los amantes de los correos cósmicos alemanes y de la música planeadora de los grupos del krautrock setentero ya pueden ir frotándose las manos porque tienen un nuevo tesoro entre sus manos. “Hyperion” es un cd cuádruple cuyas composiciones fueron paridas y grabadas al más puro estilo analógico old-school bajo los augurios de los maestros kosmische como Kluster, Klaus Schultze o el “Zeit” de Tangerine Dream. Una obra ambiciosa, rica y compleja, de carácter netamente vanguardista y explorador, pero con sabor clásico y añejo, mostrando a un grupo que conoce bien el terreno que pisa y que sabe desarrollar su propuesta sonora con convicción y gusto. A pesar del extenso minutaje de los temas (alrededor de los 30-40 minutos en su mayoría), su escucha es absorbente debido a su carácter atemporal e hipnótico y a la variedad en las texturas y sonidos (el grupo combina krautrock, space music, improvisación, ambient, musique concrete, música electro-acústica, ruido) aunque está claro que la predisposición del oyente para navegar por estas supernovas sónicas es fundamental. Sólo es cuestión de dejarse llevar por “Hyperion” y sus inmensas masas amorfas de atmósferas electro-acústicas, líneas melódicas que evolucionan a la misma velocidad que los planetas gravitando alrededor del sol, océanos de teclados expandiéndose infinitamente por el firmamento, un viaje hacia confines inexplorados a las estrellas y más allá.

MI AMI "Steal Your Face" (2010)

2010-05-25T11:28:00.001-07:00

Para volverse loco, psicodelia noise con base rítmica tribal que no por ello deja de frecuentar visitas al club de baile de ciudad. La voz es de Daniel Martin-McCormick, aunque parezca más la cantante de un grupo de riot grrrl sufriendo desvaríos hormonales. La capa de sonido te atrapa en una espiral de mugre, hipnotismo y efusión incontrolada. No importa que la vida sea una mierda, me ensucio, y con ella encima, mis impulsos me hacen saltar y vibrar. El resultado de una genética trasnochadora.

BEGOTTEN (Elias Merhige, 1991)

2010-05-14T03:19:00.000-07:00

Begotten, estrenada en 1991, es uno de esos raros casos en los que el cine trasciende las fronteras del género para convertirse en una obra de arte en sí misma, dejando de lado categorías estéticas.
Grabada lo largo de 4 años y dirigida por Elias Merhige, Begotten es una de las películas más importantes y radicales del cine experimental contemporáneo.
Una pesadilla transformada en celuloide cinematográfico, con sus propias reglas, códigos y lenguaje audiovisual, a los que debemos someternos y entregarnos si queremos disfrutar de la experiencia.
Begotten es una obra ante la cual es mucho más importante sentir que entender, hay que dejar de lado la lógica y dejarse llevar por su mundo de misteriosas imágenes. No hay que racionalizar nada de lo que vemos, sino abandonarse al mundo de sugerencias y abstracciones hipnóticas que se cruzan ante nuestros ojos sin más. Merhige busca conscientemente confundirnos y que nos sintamos incómodos con nuestra manera racional de pensar y nuestra tendencia a analizar e intentar entenderlo todo, de ahí que a la hora de visionar Begotten nos veamos forzados a cambiar nuestro enfoque y manera de sentir, desplazándonos hacia modos más cercanos al subconsciente y a nuestra parte más visceral y primitiva, para así convertir lo grotesco, feo y doloroso en algo hermoso. Merhige dijo que trabajaba desde un lugar en el que el lenguaje falla y donde el subconsciente comienza.
Begotten se caracteriza por el uso del blanco y negro granulado y rasposo, los contrastes entre luz y oscuridad, las imágenes rayadas, difusas y borrosas que no nos permiten captar conscientemente lo que vemos pero que son profundamente sugerentes y poéticas en otros niveles.
El trabajo de post-producción en el laboratorio fue ejemplar: por cada minuto de película Elias Merhige trabajó unas 10 horas para darle ese acabado arcaico, antiguo, como de película expresionista muda de los años 20 o un antiguo documental que hablase de ritos y civilizaciones olvidadas. Cada fotograma es una obra de arte, es una de esas películas en las que te sabe mal parpadear por miedo a perder algo importante durante esas décimas de segundo. El trabajo, a nivel visual, es absolutamente fascinante.
A pesar de ser un film sin diálogo y con un argumento hermético y abstracto que gira alrededor de diversos rituales de vida, muerte y renacimiento, la película engancha y seduce por su atmósfera onírica y sus paisajes de pesadilla donde los personajes se arrastran y convulsionan en un mundo de dolor, miedo y locura. Los elementos metafísicos y cosmológicos abundan en la película, y sus personajes son más bien símbolos y arquetipos universales cuya evolución responde a ritos sumergidos en el inconsciente colectivo durante miles de años.
La banda sonora adquiere una importancia fundamental para situarnos en el ambiente atemporal e irreal del film: sonidos en su mayoría naturales como gotas de agua, grillos, fuego, latidos de corazón, respiración, viento, acompañados en puntuales ocasiones por gélidas capas de teclados y drones. Esta combinación de música e imágenes fue cuidadosamente preparada para hipnotizar al público y afectar a su parte subconsciente y pre-racional: de hecho Merhige llegó a comentar que con esta película quería fundar un “género del Inconsciente”
Una obra que es necesario experimentar en carne propia, aceptando el desafío que supone verla y dejándose llevar por su desfile de imágenes delirantes y emociones primitivas.

PERE UBU "Dub Housing" (1978)

2010-04-20T10:25:00.000-07:00

Reseña escrita por Blackdecker.

Curioso su caso. Outsiders del mundo outsider. Si alguien apretaba las tuercas, ellos vuelta y media. Arrastrando en su estela al fantasma del Captain Beefheart por aquello de ser el más macho de todos. Su propuesta del 78 iba más allá de lo propiamente provocativo, envolviéndose en multicapas de art-rock, del punk de los sesenta, de la resistencia activa a cualquier flojera estilística que pudieran presentar sus vecinos. Si con The Modern Dance presentaron credenciales de campeón de wrestling musical, con este segundo decidieron que el cinturón del peso pesado no se lo quitaba nada. Si acaso, ellos mismos, después de una noche de lo que fuera. Después de un mal concierto o una fiera discusión interna por aquello de haber flojeado alguno de ellos. No hay rendición que valga, cada corte presupone más tormentos y pesadillas, aunque de vez en cuando nos suelten alguna melodía para que nos relajemos. Para, al siguiente, volver a lanzarse a su particular cama de púas. Así son, o los tomas o los dejas. O encuentras su momento o mejor no lo intentes.

MAUTHAUSEN ORCHESTRA

2010-04-10T04:49:00.001-07:00

Los viejos chacales nazis eran expertos en sadismo y sufrimiento. Un ejemplo lo encontramos en una de las humillantes prácticas que llevaron a cabo en el campo de concentración de Mauthausen. Antes de ejecutar a algunos de los prisioneros, se les paseaba subidos a un carromato mientras un grupo de presos tocaba alegres canciones de carácter popular con estribillos como “Esperaré tu regreso...” A este grupo de presos/músicos se les conoció como “La Orquesta de Mauthausen”, y es de ahí de donde el italiano Pierpaolo Zoppo tomó el nombre para el proyecto que creó a principios de los 80: Mauthausen Orchestra.
Uno de los puntales más destacados de la escena extrema italiana ochentera junto a Maurizio Bianchi y LXSS, Pierpaolo Zoppo encajaba en la ortodoxia del género Power Electronics que en aquellos años circulaba casi cladestinamente a través de los circuitos de cassettes y fanzines en Europa, especialmente en Inglaterra con gente como Whitehouse, Ramleh y Sutcliffe Jugend.
Mauthausen Orchestra grabó entre 1982 y 1986 una serie de cassettes hoy en día considerados de culto en la escena ruidista: títulos como “Necrofellatio”, “Dedicated to Josef Goebbels”, “Murderfuck”, “Anal Perversions” o “Host Sodomy”, acompañadas de explícitas portadas a base de fotocopias en blanco y negro incluyendo fotos de cadáveres destrozados, líderes nazis y porno duro. Alrededor de estos tres ejes (muerte, violencia, sexo) Zoppo vierte todas sus obsesiones, miedos y fetiches de manera increíblemente virulenta, vomitando sus sencillos textos sobre un manto de ruido, distorsión y saturación electrónica en plan locomotora descarrilando, recurriendo a estridentes sintetizadores lo-fi, paranoicos collages sonoros elaborados a base de cintas, grabaciones manipuladas de todo tipo de sonidos y voces rebosantes de bilis y rabia. La temática es absolutamente nihilista e intolerante, abordando todo tipo de tabús y sin ningún tipo de compromiso. Auténticas aberraciones sonoras, depravación, ruido, aullidos, mal gusto a conciencia para mentes cerriles y cabezas descerebradas como la mía. Ah, y un sentido del humor absolutamente negro y macabro.
Estos trabajos fueron una gran influencia para los cientos de grupos similares que surgieron por doquier en las posteriores décadas, como se puede observar al ver la reedición a cargo del sello italiano Slaughter Productions donde se recopilaban en una caja 12 de los cassettes que Zoppo grabó en los 80. Además de esto Mauthausen Orchestra ha continuado grabando esporádicamente hasta el presente y manteniéndose en activo como uno de los iconos de la escena.

Natural Snow Buildings "Shadow Kingdom" (2009)

2010-03-25T11:47:00.000-07:00

Esta última semana es la tercera que llevo con este disco, desde luego me parece que desconocen el significado de contención: dos horas cuarenta minutos. Las canciones de mayor duración (veinte minutos) siguen en la misma linea de sus dos últimos trabajos, los temas cortos se desgranan en la onda de su The Dance of the Moon and the Sun. ¿Resultado?, quizá el trabajo que mejor representa ambas facetas . Después uno ya puede elegir hacia dónde decantarse para escuchar los anteriores.
Lo que yo me pregunto es lo siguiente; ¿han conseguido un jodido programa de ordenador que siga un excelente algoritmo psicodélico para fabricar estos vuelos de tanta duración en tan poco tiempo? A este ritmo uno podrá elegir escuchar solamente a Natural Snow Buildings a lo largo del año.

Plotkin / Gutzeit: "Mosquito Dream" (1999)

2010-03-11T05:29:00.000-08:00

MÚSICA PARA ASTRONAUTAS MUERTOS Y SATÉLITES ABANDONADOS

Hay veces que los astronautas salen de su nave al espacio exterior y sólo les une un cable. No sé lo que sentiría esta persona si se rompiese el cable y se perdiera en el espacio, gravitando sin rumbo hasta morir debido a la falta de oxígeno, pero estoy seguro que los sonidos que acompañarían esa muerte serían bastante parecidos a los que se escuchan en este disco.

“Mosquito Dream” nació fruto del trabajo que entre 1994 y 1998 realizaron James Plotkin y Brent Gutzeit. El primero grabó una serie de experimentos ambientales con su guitarra (“Guitar Deconstructions” tal y como reza el subtítulo del disco) y le envió sus temas al segundo, quien los manipulaba y deformaba a su gusto con su grabadora de cuatro pistas y su colección de instrumentos electrónicos artesanos hechos a mano para después devolvérselos a Plotkin, que les daba otra vuelta de tuerca y se los volvía a enviar a Gutzeit, que remataba el asunto. Así pues las piezas del disco se iban alejando cada vez más de su punto de partida en este proceso de construir y destruir, tomando caminos imprevisibles y rompiendo guiones pre-establecidos, dando como resultado una música en la que, al igual que ocurre con Main, es difícil identificar los sonidos de guitarra a pesar de que éste fue el instrumento principal. Este trabajo de deconstrucción fue transformando paulatinamente las diversas composiciones que conforman este “Mosquito Dream”, una pequeña joya desconocida del género ambient/drone aislacionista, comparable a Main, Lull, Thomas Köner y similares artistas.

Inquietantes sonidos que oscilan en el horizonte y aumentan y disminuyen de intensidad casi sin que nos demos cuenta, como una nana destinada a provocarnos pesadillas. Sonoridades subterráneas y ecos sepultados bajo sutiles andanadas electrónicas que suenan como estaciones de tren abandonadas. Olas de feedback de baja frecuencia en las que parece que no ocurra nada pero si escuchas con atención ves que hay vida. Las oníricas composiciones nos sumergen en abismos oceánicos (se recomienda traje de buzo preparado para sobrevivir a bajas presiones) y a veces nos transportan a paisajes espaciales muertos y vacíos (con traje hermético de astronauta si es posible). En ocasiones escucho el disco y me da la impresión que los sonidos me alcanzan el inconsciente, como si además de lo que escucho por mis oídos hubiese algo más, una especie de sub-sonidos o frecuencias ocultas que no percibo de manera consciente pero que me afectan a los sentidos de manera subliminal. O igual es que se me va mucho la cabeza.

Su música es oscura pero en absoluto apocalíptica ni asfixiante, al contrario, hay mucho espacio para respirar e incluso llega a alcanzar momentos de belleza considerables, ideal para contemplar el cielo en las calurosas noches de verano.

Johnny Cash: "American recordings" (1994)

2010-02-25T11:18:00.000-08:00

Con American Recordings el bueno de Johnny empieza una saga donde se centrará mayoritariamente en versiones y colaboraciones con otros músicos. En este disco aparecen canciones de Kris Kristofferson, Leonard Cohen o Tom Waits entre otros, en los siguientes de la saga lo hará sobre autores tan diversos como Depeche Mode, Nine Inch Nails o Alice in Chains. Lo importante es el resurgir de Cash con este trabajo a mediados de los noventa y el darse a conocer a un nuevo público ávido de artistas alejados de la zona más comercial. Dentro, sólo espera su voz y la guitarra. Algo tiene ya de especial desde esa inquietante portada, hipnotizado por el retrato gótico de J.Cash no puedo apartar la mirada, y él me la devuelve, un ángel negro con su cancerbero que espera pacientemente mi muerte... un escalofrío me estremece la columna que se repite cuando suenan los primeros ecos de su guitarra y junto con su vocalización cavernosa altera mis puntos sensoriales menos susceptibles de ser enervados. Toda una vida parecen recrear estos trece temas, trágicos en su mayor parte pero afrontados con madurez. Nos canta los secretos oscuros que no nos atrevemos a reconocer sobre nosotros mismos, el dolor que podemos provocar en los demás, el suyo propio... Ahora ya no es tan oscura la portada, es Johnny Cash soportando nuestros pecados, el guardián entre el centeno con el cielo detrás. Bienvenido al purgatorio.

ARKTAU EOS

2010-02-18T10:26:00.001-08:00

Vivimos una época de saturación a nivel musical en la que nuestros sentidos se encuentran desbordados por tantos discos que aparecen y desaparecen ante nosotros. Muchos de estos discos se nos escurren como agua entre los dedos, sin más. La mayoría de personas los consumen ávidamente como un producto de entretenimiento perecedero, olvidando el orígen mágico y sagrado de la música. Para muchos es un simple proceso consistente en apretar el “play” y después el “eject”, el lapso de tiempo que transcurre en el medio simplemente una excusa para pasar el rato o no aburrirse. Ya casi nadie usa la música con fines mágicos, terapéuticos, como hacían los chamanes, como algo que puede afectar profundamente al oyente y transformarlo, como una herramienta al servicio de nuestro viaje interior y nuestro desarrollo espiritual. Por eso es tan de agradecer el trabajo de un grupo como Arktau Eos, un dúo finlandés de música ritual que desde 2005 viene fraguando una obra que va mucho más allá de lo estrictamente musical para adentrarse en terrenos poco frecuentados en Occidente, explorando frecuencias mágico-sonoras en busca de nuevas y elevadas cotas espirituales.

Grabando en parajes perdidos e inhóspitos de su Finlandia natal, el dúo, siempre rodeado de un aura de misterio y secretismo, recoge sus documentos sonoros para después moldearlos en su estudio-laboratorio, utilizando siempre tecnología analógica para así obtener un sonido más orgánico, cálido y vivo, muy lejos de la frialdad digital que domina gran parte de la música actual. Los sonidos fluyen con naturalidad de una composición a otra, navegando en atmósferas resonantes de eco y reverb, acolchados con drones profundos y frecuencias hipnóticas, acompañados de cantos y plegarias en éxtasis. Sonidos arcanos que estimulan la mente y nos sumergen en paisajes oníricos e irreales, muy lejos en nuestro interior.

Una música que, en las condiciones adecuadas, puede llegar a afectar profundamente al oyente debido a su naturaleza místico-mágica y a la calidad psico-acústica de sus sonidos y vibraciones, intentando alcanzar zonas ocultas de nuestro ser no sólo a través del oído sino también buscando otros canales de comunicación más misteriosos. Para ello, su música requiere atención, soledad, devoción inquebrantable y capacidad de sacrificio, un esfuerzo que, después de numerosas escuchas, trae siempre consigo una recompensa a nivel espiritual. Y es que cada nueva escucha de sus discos siempre es diferente, las composiciones se van transformando y ofrecen nuevas visiones, vibraciones, esencias y aromas, creciendo en nuestro interior. Obviamente, el papel de la intuición y el subconsciente de cada oyente es también fundamental, ya que Arktau Eos canaliza su energía a través de elementos que no son los habituales en el mundo de la música, y esto ya depende de hasta dónde quiera llegar cada oyente y de la predisposición de cada persona.

El dúo cuida hasta el mínimo detalle cada uno de sus discos (ediciones limitadas a cargo del sello Aural Hypnox), tanto la música como la presentación, tomando parte en diferentes rituales antes, durante y después de cada grabación, reflejando en su música las diversas experiencias y viajes que sus miembros han vivido en los últimos años, sumergiendo así su obra en un halo místico que trasciende las fronteras de la música en sí.

Arktau Eos utiliza una variada instrumentación de carácter acústico en su mayoría: madera, huesos animales y humanos, metales, agua, flautas, gongs, diversos instrumentos de cuerda y otros instrumentos llegados tanto de Oriente como de Occidente, ya sea auténticos o fabricados por ellos mismos, todo ello complementado por el harmonium y órganos vintage, lo cual no deja de ser sorprendente porque al escuchar sus discos la variedad de sonidos que crean es riquísima: drones, pasajes ambientales, espirales sonoras, mantras, repeticiones hipnóticas, exploraciones electro-acústicas, cantos rituales, atmósferas contemplativas y serenas, pero espectrales y perturbadoras al mismo tiempo.

Música ideal para ejercicios de meditación trascendental, para el viaje interior y la exploración de zonas desconocidas en nuestro ser. Música tremendamente oscura, pero nunca opresiva sino todo lo contrario, hermosa y catártica, todo depende de la predisposición del oyente, cada persona encontrará en esta música aquello que lleve dentro, ya sea en la superficie o escondido en las profundidades del subconsciente y el olvido. Mucha gente puede rechazar esta música por ser excesivamente hermética y oscura, pero el grupo atribuye estas reacciones a la ignorancia y el miedo, a no tener la capacidad y el valor de cerrar los ojos, mirar hacia dentro de uno mismo y ver todo aquello que no siempre es agradable de ver, nuestra realidad interior.

Discografía:
“Mirrorion” (2006)
“Scorpion Milk” (2006)
“Ai Ma Ra” (2009)

AMON DÜÜL 2: "Tanz Der Lemminge" (1971)

2010-02-10T05:41:00.000-08:00

Una reseña de Blackdecker.

Otra demostración de poder de los alemanes. Una fuerza de la naturaleza liberada del folk y el kraut hermanados, exprimiendo belleza a cada canción. Narración pura y dura al estilo de los 70's. Qué lejos quedan, pero que hermosamente cercanos. Les pierde la extensión de las canciones, en ese intento por rizar el rizo, pero cortadas a trozos respiran ligeras casi como retratos pop. Sí, suenan añejos a la que pones la oreja. Canosos, pero nunca respiran con dificultad asmática como en otros casos. La fantasía añadida a sus composiciones puede envejecerles de un plumazo o mantener tersa su piel. Mi gusto apunta al segundo caso. Saltan danzarines, juegan con las orejas, con las pocas neuronas supervivientes. Te abren a aquel mundo en ocre tecnicolor de hace unas décadas, sin dejar de tocarse con las nueva generaciones tecnológicas. Demandando para ellos reconocimiento y para los nuevos menos copy paste y más condumio acústico. Recomendeibol.

The Crownhate Ruin "Until the eagle grins" (1996)

2010-01-31T10:23:00.000-08:00

The Crownhate Ruin fue un trío de Washington surgido de las cenizas de la banda Hoover y que, a pesar de su corta vida (1994-1996), grabó una de las joyas menos conocidas del post-hardcore de los 90. Tras su disolución, algunos de sus miembros se embarcaron en proyectos tan importantes como June of 44 ó Abilene, lo cual nos puede dar una idea de por dónde va la cosa, aunque entre sus influencias también podemos encontrar ecos de Fugazi y Don Caballero, por poner dos ejemplos.

“Until the eagle grins” fue su único disco, publicado por el sello Dischord en 1996. Es una propuesta innovadora en su estilo, un álbum agresivo, denso, amargo y amenazador, repleto de composiciones tensas y dinámicas que oscilan entre la rabia más salvaje, la desesperación absoluta y la frustración post-adolescente pasando por momentos más reflexivos, delicados y cuidados, abarcando gran cantidad de emociones en estado de efervescencia febril, acompañadas de una interpretación exuberante y repleta de fuerza, un despliegue de facultades habitual en el hardcore pero al mismo tiempo añadiendo algo de picante con una considerable carga existencial, una tensión muy trabajada y un sonido bastante más oscuro que la mayoría de grupos de este género.

La potencia del artefacto en cuestión es enorme, el sonido es orgánico, directo y crujiente, pero también caliente, espeso y brutal. El grupo suena compacto y conjuntado al milímetro mientras interpretan canciones rebosantes de fuerza, echando chispas, con cambios de ritmo constantes que rompen la estructura lineal de las canciones, subidones de adrenalina bestiales, parones inesperados y ocasionales pasajes neblinosos y grisáceos cercanos al slow-core.

Energía pura, violencia sonora a punto de descontrolarse pero conteniéndose en el último momento, caos organizado, guitarras incendiarias que se sumergen en terrenos pantanosos, jugando con la distorsión y las disonancias para crear una atmósfera incendiaria que ocasionalmente se vuelve amarga y desoladora, riffs directos y adrenalínicos pero que en ocasiones buscan desconcertar al oyente con tempos irregulares y fragmentados, batería inquieta e imprevisible, un sonido de bajo grueso, alquitranado, fluído y funky, con mala hostia, y por encima de todos una voz a pelo, honrada, sencilla, sin artificios, con sus limitaciones (lo que la hace más humana y estremecedora), que pasa del grito desgarrador al susurro más suave en cuestión de segundos, expresando convincentemente sentimientos de ira, frustración, desengaño y desamparo.

En definitiva, The Crownhate Ruin fue un grupo poco conocido en su época pero muy valorado en ambientes underground debido a que su propuesta trascendió las fronteras del hardcore para adentrarse en terrenos más experimentales y cargados emocionalmente.

John Coltrane: "Crescent" (1964)

2010-01-26T10:27:00.000-08:00

El jazz lo dejo sonar en las horas nocturnas, te envuelve con sus sonidos neblinosos y se amalgama con los colores nocturnos de baja luminosidad. Pero este se lleva la palma, ya no solo resulta idóneo para altas horas de la madrugada, es necesario que sea así. Sobre todo con algún cubata de whisky que se haya finiquitado, con la luz apagada e hipnotizado con el reflejo azul del hielo que recibe del reloj digital, con el regusto del amargo sabor que se alarga con cada nota de Coltrane... El día resulta enajenador y por la noche, se reflejan los lamentos de los perdidos.

SWELL MAPS

2010-01-19T09:42:00.000-08:00

Reseña escrita por Javi (Möng Destralér)

Nikki Sudden y Epic Soundtracks eran dos hermanos residentes en Lenington Spa, localidad de la periferia de Londres. A principios de los años 70, influenciados por T. Rex, Can y The Velvet Underground, decidieron empezar a ensayar en una habitación de casa de sus padres, tenían quince y trece años respectivamente. En 1972 dan comienzo sus primeras grabaciones caseras, Nikki a la guitarra y voz y Epic a la batería y piano. Poco después el dúo pasa a trío con la incorporación Phones Sportman (que alternará guitarra y bajo). En 1976 ficharon a Richard Earl como guitarra y a Jowe Head como bajista y cantante.
En 1977 se estrenan discográficamente con el single “Read about Seymour”, las 2000 copias se las quitan de las manos, como vender bragas en un mercadillo gitano. En 1978 publican su segundo single (“Dresden style”) y también se agota en pocas semanas.
Un año después ponen en circulación “A trip to Marineville”, un doble lp cargadito de temazos, una obra magistral. Empieza a girar el disco... La fricción de la aguja con el vinilo se hace latente... Oyes a un niño sin aliento susurrarte al oído: “Say, that's a swell maps...!” Ya no hay marcha atrás... Los temas se van sucediendo uno tras otro, cada canción es un viaje lisérgico lleno de espirales sonoras, marañas eléctricas de guitarras de papel de lija que te atrapan irremediablemente, ritmos frenéticos y pasajes atmosféricos hasta la fecha vírgenes. En conclusión, ¡gran portada, grandes canciones y grandes letras!
Empezaron a grabar su segundo lp, “Jane from occupied Europe”, automáticamente al acabar las sesiones del primero, en 1980. Éste segundo disco es más enigmático y psicodélicamente oscuro, hay quien dice que es incluso más potente que su debut. Las guitarras siguen afiladas y la banda apunta alto. Desgraciadamente, después de siete años esperando una oportunidad los Swell Maps deciden desapareder tras finalizar una gira por Italia. Eso ocurrió en 1980, pero antes tuvieron la gentileza de obsequiarnos con la edición de dos singles: “Real shock” y “Let's build a car”.
Swell Maps dejaron claro que no querían estancarse en un sonido concreto similar al punk, fueron los más masoquistas, deseaban no ser comerciales!!! A la mierda con los Swell Maps!!!

EXOTOENDO

2010-01-10T04:11:00.001-08:00

Exotoendo fue un proyecto liderado por el músico francés Cyril Herry a finales de los 90. Su música combinaba elementos del ambient más oscuro, sonoridades industriales y elementos de la música sacra y ritual.
Sólo sacaron un par de cd's: “Endorcism process” en 1998 y “Push Kara” en 1999, además de un cassette en edición limitada titulado “Transept”.
Sus discos fueron grabados en fábricas abandonadas y contenedores metálicos, lo que le confiere a sus trabajos esa atmósfera tan especial, rebosante de ecos, reverberaciones y resonancias misteriosas.
Su instrumentación era muy variada, pero casi siempre de naturaleza acústica: primitivos instrumentos de viento (flautas, piedras y huesos), violín, todo tipo de percusión (desde campanas y gongs hasta maderas, hierros, metales y tuberías), voces que recitan sus plegarias y rezos mientras desde algún lugar remoto se desarrollan con parsimonia inquietantes atmósferas electro-acústicas, ruidos y drones.
Las composiciones son de carácter ritual y chamanístico, los sonidos beben del dark ambient más profundo (Lustmord, Lull, Rapoon, Thomas Köner), de las repeticiones hipnóticas de los chamanes así como del afán de trascendencia y espiritualidad de la música sacra, las prácticas tántricas y los rituales Tibetanos.
Su música buscaba la hipnosis, la sugestión y la curación a través de sonidos primitivos y arcáicos, intentando provocar en nosotros una serie de estados trascendentales de éxtasis y explorando paisajes espirituales yermos y desolados en busca de una regeneración anímica.
Exotoendo están relacionados con culturas milenarias que desde siempre han practicado la magia ritual, la meditación, el trance, los exorcismos chamánicos, los estados de conciencia alterados y las revelaciones místicas, pero lo hacen desde una perspectiva moderna, post-industrial, recurriendo a los sonidos de la decadente civilización occidental y sus fábricas, edificios y máquinas.
Sus raíces eran tanto musicales como espirituales y terapéuticas, pero optando por la versión dura y difícil, nada de new age ni chorradas de relajación, no pretendían ahuyentar nuestros demonios interiores sino convocarlos (“endorcismo”), hacernos atravesar por un proceso ritual de vida-muerte-renacimiento que transformase nuestro ser y nos condujese a un estado de conciencia superior.
Cyril Herry también ha formado parte de otros proyectos como Ashes To Ashes, Lecanora, Ninth Desert, etc, además de encargarse del diseño de los discos del sello Kokeshidisk.

JOHN ZORN: "Astronome" (2006)

2010-01-02T04:01:00.000-08:00

Vistan sus mejores galas, ya saben: el capirucho, la bata de estrellas, barba de chivo y demás. Ah, y el catalejo. O un potente telescopio que para el caso, da lo mismo.

Se cogen a Juanito con Mike Patton, Trevor Dunn y Joey Baron. Tres canciones, nomás. 14, 17 y 12 minutos. Las pajas mentales las ponen ustedes.

Noise, bondage, free, hard core. Pero siempre hilado por la mente enferma de Zorn. Tres instrumentos usados al límite, comenzando por la voz de Patton. Increíbles gárgaras y burbujas que harían empalidecer a Pavarotti y demás grandes del bel canto. El bajo de Dunn ofreciendo una gama de sonidos increíbles, sonando de guitarra a cello pasando por máquina de las torturas. La batería de Baron en diferentes afinados pone los clavos de esta locura de ataúd.
Navegando de la placidez al descosido, del remanso al martirio. Ultra visible, disfrutable si uno se deja arrastrar al epicentro de la locura. No hay tiempo de descanso, el cambio asalta a cada vuelta. La inventiva del sonido en cada uno de los matices que trufan la partitura.

A partir de aquí, una mirada más o menos académica ofrece las posibilidades de la interpretación: Que si Antonin Artaud que si Aleister Crowley, que si Edgar Varese. Lo que quieran con tal de darle un valor y un significado. O simplemente una orgía. La manera como atormentar a los vecinos un domingo de mañana, como romper con su pareja y expresarlo sin palabras. Un simpático mensaje navideño en su contestador automático (de 17 minutos).

Lo que quieran.

Un lujo de disco. Mentes incansables que no fallan, no se agotan ni dan un paso en falso. Ni tan siquiera uno atrás. Adelante y a lo que venga. Tal que así es una de sus audiciones. Como salir a la calle, en uno de estos días de luces y buenas navidades. Ya nadie se las da, las sueltan como si te piden la hora, sin esperar que el otro responda. Ni unas malditas gracias.

AKAUZAZTE DANOK

2009-12-21T02:35:00.000-08:00

El centro neurálgico de actividad de Akauzazte Danok se encuentra en el antiguo matadero de Azkoitia (Gipuzkoa), donde el grupo tiene su local de ensayo así como el estudio de grabación del que han salido sus discos. Desde 1992, siempre trabajando en la oscuridad de las entrañas del matadero, Akauzazte Danok han ido dando forma a sus visiones y pesadillas en forma de música y liberando sus obsesiones más profundas.

“Akauzazte Danok” fue grabado entre 2002 y 2008, años en los que el trío ha estado afilando sus armas en silencio, grabando, re-grabando, elaborando y transformando las piezas de este disco, un trabajo en permanente progreso y metamorfosis que nos ofrece una cara de las muchas que podía haber ofrecido.

Akauzazte Danok continúan avanzando en la propuesta planteada en sus anteriores discos, una música que combina lo primitivo y lo vanguardista, sonoridades industriales, elementos propios del folklore euskaldún así como de las músicas tradicionales asiáticas y africanas, distorsión ensordecedora, inquietantes pasajes acústicos, loops obsesivos y técnicas de manipulación electrónica.

A lo largo de los 59 minutos de duración de “Akauzazte Danok” las distintas capas de guitarras eléctricas y acústicas, los múltiples loops y las diversas estructuras melódicas van evolucionando poco a poco, pero intensamente, y tejen una densa tela de araña que nos atrapa sigilosamente y nos asfixia a cámara lenta. Las texturas que crea el grupo son abrasivas, ásperas, rasposas y duras. Los bloques de sonido se repiten con insistencia y provocan un efecto hipnótico mientras la percusión, de carácter tribal, apuntala el armazón con ritmos contundentes y fuerza salvaje. Un espectáculo de deslumbrante belleza y al mismo tiempo de gran brutalidad; unas composiciones herméticas y difíciles pero al mismo tiempo liberadoras y catárticas.

“Hau beste batek abesteko egiña izan zen” abre el disco con los sonidos de la txalaparta, pájaros y campanas: es la calma antes de la tormenta, un remanso de paz que nos prepara para lo que vendrá después... Poco a poco la canción va progresando y acumulando tensión a través de murallas sónicas y laberintos de ruido mientras las voces recitan el texto, una fórmula para convertirse en brujo o bruja. En el corazón de todas estas composiciones hallamos una enorme fuerza y energía contenida, como un volcán a punto de entrar en erupción, que a veces estallan en explosiones de ruidismo incendiario y pulso primigenio, es el caso de “Gure etxean gaude” o “Bat (2)”. En otras ocasiones, como en“Ezari emanak” o “Badaude”, las atmósferas inhóspitas y misteriosas se desarrollan con paciencia, creando un mantra sónico de melodías disonantes y electricidad estática así como una tensión sostenida que nos sume en el trance más profundo. “Armagedon” concluye el disco en un tono atmosférico-ambiental impregnado de belleza mórbida y amenaza sutil, supurando texturas electrónicas anestesiadas e insondables, dando paso al sonido de la txalaparta una vez más, cerrando así el círculo que se abrió al inicio del álbum.

“Akauzazte Danok”, el renacer de Akauzazte en 2009, nos muestra a un grupo en constante tránsito hacia nuevos y desconocidos caminos, incesantemente creando y destruyendo. Una obra que nos sacude con una vibración monolítica, pura, magnética, hermosa, con unas canciones enraizadas en la tierra de la que absorben su energía, conectadas a los ritmos ocultos de la naturaleza y en sintonía con las fuerzas telúricas que alumbran y exterminan al mismo tiempo.

John Lee Hooker: "That's my story" (1960)

2009-12-14T02:43:00.000-08:00

John Lee Hooker: “That’s my story” (1960)
La ventana está cerrada y a través del cristal el crepúsculo da lugar a la noche. Las estrellas brillan, pero no sólo en el cielo. Esta es mi historia.

La madera cruje ligeramente con cada uno de mis pasos, la escasa iluminación de la vela de aceite llena la habitación de sombras alargadas y claros que hacen brillar estrellas en el metal de mi guitarra.

La recojo con mis manos y mis dedos tocan sus cuerdas como si de una teoría del universo se tratara. La práctica ya la sé, lo he hecho tantas noches, cantar soledad y tocar blues.

Black Flag: "My War"

2009-11-30T11:11:00.000-08:00

Cuando un grupo encuentra una fórmula con la que se siente cómodo y la gente responde, la mayoría deciden seguir esa misma onda, intentando sacar el máximo provecho al asunto. Básicamente estos grupos se acomodan, volviéndose mediocres y cobardes al cabo de poco tiempo. No hay problema, es una opción respetable. En cambio, hay grupos valientes que deciden tomar nuevos caminos, a pesar de que saben que su público antiguo seguramente les acusará de vendidos y traidores y de que tendrán que pasarse mucho tiempo justificando su decisión y aguantando críticas negativas. El caso de Black Flag es uno de esos ejemplos de un grupo que decide no adherirse a ninguna norma y darle un giro estilístico radical a su obra, algo que causó una tremenda polémica e hizo que muchos de sus fans le diesen la espalda el grupo, unos por no entender su propuesta y otros porque consideraban que habían traicionado la base de su sonido al abandonar las raíces del hardcore más auténtico.

Tal polémica se inició en 1984, cuando Black Flag editaron su segundo álbum, “My war”. En aquella época eran uno de los puntales del hardcore americano, un grupo admirado y respetado, con una creciente base de seguidores. La mayoría de ellos esperaban la continuación de su clásico debut, “Damaged”, pero la sorpresa que se llevaron fue tremenda. En vez de seguir las coordenadas de su primer disco, Black Flag optaron por darle un giro considerable a su música, ya que pensaban que se estaban volviendo predecibles y no querían acomodarse en su éxito.
“My war” es un disco que combina la violencia y mala hostia de “Damaged” pero le añade ecos de Black Sabbath y los Stooges, mezclando el hardcore con el punk y el metal (algo inaudito en aquellos años) con predominio de frecuencias graves, rimos lentos y letras muy cargadas emocionalmente, girando alrededor de conceptos como odio, frustración, ansiedad, paranoia, alienación, fracaso, rechazo y relaciones personales nocivas. En una época en la que la mayoría de grupos hardcore querían tocar canciones rápidas con letras comprometidas a nivel socio-político, Black Flag optaron por componer temas lentos y escribir letras mucho más crudas y personales, canalizando toda la rabia y depresión post-adolescente a través de un sonido feroz y salvaje.

El disco se abre con el tema que le da título: “My war”, mi guerra, una guerra del “yo” contra el mundo, un “yo” que ha sido herido, traicionado y humillado y que ahora hace su camino en solitario como el águila Nietzscheana, sin confiar en nadie y rechazando cualquier ayuda. La interpretación vocal de Henry Rollins ya impone sus condiciones desde el primer minuto: rabia, violencia, frustración, una voz desgarradora, gritos inhumanos, un hombre vaciándose, sacándolo todo, consciente de que ha tocado fondo en su vida, rugiendo con una voz que le viene del estómago, una auténtica fuerza de la naturaleza, sólo hay que ver videos de aquella época para darse cuenta. Una interpretación cercana al psico-drama que lo emparenta con lo que por aquellos años también estaban haciendo gente como Michael Gira con los Swans o Nick Cave con The Birthday Party.

La cara A del disco ofrece una serie de temas que todavía recogen el eco de “Damaged”, medios tiempos brutales, de esos que echan chispas, con un grupo perfectamente engrasado y en forma, pero con un sonido más grave, sucio y espeso que en su debut. Pero es en la cara B donde el grupo se suelta y ofrece tres temas de seis minutos (duración impensable para el oyente hardcore medio de aquella época), con un sonido gravísimo, pantanoso, lento y extremadamente tenso, adelantándose en años al doom y al sludge, e influyendo seriamente en grupos como los Melvins, Saint Vitus e incluso Unsane y Nirvana. Es aquí donde el grupo ofrece su versión más radical y extrema, algo curioso porque muchos de sus fans les acusaron de haberse vuelto comerciales, cuando lo que ocurrió fue justo lo contrario. “Nothing left inside”, “Three nights” y “Scream” son un auténtico infierno sonoro de temas lentos y arrastrados, guitarras graves y disonantes cortesía de Greg Ginn, y la desgarradora voz de Rollins. Su particular descenso al infierno nos va sumiendo en profundidades de depresión y colapso nervioso, delimitando un paisaje de alienación y desolación emocional a través de unas torturadas, opresivas y durísimas letras que Rollins vomita con una virulencia pocas veces vista en la historia del rock and roll. Un ejercicio catártico que realmente intimida: es el espectáculo de un hombre abriendo su corazón y sus entrañas, en carne viva, sin efectos especiales y sin esconderse tras ninguna parafernalia estética, caminando hacia un abismo existencial, exponiendo sus miedos, neurosis y frustraciones. Sonido deprimente pero terapéutico y liberador. Mejor quedarse en casa escuchando esto que salir a la calle a pegar tiros y a ajustar cuentas.

“My war”: una auténtica biblia de la misantropía, un disco para esos “días especiales”, una experiencia sonora peligrosa, difícil y agotadora, pero necesaria para purificar nuestra mente y nuestro cuerpo. Entre la lucidez y la locura, caminar por la cuerda floja de estas canciones sigue siendo un ejercicio fascinante.

A continuación hagan el favor de darse el gustazo con esta interpretación absolutamente gloriosa de “Three nights”.

Miles Davis "In a silent way" (1969)

2009-11-17T11:07:00.000-08:00

Reseña por Blackdecker

Si hay una capilla sixtina de esto del jazz, "In a silent way" puede significar algo muy cercano. Como siempre vampírico, Davis se lleva consigo a lo mejor de la nueva escena, desde John McLaughing a Wayne Shorter (para hacer las funciones de Coltrane) pasando por Corea, Hancock, Tony Williams, Joe Zawinul y Dave Holland. Como siempre rompedor, Davis electrifica y rompe con lo acústico en su particular viaje astral a otros mundos que le eviten la agonía. La lectura sigue siendo la misma, diálogos entre instrumentos e interpretes, una base que camina hacia terrenos desconocidos, sólo el jefe de la tribu tiene el mapa, o conoce el sendero. El resto del personal, tras sus pasos, confiados de llegar a buen término. No es un territorio tangible, es una nube la que atraviesan con sus sustancias y temores envolviéndolos. Belleza, intriga, incertidumbre. A lo lejos se oyen las sirenas, llamándolos. En el mascarón de de esa nave, el capitán hace sonar su cuerno, apartando telas invisibles a su paso. Como un emperador regresando a casa. Con corona de laurel y cetro. Al centro del universo, de una historia que es ya para toda la vida.

Jackie-O Motherfucker: "Valley of fire" (2007)

2009-11-03T00:37:00.000-08:00

Unos verdaderos maestros que saben que en la música sugerir puede valer más que enseñar y evocar que ver. Estimulan la imaginación del oyente en el periodo de gestación del “Sing Your Own Song”, y van tomando forma humana en las siguientes “Valley of Fire” y “The Tree”. El resultado es tremendamente orgánico y cálido, como radiado desde el útero materno. Finalizamos con We Are / Chanel Zero, donde el cambio a un nuevo medio desconocido resulta tan desconcertante y doloroso como el del neonato en un parto.

AGHAST “Hexerei im zwielicht der finsternis”

2009-10-21T11:13:00.000-07:00

“Hexerei im zwielicht der finsternis” fue el único disco que en 1995 grabaron el dúo compuesto por Andrea "Nebelhexë" Haugen y Tanja "Nachthexe" Stene, dos hembras noruegas relacionadas con círculos de brujería y ocultismo en su país natal y que nos ofrecieron una enigmática y misteriosa obra en la que sonidos oscuros y fríos se combinan con saberes arcanos y rituales olvidados.
Oscuridad, soledad, aislamiento, brumas, niebla, lluvia, frío, viento, densos e inhóspitos bosques, la violencia de la naturaleza, ritos ocultos, aquelarres degenerados, danzas paganas en la profundidad de la noche, estas son las imágenes que el dúo conjura a través de su música, una música que, en sus propias palabras, “trata de la cara oculta de la naturaleza, de los deseos y fantasías más macabras, temas que el público medio rechaza debido al temor o a la ignorancia”. El arte de Aghast invoca sombrías e insondables imágenes en nuestro subconsciente más profundo, removiendo los cimientos de nuestra arquitectura mental para sacar a la luz sensaciones y visiones aletargadas por el vacío en el que nos vamos hundiendo generación tras generación.
En este disco no hay “canciones”: lo que encontramos son composiciones de carácter ambiental y atmosférico cercanas al dark ambient más tenebroso y espectral pero también ecos de la música ritual y cantos relacionados con plegarias e invocaciones paganas.
Los temas son de carácter claramente minimalista: las sencillas estructuras se repiten insistentemente, con paciencia y sabiduría, acolchadas a base de teclados glaciales, neblinosos y difuminados, sonidos envolventes que flotan en atmósferas narcóticas de eco y delay, fantasmagóricas apariciones de un violín disonante y alguna incursión en las percusiones de carácter ritual.
El sonido es absolutamente lo-fi, sucio, granítico y cavernícola, dando así un aire arcáico y primitivo que aumenta la autenticidad del disco.
Nebelhexe y Nachthexe usan diversos tipos de registros vocales en cada composición: susurros inquietantes, gritos desgarradores, plegarias inductoras al trance, rezos histéricos, de acuerdo con lo que cada canción exige, ya que todas ellas son distintas y su atmósfera peculiar requiere una interpretación vocal apropiada para así lograr el máximo efecto. Esta es una de las particularidades de este disco: cada pieza es diferente a las otras, crea una atmósfera única y responde a necesidades emocionales específicas, siempre dentro de la oscuridad que las caracteriza. A pesar de esta heterogeneidad, el disco suena como un todo perfectamente integrado, un viaje de macabra y perturbadora belleza, una pesadilla obsesiva y terminal.
Lo último que se oye en el disco es un amenazante aviso: “This is just the beginning”, esto es sólo el comienzo... El aviso quedó ahí, ya que hasta ahora el dúo no ha vuelto a sacar discos, pero esperaremos con impaciencia hasta que su amenaza se vuelva una realidad y su maldición vuelva a extenderse por el mundo.

ZU - Carboniferous (2009)

2009-10-13T06:30:00.000-07:00

Reseña por Blackdecker.

En las catacumbas está pasando algo. Algo desagradable a tenor del rugido infernal que escapa de sus tuberías. Mala leche, sed de venganza, quebranto de huesos y empujones. El submundo se dispone a ocupar su sitio, a volver a la superficie y desplazar a todos esos llorones que chillan como ratas cuando se ensucian con porquería. Pues se van a enterar esos que visten de blanco. Las catacumbas han tomado una decisión de la que no van a poder volverse atrás. Nos incumbe a todos, a los que estén con ellos y a los que no. Pronto oiremos el crujir de sus motosierras partiendo cuerpos, sus lanzas térmicas fundiendo resistencias, los goterones de cera manchando paredes. El demonio y su vocoder nos irá durmiendo con una nana terrorífica, hasta despertar en el infierno. Desde las catacumbas nos avisan y avisan, que estemos preparados. Ni por esas; nos pillaran con los pantalones bajados, sollozando por nuestros ángeles guardianes. No les busquen, hasta éstos se habrán cambiado de bando.

Zu ,Soulolympics.

Andrei Tarkovsky

2009-10-04T03:43:00.001-07:00

No es fácil ver las películas del maestro ruso Tarkovsky. No sé, quizá hace falta encontrarse en un estado de ánimo especial, o quizá hace falta tener una necesidad a nivel espiritual que nos lleve a visitar sus obras una y otra vez... No sabría decirlo. El caso es que no es fácil ponerse a ver películas de dos horas y pico, en las que hay muy poca acción, en las que no ocurre casi nada a nivel externo (aunque a nivel interior todo esté en estado de ebullición), en las que nos encontramos secuencias largas, lentas, oscuras, con poco diálogo (Tarkovsky es sin duda el cineasta que mejor y con más efectividad ha sabido utilizar los silencios), y cuando hay diálogo se centra en temas filosóficos y metafísicos como la muerte, el sentido de la vida, el amor, la soledad, el misterio de la fe, la esperanza en un mundo en ruinas... Sin ninguna duda uno de los grandes maestros del arte cinematográfico del siglo XX, influyendo de gran manera en directores como Aleksandr Sokurov o Bela Tarr.

Yo vuelvo una y otra vez a estas películas, a estos viajes, y al igual que me pasa con los libros de E.M. Cioran, por muy duro que sea el contenido de sus obras, al terminar de ver los films de Tarkovsky me siento ligero, limpio, con más claridad de ideas, como si hubiese entrevisto ese "algo" que me acerca a un mayor entendimiento de las ideas que me obsesionan... Es una catarsis que duele y hace sufrir, pero me deja limpio por dentro y más estable mentalmente, para que después la cruda realidad me devuelva a mi sitio una vez más... Tarkovsky decía que con su cine pretendía que la gente pudiese crecer espiritualmente, un objetivo realmente admirable y que al menos en mi caso cumple su cometido, así lo experimento cada vez que vuelvo a su obra.

Tarkovsky inició su andadura en los años 60 con dos películas. "La infancia de Iván" narra la historia de un niño de 12 años que ayuda a los rusos en la guerra contra Alemania tras el asesinato de su familia por parte de los nazis, mostrando su dura coraza exterior pero su vulnerable interior, un film donde Tarkovsky ya deja ver su capacidad de construir estremecedores pasajes cinematográficos en blanco y negro, su color preferido para filmar.
Su segunda obra fue "Andrei Rublev", donde se nos muestra la vida del pintor de iconos ruso del siglo 15 y todas las desoladoras experiencias que va viviendo en su viaje por tierras rusas: injusticia, opresión, violencia, muerte y dolor, lo que le llevará a una profunda crisis de fe. Un viaje espiritual donde el amor a la vida y al arte compensan toda la brutalidad y mezquindad que rodean a Rublev. Una experiencia poético-mística que abarca gran cantidad de sentimientos y sensaciones, con imágenes de una belleza trascendental.

En la década de los 70 el director ruso filmó tres de sus obras clave. "Solaris", en 1972, basada en la novela homónima de Stanislaw Lem, es un film donde los silencios asustan, donde las reflexiones metafísicas tienen lugar en medio de una claustrofóbica atmósfera, paisajes cósmicos y ese océano vivo que es capaz de leer nuestros pensamientos y convertir en realidad nuestros miedos y obsesiones más ocultas (por ejemplo la mujer muerta del protagonista, que es devuelta una y otra vez a la nave por el océano).
"El espejo", de 1974, es una obra autobiográfica en la que combina los recuerdos de la separación de sus padres, la 2ª guerra mundial y los temas metafísicos trascendentales predominantes en su obra. Gran recurrencia de pasajes oníricos, sueños y elementos cercanos a lo sobrenatural, algo que abundaría más y más en posteriores películas. Imágenes bellísimas, desconcertantes y difíciles de explicar, pero que activan recuerdos y memorias en nuestro subconsciente. Un argumento hermético y difícil pero sugerente, sólo es cuestión de dejarse llevar por su fascinante lenguaje visual y poético.En 1979 llega "Stalker", seguramente su mejor obra, basada en la novela de los hermanos Strugatski. En esta película los "stalkers" son seres marginados socialmente que llevan a otras personas a visitar "la zona", un lugar cerrado y cercado por la policía ya que cayó un meteorito años atrás y se sospecha que vida inteligente ha quedado allí. Los "stalkers" son los únicos que pueden orientarse en esta "zona" y llevar a la gente a una habitación en la que se les concede un deseo, el más íntimo, el más profundo. El único requisito para ello es ser un fracasado, una persona sin suerte en la vida, un desgraciado. Los paisajes por los que nos lleva Tarkovsky en este épico viaje son de una belleza apocalíptica: la película fue grabada en una central hidroeléctrica abandonada en Rusia, de ahí que predominen las ruinas, naves industriales abandonadas, túneles, humedad, desechos, basura... Una primera versión de la película fue grabada, pero desaparecieron los originales y Tarkovsky tuvo que grabar otra versión con mucho menos presupuesto, que es la que nos ha llegado. Una pérdida terrible porque si esta versión es espectacular, da vértigo pensar cómo sería la primera.

En los 80 nos ofreció dos películas: "Nostalgia", que trata del exilio y la tristeza que produce el estar lejos de la tierra amada, otro hipnótico viaje visual y existencial, donde ya plantea el tema del sacrificio personal, algo que desarrollaría en su última obra, "Sacrificio", que aborda el tema de la guerra nuclear, el fin del mundo y la posibilidad de la salvación a través de la fe, el sacrificio y la renuncia a todo lo que amamos, las posesiones materiales, las personas, incluso la cordura. Resonancias poéticas, metafísicas y sobrenaturales en una obra visualmente fascinante, alternando escenas claras y luminosas con pasajes sombríos y apocalípticos. Una película densa, dura, conscientemente lenta, compleja, cuya visión supone realizar algo similar a un acto de meditación, con entrega y disciplina, enfrentándonos a lo desconocido, cuyos beneficios quizás no sean obvios a nivel superficial pero sin duda se notan a nivel interior. "Sacrificio" fue su testamento espiritual, su obra más profunda, un trabajo de extraordinaria belleza y de un alcance metafísico como pocas veces se ha visto en la historia del cine. Tarkovsky murió un año después de finalizar la película, en 1986.

CROMAGNON - Orgasm (1969)

2009-09-28T08:08:00.001-07:00

Es una autentica locura editada en estados unidos por el duo Austin Grasmere y Brian Elliot, entre sus fans se encuentra ni más ni menos que gente tan singular como William Bennet , el colgado ese de Whitehouse. Fue publicado por el sello de rarezas neoyorquino ESP, y es que esta claro que ninguno otro sello contemporáneo editaría esto en su sano juicio.

Disco histórico con independencia del resultado por los caminos nuevos que descubre, influencia tanto al heavy, como al sonido industrial tipo throbbing gristle.
No se puede describir el disco entero, mejor referenciarlo como posibles respuestas a las mismas preguntas sobre algunos cortes del mismo:

1-Caledonia - Proto heavy-metal con ¿ gaita ?
3-Organic Sundown - ¿ El padre de Black-pus ?
4-Fantasy - ¿ AMM en plan cachondeo ?
5-Crow of the Back Tree - ¿ folk experimental minimalista ?
7-Toth, Scribe I - ¿ Dark-noise ?
8-First World of Bronze - ¿ música sacra-noise ?

Obligatorio para todos los amantes de la experimentación.

Cromagnon:"Caledonia"

EXTREME NOISE TERROR: "A holocaust in your head" (1989)

2009-09-19T03:43:00.000-07:00

Pocos títulos tan apropiados como este “A holocaust in your head”: un holocausto en tu cabeza, una escandalera descomunal en la chola, hasta reventar los sesos. Extreme Noise Terror fueron uno de los grupos más intensos de la radical escena británica que a mediados de los 80 se dedicó a re-inventar y dar un nuevo aliento a géneros como el hardcore, el punk e incluso el thrash metal, que ya sonaban cansinos y repetitivos en aquellos años pasada la furia inicial y el caos tan excitante que sembraron en sus inicios. Grupos como E.N.T., Amebix, Discharge, Doom y los primeros Napalm Death dieron paso a nuevos géneros como el grindcore y el crust, estilos que unían elementos dispares tanto del punk como del metal más extremo, sonido guarro, sucio y contundente, sin miramientos de ningún tipo.

“A holocaust in your head” (1989) fue el debut de E.N.T., su disco más brutal, primitivo y directo y el que nunca han podido superar, con la excepción de las Peel Sessions que grabaron entre 1987 y 1990. Temas cortos, directos y violentos, riffs crudos, furiosos y frenéticos, rebosantes de sudor y adrenalina, sonido sucio y distorsionado al máximo, como un tren descarrilando, una inmensa mole de ruido, atmósfera caótica y espontánea, parece que los temas no se aguanten de pie, como si fueran a derrumbarse de un momento a otro, pero de manera milagrosa E.N.T. no pierden el norte y van haciendo camino por la cuerda floja, de ahí que el disco sea tan excitante. Los riffs van a piñón fijo, como ya hacían Motörhead, a saco, sin apenas variación, sencillos, energéticos y pegadizos, exprimiendo la fórmula al máximo mientras dure, en una propuesta limitada y suicida pero valiente.

Batería hiperactiva con sonido a lata, bajo crepitante, guitarra bisturí en plan sierra mecánica y dos vocalistas, uno que gruñe y el otro que grita, un cerdo degollado y un perro rabioso vomitando con rabia sus incendiarias proclamas anti-sistema, clásicos como “Deceived”, “Conned through life”, “Murder”, “Fucked up system”, “Bullshit propaganda”. Da igual que la vocalización sea nula, esto no es música para cantar sino para gritar y berrear, para criticar lo que no funciona en esta sociedad (que son unas cuantas cosas). Da igual que sean músicos limitados, esto no es metal progresivo, joder, aquí lo que cuenta es la intensidad, la saturación sónica, el sudor, el vicio.
Punk como tiene que ser, sucio, rabioso, directo a la yugular, sin concesiones, a cara de perro, y al que no le guste, que se joda.

CAN - Future Days (1973)

2009-09-10T09:50:00.001-07:00

Reseña por Blackdecker:

Hubo un tiempo en que la música era terriblemente evocativa y planeadora. Que apuntaba al futuro sin desmelenarse, que fusionaba todo tipo de estilo sin calculadoras (tampoco existían) que tiraba de misticismo y salmodia, que patrocinaba una cierta religión. Congregaban, se recreaban, sudaban, dejaban crecer sus cabellos, te explicaban algo entre aromas variados. Te empujaban hacia el centro de sus fantasías y uno se dejaba. Terciaban sustancias, supongo. O ibas a pelo. Eso tampoco era imprescindible. Mucha mítica drogadicta. Pero también cerebros abiertos como balcones encarados al mediterraneo. Los Can se avanzaron al sentimiento balear antes que los pesados del chill out se lo hicieran suyo. Con todas sus letras. Tres solamente. Lo bueno si breve, dos veces bueno. Aunque luego se vayan a veinte minutos. Es lo que tiene. Yes we CAN, simplemente.

Can: Moonshake:

Natural Snow Buildings "Daughter of darkness" (2009)

2009-09-01T09:11:00.000-07:00

Los alquimistas pretendían obtener la piedra filosofal, el oro espiritual, a través de un largo y difícil proceso de destilación y sublimación (martirio) de los siete metales elementales. Un proceso de descomposición y transmutación, acompañado del suplicio del fuego, conduce a la resurrección y perfección de la piedra. La escucha atenta de este trabajo “Daughter of darkness” supone un proceso similar al de los alquimistas, pero esta vez a nivel anímico, emocional y espiritual. Un viaje lejano, muy lejano, hacia nuestro interior (a rincones ocultos de nuestro inconsciente, a sensaciones aletargadas en nuestra alma) y hacia el exterior (excursiones hacia abismos sonoros y vuelo libre por el espacio). Una extenuante travesía en el desierto que nos hace atravesar diversos paisajes así como distintos estados mentales y espirituales. Una obra de dimensiones descomunales: más de 6 horas de música repartidas en 5 cassettes (sólo se editó en este formato, y en edición limitada). Obviamente no todo el mundo está dispuesto a ocupar su tiempo libre en escuchar semejante tipo de artefacto, ya sea por falta de ganas, tiempo o disciplina. Ciertamente impone e intimida enfrentarse a tal propuesta, pero aquellos que lo han hecho y han podido vislumbrar lo que se esconde en los recovecos de esta obra ya saben que la recompensa a tal esfuerzo es increiblemente satisfactoria.

Natural Snow Buildings son un dúo de la Bretaña francesa formado en 1997, y “Daughter of darkness” (2009) es el más reciente trabajo de su prolífica carrera. El dúo combina las sonoridades del folk más heterodoxo (Comus, Third Ear Band, Current 93, Hala Strana, Thuja), el misticismo y el poder seductor de los drones inmensos de los “correos cósmicos” alemanes como Popol Vuh o los primeros Tangerine Dream, los pasajes más espaciales y psicodélicos de Magnog y Flying Saucer Attack así como el aliento épico y los océanos embravecidos de feedback de Glenn Branca o de Godspeed You Black Emperor. Su música suena fluída, natural, espontánea, orgánica, los sonidos de guitarras acústicas y eléctricas crean densos e hipnóticos mantras sonoros, ricos en texturas y meticulosamente elaborados, acompañados por sonidos de sabor oriental, ecos y reverb, percusiones sencillas y primitivas. Las voces y coros lisérgicos transmiten un afán de trascendencia y espiritualidad que impregna cada nota de estas extensas composiciones (entre 20 y 40 minutos la mayoría) donde los crescendos vertiginosos y los clímax de alto voltaje son mantenidos durante minutos y minutos hasta el éxtasis.

Folk ancestral, sexo tántrico, ritos arcanos, lenguajes herméticos, alquimia prohibida, celebración pagana de las diversas etapas materiales y astrales de la vida y la naturaleza, la luz y las tinieblas, el ascenso a los cielos y el descenso a los infiernos de la vida y del amor. Atmósferas misteriosas y absorbentes cuyos caminos se abren para la meditación y el trance, ofreciéndonos múltiples visiones y revelaciones místicas. Canciones que suenan como si hubieran sido grabadas en una cueva hace millones de años, atrapándonos en sus laberínticas estructuras y transformándonos poco a poco, para devolvernos a la tierra seis horas después, cambiados, diferentes. Como ya dijo un antiguo alquimista: “Después de un largo martirio y no menos sufrimientos, heme aquí resucitado, puro e intachable.”

APHEX TWIN - Selected Ambient Works 85-92

2009-07-28T06:39:00.001-07:00

Reseña por Blackdecker:

Imagino que dentro de muchos años, muchos, cuando se hable de este disco, la gente se refiera como si se tratara de un disco de Bach o Mozart. Salvando las distancias, claro. O no. Imagino el entierro de Richard D. James, bajo palio, sonando este disco mientras una rua inmensa sigue al cortejo fúnebre en un dia lluvioso. Palabras sobre la semilla que ha dejado el artista, su influencia en grandes voces resonando en las arquivoltas de alguna majestuosa catedral. O no. Los niños estudiando sus discos, demenuzados por cualquier severo maestro, los otros repitiendo la lección que les ha tocado ese día. Podría ser. La historia nos acerca al hecho, pero necesitamos siempre de perspectiva, la lupa que permita alejarnos para ver hasta dónde alcanza la importancia, el empaque, el resultado final. De momento, todo queda en el dibujo de un tipo con pinta de vicioso descerebrado, amante del ruido y la jarana, especialista en romper tímpanos en cuanto le dejan. Por tanto, ni peluca almidonada, ni chorreras, ni zapatos de tacón con empeine grandilocuente, ni talco a mansalva. Ni partituras crepitantes. Será cuestión de esperar a que la historia dicte sentencia. Pero, desgraciadamente, ya no estaremos.

Aphex Twin - Heliosphan:

BIOTA - Object Holder (1995)

2009-07-17T07:15:00.001-07:00

Biota , formados en Estados Unidos y en funcionamiento desde el año 1985, consiguen una década después ,con este trabajo, una de las cumbres del imaginario musical. Experimentación, psicodélia, post-pop, world music, todo esto y más fluye por su sistema audiovascular. Con Object Holder iniciamos un fascinante e inquietante viaje iniciático a una dimensión de desconocida poesía , los atrayentes y misteriosos pasajes sonoros inducen hipnóticamente recuerdos de unos Cocteau Twins revueltos con unos oscuros Tortoise y con reminiscencias de folclore balcánico. Uno se siente enajenado dentro de su mundo virtual y desde el real solo busca regresar al camino de baldosas amarillas.

Thomas Köner: Teimo / Permafrost (1992-1993)

2009-07-07T09:22:00.000-07:00

El “drone” hecho arte.
La repetición como único camino al trance.
Sonidos que se nos escapan.
Silencios que aplastan.
Belleza que hace daño.
Un túnel sin fin.
Ecos en un tanque de aislamiento.
El agua se convierte en hielo.
Las placas tectónicas avanzando milímetro a milímetro durante siglos.

Vestigios de un sueño pre-cámbrico.
La inmensidad del cielo ártico.
El frío que encoge el alma.
El vértigo de los abismos interestelares.
El paisaje inerte de un planeta muerto.
Un cáncer que crece lenta y pacientemente en mi interior.
Retorno al útero de la madre muerta.

THE ANGELS OF LIGHT - We Are Him (2007)

2009-07-02T06:30:00.001-07:00

Reseña por Blackdecker:

Un poco claros y oscuros, tormento y más tormento hasta ver las pústulas de sus heridas abiertas y reabiertas por las sacudidas que se meten en el cuerpo. Canciones que cambian de forma cada nueva vez que las escuchas y que hacen de este "We are him" irreconocible. Como si de una paliza, o una operación de estética practicada con malicia y poco tacto. Rock dislocado, ángeles en crack, apóstoles desertores, trompetas del cielo y vocoders del infierno. Claros y oscuros, pero para los ángeles menos nubes y un poco más de aire en la habitación que nos ahogamos. O sencillamente es que me he equivocado de cielo.

YO LA TENGO -> Electr-o-Pura (1995)

2009-06-23T06:47:00.001-07:00

Describamos este trabajo siguiendo el ciclo de la toma de una aspirina efervescente:

Primero observamos la caja, haciendo una ligera presión obtenemos la solución redonda de nuestros alivios. Dejamos caer nuestro mini-cilindro prácticamente bidimensional en su medio natural para su correcta administración. Escuchamos con fascinación las ondas efervescentes / eléctricas que llegan a nuestro oído y finalmente la sensación de calma que nos produce su total consumición.

De esta manera uno de los mejores grupos “alternativos” del rock norteamericano, Yo La Tengo, consigue uno de sus mejores discos en su extensa carrera ( si no el mejor ) donde la voz tímida de Iran Kaplan y Georgia Hubley se entreteje con los murmullos eléctricos que te electrocutan con ligeras chispas de energía atemporal, hipnótica, sin grandes subidas ni bajadas, aunque con algún posible efecto secundario de adicción.

Yo La Tengo - Tom Courtenay:

Ruins: Stonehenge (1990)

2009-06-17T07:49:00.000-07:00

¿Quiere usted acabar con su relación de pareja en menos de tres meses? La Fam les presenta un método infalible y científicamente comprobado. La próxima vez que usted vaya a realizar el acto sexual con su compañero o compañera dígale lo siguiente: “Cariño, hoy me gustaría hacerlo con música de fondo, como cuando éramos jóvenes y follábamos en el coche con la radio puesta.” A continuación, antes de iniciar el acto, ponga este disco en su reproductor de cd's. Hágalo cada vez que mantenga relaciones sexuales con su pareja y le aseguramos que antes de tres meses le tomarán por loco, le enviarán a la mierda y usted será libre otra vez. De lo contrario La Fam se compromete a pagarle una suculenta indemnización.

Ruins son un duo japonés formado por Tatsuya Yoshida (batería y voz) y Hisashi Sasaki (bajo y voz) que a mediados de los 80 decidieron recuperar un género tan poco conocido como era (y sigue siendo) el zeuhl, movimiento musical iniciado por los franceses Magma a principios de los 70 y que tuvo cierta repercusión en los círculos más radicales del rock progresivo. Este fascinante aunque minoritario género se basaba en el rock progresivo, en la música contemporánea, con ritmos complejos, estructuras minimalistas y cierto aire místico y ocultista. Este “Stonehenge” (1990) fue una de las primeras grabaciones del grupo. El disco se mueve entre estructuras angulares, polirritmos, lineas melódicas quebradizas e imprevisibles y un ambiente absolutamente esquizofrénico. Con un sonido totalmente “lo fi” el duo creó una especie de “drum and bass” progresivo frenético y de una potencia descomunal, con ecos del hardcore más salvaje (algunos lo definieron como “prog punk”). Los temas, dinámicos e inquietos (no son capaces de aguantar tocando un mismo riff más de 5 segundos) suenan sucios y salvajes, siguiendo la plantilla creada por Magma casi a la perfección. De hecho, la base de las mejores obras de Magma siempre fue la batería de Christian Vander y el bajo (ya fuese Jannik Top o Bernard Paganotti), mientras que el resto de instrumentos se dedicaban a adornar la estructura y a aumentar la sensación de hipnosis a través de estructuras minimalistas. Pues Ruins van a por eso, cogiendo la base del sonido Magma, añadiendo algo de The Muffins, de Henry Cow y de la furia del punk e intentando hacer que cada canción sea más complicada, retorcida y difícil que la anterior. Músicos de un virtuosismo admirable pero que al mismo tiempo suenan brutales, composiciones complejas, batería que suena a lata, bajo grueso, distorsionado y manipulado con diversos efectos, y un amplio abanico de voces que van desde el falseto operático (similar a Christian Vander), a los gruñidos cavernícolas, pasando por los gritos a lo retrasado mental y bebé con diarrea. Lo bueno es que a parte de saber tocar a la perfección, los dos tipejos estos tienen un sentido del humor sanísimo, se ríen de todo, de ellos mismos y de cualquiera que se ponga por delante, al igual que hacía Zappa con los Mothers.
Y hay gente que preguntará: “¿Es esto bailable?” Si, pero sólo por epilépticos.
O bien: “¿Es esta música pegadiza?” Por extraño que parezca, sí. Cuando el duo se enzarza en algunos riffs consiguen crear ciertos grooves muy sueltos y fluidos, con gancho, seduciendo al oyente y apartándolo al mismo tiempo.
A pesar de ser una propuesta difícil y exigente (escuchar los discos de esta gente requiere esfuerzo, paciencia y disciplina mental) los resultados son más que satisfactorios. Discos como este “Stonehenge” u otros como “Burning Stone” (1992) o “Hyderomastgroningem” (1996) son esenciales para entender la música de vanguardia de lo últimos 20 años.

Fela Kuti - Zombie (1977)

2009-06-07T14:56:00.000-07:00

Reseña por Blackdecker:

Escuchar este disco es como asistir a una misa negra. Regularmente se oficia, se congrega a los creyentes para leer salmos calientes. Historias de diásporas, de sufrimiento, de esclavitud soportada merced a esos rituales. La injusticia que sólo puede ser combatida mediante el calentamiento global de las almas. Para ello el reverendo Fela Kuti y su iglesia de paños calientes. Versículos cobrizos, repetición de promesas buscando el trance. De esa manera ni el hambre ni el látigo tienen nada que hacer. Caer una y otra vez mientras los creyentes miran a otro lado, más allá de la libertad y el igualitarismo. Lejos de la corrupción de los desalmados.

Actuación en directo:

APSE - Eras (2009)

2009-06-01T08:06:00.000-07:00

Apse provienen de la costa este
norteamericana, más exactamente de Newtown (CT). Se formaron en
1999, así que lo suyo no es flor de un día. Robert Toher
guitarrista y cantante es el líder visible de eta banda de cinco
miembros donde han pasado por la misma hasta otros cinco más. A
pesar de su experiencia no sacaron su primer LP Spirit hasta el
año 2006 ¡editado por la española Acuarela Discos!. Eras,
segundo largo de grupo, viene a ser una muestra madura y mejorada de
su debut, dentro encontramos un montón de referencias de estilos
musicales, ya que resulta difícil encasillarlo solo dentro del
post-rock ( etiqueta que ellos mismos denostan ) . Aquí se compagina
el dark-ambient ( corte 2, “Dawn”,”Deathless”, corte 11) con
el rock tribal (“Ark”), un rock lo-fi y desestructurado (“Up in
the Eaves”, “Wishlist”, “Salt of the Earth”) , un slowcore
con un punto espirtitual a lo Low (“The Gloom”,”Shining
Black”,”Salt of the Earth”), experimentación (“Lillian”) y
por supuesto post-rock (“Cyd”,”The Letter”).

Todo es amalgama de sonidos puede
pensar que les haga caer en cierta inconexión entre los temas, pero
pana nada es así, la argamasa que une el conjunto se compone de un
sonido lo-fi o ligeramente noise, donde los momentos más impetuosos
se consiguen con ritmos oscuros , mohosos y ariscos provenientes de
sus más inhóspitos recovecos. No cantan demasiado, pero cuando lo
hacen parecen más aclamaciones al averno que otra cosa. Es un disco
muy oscuro pero no en un mal sentido, esa oscuridad que nos resulta
acogedora y nos hace sentirnos seguros como si estuviéramos en el
útero de nuestra madre, o invernando dentro de alguna cueva horadada
en la montaña hasta que lleguen tiempos mejores.

Apse • Up In The Eaves:

Unsane

2009-05-25T00:55:00.000-07:00

La música de Unsane es perfecta para esos días raros que tengo de vez en cuando. Días en los que vas en el tren y sientes la necesidad de agredir a los pasajeros. O caminas por la calle y piensas en escupir a los transeuntes. O tal vez conduces el coche y durante un segundo sientes la tentación de estrellarte contra el primer vehículo que te encuentres de cara.

En esos momentos disfrutas con su música, que transpira mal rollo por los cuatro costados. Un grupo que machaca riffs aplastantes con una mala hostia del carajo. Un sonido caliente, vicioso, espeso, sucio, oscuro, con un Chris Spencer que más que cantar se dedica a gritar, aullar y maldecir a todo lo que se menea, vomitando su bilis y su asco sobre nuestros sentidos, mientras una base rítmica en plan hormigonera de cemento / martillo neumático (un batería que machaca sus ritmos sencillos y aplastantes, un bajo grueso y crepitante) acompañada de un crujiente sonido de guitarra aplican terapia de electroshock a nuestros nervios. Unsane llevaron su simple y básico concepto musical al límite, hasta las últimas consecuencias, creando un rock and roll tenso, crispante y amenazador, trabajando con niveles de volumen, intensidad y saturación avasalladores, como tiene que ser. Sin trampa ni cartón ni ornamentos inútiles: tres tíos sacando todo lo que llevan dentro y punto. La esencia del rock and roll: un power trio excitante y peligroso, sin medias tintas. Como rascar una pared con las uñas hasta sangrar.

Surgidos en Nueva York en 1989, el trío cimentó una legendaria reputación a través de conciertos salvajes en los antros más sórdidos imaginables y unos discos que bebían de la brutalidad de los primeros Swans, el delirio misantrópico de Big Black, la suciedad y contundencia del punk, las frecuencias graves de Black Sabbath, la energía del hardcore, los ritmos chirriantes y obsesivos de la música industrial, todo ello en una mezcla de post-hardcore-metal-noise increíblemente violento y agresivo. Fueron relacionados desde un principio con la sección más extrema de N.Y., es decir Swans, Foetus, Sonic Youth, Cop Shoot Cop y similares energúmenos. Las controvertidas portadas de sus álbumes así como los textos (“Urge to kill”, “Exterminator”, “Body bomb”, “Streetsweeper”, “Sick”, “Blame me”, “Vandal X”...) van en la onda de lo que cabría esperar de unos degenerados como estos: violencia, odio, frustración, paranoia, asesinos en serie, etc. Música peligrosa para gente peligrosa. La perfecta banda sonora para las noches de insomnio de Travis en “Taxi Driver”.

Tuvieron problemas para encontrar su nicho en los 90: demasiado macarras para la audiencia metalera standard y demasiado salvajes para el público grunge del momento, así pues tuvieron que moverse en los márgenes del circuito musical establecido. En 1993, en plena eclosión grunge, las discográficas comerciales iban desesperadas buscando grupos de la escena underground con la intención de aprovechar el filón de Nirvana. Matador, el sello en el que militaban Unsane en aquella época y con el que habían editado su primer álbum en 1991 (“Unsane”), fue absorbido por la multinacional Atlantic. Así pues su segundo disco, “Total Destruction”, fue editado en 1993 por una multinacional. Y pasó lo que tenía que pasar, y es que Unsane no son Nirvana ni Soundgarden y su música no es tan fácil de vender. Ahí terminó su aventura con las multinacionales, con dos cojones, por la puerta grande. Para muestra un botón: en pleno apogeo de la MTV los de Atlantic les pidieron un videoclip promocional, y Unsane, con un par de huevos, les presentaron un video que difícilmente podía ser emitido por la televisión comercial: eligieron “Body bomb”, y grabaron un videoclip en el que se ve a una persona preparando un atentado contra las torres gemelas de NY, cargándose de explosivos, yendo para allá y detonándolos. Sin contemplaciones. Imagínense las caras de los directivos de Atlantic y del americanito medio.

En 1992 su batería Chris Ondras murió de sobredosis, y fue sustituido por Vincent Signorelli (ex-Swans) iniciando una segunda etapa del grupo: los temas se ralentizaron y ganaron en violencia e intensidad. “Scattered, Smothered and Covered” (1995) o “Occupational Hazard” (1998) se convirtieron en discos de referencia en la música más salvaje de los 90.

El grupo se disolvió temporalmente en 2000, para volver en 2005 con “Blood run” y en 2007 con “Visqueen”, dos álbumes que siguen la misma onda de siempre, sin sorpresas, con el sonido marca de la casa destrozando tímpanos y nervios.

Unsane es y será para siempre la música surgida de los bajos fondos de Nueva York: navajazos, ajustes de cuentas, cuerpos en el suelo acribillados a balazos o atropellados por coches, delincuencia, sirenas de policía y ambulancias a toda hostia, prostitución, polvos de mala muerte echados en callejones sucios que huelen a meados, con el suelo lleno de condones pisoteados, compresas sucias y jeringas usadas, todavía con sangre, suicidios en habitaciones decrépitas, las calles oprimidas por gigantescos bloques de edificios, el vértigo, la alienación y la soledad en la gran manzana, el miedo al fracaso, el darse cuenta de que no se puede caer más bajo, la necesidad de hacer daño, de matar, de matarse, de acabar con todo de una puta vez.

Una realidad que, si miramos con atención, quizás no esté tan lejos como pensamos.

THE SCIENTISTS

2009-05-18T02:54:00.000-07:00

Artículo por cortesía de Javi (Möng Destralér)

The Scientists fueron un grupo de Perth (Australia), activo desde finales de los años 70 hasta 1986. Fueron una banda que le daba al blues oscuro, pantanoso y corrosivo con un toque asesino y destructivo.
Su etapa más power-pop y accesible terminó en 1980. Poco después Boris Sudjovic (bajista y miembro original de la banda) convenció a Kim Salmon (el Dios del Fuzz) para volver a reactivar a los científicos. Pero esta vez lo harían en Sidney, donde reclutaron a Brett Rixon (batería) y a Tony Thewlis (segundo guitarra). ¡Comenzaba aquí su aquelarre particular!
Grabaron unas cuantas canciones donde ya demostraban que eran los reyes del “Swamp Rock” gracias a las que se pusieron en cabeza de las listas independientes australianas. Las grabaciones de esta época son auténtico canibalismo musical: “Set it on fire”, Blood red river”, “The spin”, “Swampland”...
En 1984 se instalan en Londres para intentar trascender más allá del continente australiano. Los temas que la banda dejó para la posteridad son de escándalo: “Braindead”, Human jukebox”, “If it's the last thing I do”... El grupo acentuó su tenebrosidad gracias a los eléctricos efluvios de los Suicide y los Television. Swamp rock de primera división con la impenetrable voz de Kim Salmon y su guitarra esquizoide con toques siniestros.
En 1986, tras grabar su último LP tienen una discusión con su sello discográfico “Auagogo?” y Boris y Brett deciden abandonar el grupo. Kim Salmon volvió a Perth después de vivir dos años en Londres y reactivó su proyecto con los Surrealists... Pero eso ya es otra historia...

Podéis escuchar un especial sobre los Scientists si visitáis www.myspace.com/mongdestraler y entráis en el programa nº 54.

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN . ½ Mensch (1985)

2009-05-11T06:25:00.000-07:00

Reseña by Blackdecker:

Disco del demonio, hell-raiser rock, agujas y anzuelos, garfios y estiletes, soldadores y cuchillas. Sierras y espátulas y todo para adentro. Sin tonterías. No vale impostar y decir como te molan si no los aguantas. El listón lo ponen tan alto como para un salto de pértiga. Al final sus canciones con sangre entran. No porque te gusten, ni porque te hagan sentir bien, ni, menos para quedar bien. O lo tomas o lo dejas. Pero no pierdas el tiempo. Una vez asimilado el producto, deseas que no acabe, un ataud, la humedad de los muertos, su pestilente aliento, un abrazo de hielo. Historias terribles. Lo que sea, pero que no acabe.

Einsturzende Neubauten - Letztes Biest

CUL DE SAC – China Gate (1996)

2009-05-02T09:54:00.001-07:00

GUIA MUSICAL

Año 2150 DC

1.China gate

[Cul de Sac se formó en Boston en el año 1990 por el guitarrista Glenn Jones y el multi-instrumentista Robin Amos. Se rumorea que son los responsables de que se acuñara el término Post-Rock. Simon Reynolds periodista de la revista Melody Maker posiblemente describiría su música de esa manera al tratar de expresar las sensaciones que le transmitieron con su actuación.]

2.Sakhalin

Avanzaba de copiloto dentro de un coche por el desierto de Arizona cuando una intensa luz nos hizo salirnos de la carretera. Unos seres extraños, extraterrestres diríamos, nos reclamaron hacia el interior de su Objeto Volante No Identificado. No aceptaron sobornos para dejarnos ir y me parece que voy a ser abducido sin poder remediarlo.

3.Nepenthe

Sedado bajo las estrellas recupero parcialmente el control de mi mismo.

4.Doldrums

Me levanto con una vorágine de imágenes de negativa filantropía flotando en mi mente. Como si de la fuga de Logan se tratara , intento escapar sin ser apenas consciente. Un ser bajito y sin pelos en la cabeza me intenta tranquilizar con palabras razonables, le golpeo en toda la testa y consigo huir de no se muy bien donde.

5.James Coburn

Cansado, descanso sobre la sombra de una palmera en un oasis artificial fabricado en el desierto. La noche llega y sonidos pausados llenan mi mente.

6.Virgin Among Cannibals

Un montón de personas disfrazadas con las chorradas de las bolsas de cotillón se abalanzan sobre mi. Pierdo el sentido.

7....his teeth got lost in the mattress....

Abro los ojos,veo unas paredes blancas, estoy en una cama, a través de una ventana reconozco el edificio del colegio de mi infancia. Oigo los coches de la calle, sonidos de pasos, huele a desinfectante y antibiótico. Ya se donde estoy. La típica música cotidiana desde el hospital del barrio chino.

8.Hemispheric Events Command

Me visita mi familia, les cuento lo que me ha pasado y... ¡ Me creen de verdad !. ¿ Será porque el médico del hospital les habrá recomendado que me sigan la corriente?.

9.The Fourth Eye

Aún en estado de shock voy asimilando todo lo que me ha sucedido hasta que me duermo gracias a los tranquilizantes. Unas terribles pesadillas me abordan, sueño que soy un extraterrestre de la Galaxia Empírica.

10.The Colomber

¡ Un ataque se produce en el hospital !. La pared de mi habitación se desintegra sin más, un montón de hombrecillos malva se adentran por el hueco. Estoy muy preocupado ,no solo por mi, si no por mi familia que se encuentra conmigo. ¡¿Pero que diantres pasa aquí?, tanto mi padre como mi madre acaban de sacar unas recortadas laser de último modelo y han empezado a desintegrar a los E.T. A pesar de su contundencia no logran evitar que me rapten en el último momento.

11.China Gate (Reprise)

[Cul de Sac colaboraron con el legendario John Fahey este mismo año. El post-rock que desparraman en este trabajo son como copos de nieve, caen suavemente y si miras en su interior vislumbras la forma de estrella luminosa que atesora cada corte]

12.Utopia Pkwy

Ya estoy en la puta nave otra vez. Me inoculan un espeso líquido verde. Esto si es el fin. Umm, no, algo se ha abierto en mi mente, recuerdos de infancia que tenía cerrados por una especie de bloqueador psíquico. Ahora reconozco las voces de los culsaquinos que me rodean, son mi verdadero padre y madre. Me llamo THX 1138 , y soy un culsaquino del tercer cuadrante de la Galaxia Empírica. Habia sido raptado y abducido, con sustitución de recuerdos incluido, por una familia terrestre que no podía tener hijos! ¡ jodidos terrestres !.

TÉ END ( variedad culsaquiana de infusión)

Randy Holden: "Population 2" (1970)

2009-04-29T06:55:00.000-07:00

Sólo con ver la contraportada de este disco uno ya se hace la idea de que estamos ante un artefacto altamente peligroso: observamos a Randy Holden en pleno éxtasis, con la mirada perdida mientras toca la guitarra. A su lado Chris Lockheed machaca la batería con descomunal fuerza. Detrás de ellos, una muralla formada por 16 amplificadores Sunn. Esto nos puede dar una idea del ensordecedor volumen y la intensidad de su sonido.

Grabado en 1970, “Population II” pasó prácticamente desapercibido en su momento debido a problemas de distribución y a que su propuesta no era nada fácil de digerir, pero con el paso de los años se ha convertido en un disco legendario, pieza clave en el rock ácido, el heavy metal y el stoner rock.
Tras tocar en diversos grupos, Randy Holden saltó a la fama tras unirse por un breve período de tiempo a Blue Cheer, con los que sólo llegó a grabar una cara de su tercer álbum en 1969 (“New! Improved!”), pero tuvo que abandonar el grupo debido a que Blue Cheer querían virar hacia un sonido más accesible mientras que Holden quería tocar música más potente y salvaje.
Así pues, tras abandonar Blue Cheer, Randy Holden (guitarra eléctrica, bajo, voz) reclutó al batería Chris Lockheed y se encerró en el estudio a grabar el seminal disco “Population II”. Una obra extremadamente influyente en las decadas que siguieron ya que el dúo creó una especie de hard rock psicodélico y ácido aderezado con la brutalidad del todavía no nacido heavy metal. Los riffs de Holden, en su mayoría lentos y gigantescos, suenan grasientos, sucios, densos e incendiarios, mientras Lockeed machaca sus ritmos sencillos y brutales. Una atmósfera lisérgica, fumeta y oscura inunda el ambiente mientras el dúo se aventura en excursiones eléctricas herederas de Hendrix y Blue Cheer y adelantándose al sonido amenazador que en aquella época se estaba gestando en Birmingham de la mano de Black Sabbath. El sonido es grave, con muchísimas frecuencias “low end” que hacen vibrar el suelo y nos envuelven en una manto sonoro ardiente y aplastante.
Hay que insistir una vez más en la idea de volumen: Holden quería grabar en el estudio a unos niveles de volumen extremadamente altos, algo que dió muchos quebraderos de cabeza a los técnicos de sonido, que no estaban de acuerdo en ese planteamiento, además de no estar acostumbrados a grabar sonidos tan extremos. Pero Holden lo tenía claro: su propósito era crear riffs que se parecieran a explosiones atómicas, y para conseguirlo el nivel de decibelios debía ser el máximo. Y el tiempo le ha dado la razón: los 32 minutos de “Population II” son hoy en día una de las joyas más preciadas de la música de guitarras más salvaje y del stoner rock en general.

LSD-March - Under Milk Wood (2009)

2009-04-20T07:06:00.000-07:00

Reseña por Blackdecker:

Estos japos están decididos a ser potencia mundial en lo musical. Se atreven con todo, eso sí, desde su rasposa concepción del asunto, comenzando por su dicción y acabando con esa manera de componer y entender que no admite terminos medios en muchos casos. Como intentar sacarle notas a una sierra con, pongamos, un sacacorcho. Luego tienen ese gusto por el blues que les hace ser los más arrastrados bardos pero sustituyendo bourbons y whiskey de melaza por sake y licores de rata. El sushi y el yakisoba supongo que también hacen. Viven en su submundo con forma de cola de dragón, con nieve, viento, tsunamis y terremotos y siguen sacando pequeñas alegrias a su aislamiento de tren bala en tren bala.
Blues casi de guitarra y poco más, de multiefectos, melancólicos como uno de sus paisajes tan perfectamente ordenados. Quizás sea el efecto de una vida tan pulcra que merece algo de desorden, caos y ruido. Como un paisaje en blanco y negro de Kurosawa. Como el mismo Akira desentrañando a Shakeaspeare. Como Hiro-hito rindiendo su espada. Como un hongo comiéndose Hiroshima.
Quizás, tal vez.

LSD March Berlin

Magic hour - Secession '96

2009-04-13T02:00:00.001-07:00

Se ruega encarecidamente seguir la guía del disco escuchando el mismo. Disponible por (alma)seek.

Magic hour - Secession '96

LA MIEL DE LAS ABEJAS MÍSTICAS.

Era todo lo que necesitaba para que su pueblo no muriera de la peste bucólica. ¿ Dónde encontrarlo? , esperaba que en el templo budista le revelaran su ubicación....

SUNSET ONE :

El camino hacia el templo fue un paseo pequeño, pero realizado con un nerviosismo grande. Dudas, pesares y esperanzas se desvanecieron durante un segundo al traspasar el umbral en dirección a la gran sala del monje budista. Un ligero escalofrío le recorrió la espalda, no era precisamente paz lo que sentía en su interior, si no miedo.
El monje no le dejó hablar, ya conocía su pregunta. Solo dijo: ¡¡ Danza humilde campesino y obtendrás tus respuestas !! . El campesino se movió sin dudarlo ni un instante en un intento burdo de danzar. Buda, impresionado por su rapidez y su ausencia de dudas ( ¿ quién de normal hubiera empezado a bailar así sin más ? ) le reveló el emplazamiento de la montaña mágica.

ROSEBUD :

El labriego iluminado empezó su largo trayecto hacia la montaña.
Demasiados días, tendría que haber llegado ya. Surgieron las primeras dudas.
No puede ser, pensaba, llevaba ya un mes. Una ligera furia apareció en su interior que le iba minando y devorando poco a poco su resolución.
Se para, esto no es posible, su odio y desilusión va en aumento. Pero otro yo le susurra al oído, y empieza una discusión consigo mismo. Convencido finalmente por su yo místico decide continuar hasta la muerte.
Avanza como si tuviera alas en los pies.
Y cuando cree que ya le fallan todas las fuerzas para seguir, la montaña aparece.

SUNRISE :

Una sonrisa ilumina su rostro, y a la falda de la montaña descansa con un agradable sueño reparador.
Un pie y después el otro, hacia la cúspide le llevan sus piernas primero y después sus manos.
Como un gato se arrastra con sus nuevas cuatro patas , el éter cambia a su alrededor, la magia le penetra por los poros.
Las abejas empiezan a zumbar a su alrededor, y la miel se llena en sus cubiletes. Toda su vida le pasa por su cabeza con tal rapidez que se transforman en recuerdos impresionistas.

SUNSET TWO :

Desciende la montaña mágica y se dirige hacia su hogar.
Pasa por el templo para darle las gracias al monje y alabar a Buda.
De vuelta a su poblado, reparte la miel y empieza una rápida y sorprendente cura de la peste bucólica. La época industrial ha empezado.

Colour Haze: "All" (2008)

2009-04-06T06:33:00.000-07:00

“All”, publicado en 2008, es el último álbum del “power trio” alemán Colour Haze, un grupo que desde 1994 ha venido editando una serie de obras fascinantes que los han convertido en una formación de culto en la escena stoner europea. Su particular y excitante sonido combina el fuego y la electricidad de grupos clásicos de finales de los 60 como Jimi Hendrix Experience, MC5 o Blue Cheer así como la potencia y garra de los primeros grupos de hard rock/proto-heavy metal como Black Sabbath, Buffalo, Mountain, May Blitz o Sir Lord Baltimore y por supuesto el sonido de grupos más cercanos en el tiempo, especialmente Kyuss, Monster Magnet y Sleep. No conviene olvidar, como teutones que son, la influencia del krautrock y del hard-psych, géneros que tuvieron gran repercusión en Alemania en los 60 y 70 y que Colour Haze también recogen en sus discos.
Un sonido de una pureza indómita y una fuerza arrolladora, riffs ácidos y envolventes, estructuras fluídas y psicodélicas, distorsión y fuzz a raudales y una compenetración espectacular entre sus tres miembros que hace que los temas suenen naturales, vivos, espontáneos, con un grupo que toca muy suelto, engrasado y con muchísimo gusto, todo ello envuelto en una atmósfera setentera, fumeta, lisérgica, orgánica, cálida y acogedora.

Siempre en busca del riff perfecto, de ese que nos hace echar las órbitas de los ojos hacia atrás y que hace sonar un “click” en nuestro cerebro y nos lo deja en blanco, ese riff que libera sensaciones de nuestro subconsciente más profundo y nos ayuda a viajar hacia lugares insospechados. Droga pura, sin adulterar, material que expande la mente, que nos hace volar y sentirnos libres, riffs que llenan la habitación de sugerentes perfumes, llamativas imágenes y neblina de colores.

Además del gusto por los riffs monolíticos y densos el grupo también tiene un ramalazo progresivo muy interesante, con tendencia a crear pasajes elaborados, dejándose llevar por inflexiones jazzísticas y alternando pasajes tranquilos y relajados con clímax electrizantes absolutamente gloriosos. Eso sí, el grupo nunca cae en la auto-indulgencia tan habitual del rock progresivo (es decir, largos y aburridísimos solos) sino que muestran madurez y saber estar, manteniendo el interés y la intensidad a lo largo de los pasajes más complejos. Los temas más extensos (caso de “Lights”, “All” o “Fall”) dan pie a los riffs más elaborados y expansivos, donde el grupo se toma su tiempo para realizar vertiginosas escaladas al cielo y culminar en explosiones de distorsión y electricidad mientras que por otro lado los temas más cortos (“Moon”, “If”) trabajan la intensidad concentrada a través de riffs directos, urgentes e incendiarios.

Colour Haze también incorporan a su propuesta algunas pinceladas de órgano, sítar y guitarras acústicas, añadiendo así variedad a su propuesta en este álbum que, sin ofrecer nada nuevo respecto a los anteriores, es quizás el más completo y equilibrado de su carrera.
En un género como el stoner rock, tan derivativo y en el que es tan difícil ofrecer algo nuevo y excitante (básicamente todo se inventó hace más de 40 años), Colour Haze se presentan como una de las propuestas más satisfactorias y relevantes del panorama europeo actual.

Reza a PJ Harvey

2009-03-29T04:08:00.001-07:00

Recibamos la nueva Oración para PJ a propósito de su nuevo disco con John Paris:

Pj Harvey que estas en celo
Santificado sea tu arte
Venga a nosotros tu cuerpo
Hágase tu voluntad tanto en la tierra como en el infierno
Danos hoy nuestro LaFam de cada día
Pendona nuestras ofensas
Como también nosotros pendonamos a los que te la meten
Dejanos caer en la tentación y libranos del mal rollo
Awoman.

PJ Harvey & John Parish - I want your fucking ass!(Live)

BILL FRISELL - History, Mystery (2008)

2009-03-23T14:48:00.001-07:00

Todo un tour de force este nuevo trabajo del guitarrista Bill Frisell, hasta una treintena de canciones donde se acompaña de excelentes músicos que reportan una variada instrumentación: bajo, batería, violín, viola, violonchelo, saxofón , clarinete y corneta.
La portada del History, Mystery resulta muy acorde con su contenido, dentro nos encontramos unos temas introspectivos, también tristes y melancólicos, pero sobre todo ausentes. Alguna vez nos quedamos con la mirada fija en un punto cualquiera, tenemos la vista pérdida y no vemos realmente nuestro objetivo, solo rememoramos de manera inconsciente sin que ningún vocablo se refleje en nuestro pensamiento, imágenes se perfilan delante de nuestro ojos que son solo un reflejo de nuestros pensamientos. Generalmente en estos casos invocamos una reflexión sobre algo que nos puede faltar, algo que podemos anhelar , al igual que en el protagonista de la obra de Proust "En busca del tiempo pérdido". Este estado del ser es el que podemos percibir o nos puede evocar sus nuevos desarrollos instrumentales.

El siguiente video no es oficial pero las imagenes van bastante acorde con el contenido:

Bill Frisell - Probability Cloud

Nacho Cerdá: Aftermath

2009-03-17T03:44:00.000-07:00

La obsesión por la muerte y sus efectos sobre el cuerpo humano han sido una constante en el mundo del arte y el pensamiento durante siglos. Saber si hay algo después de la muerte o si por el contrario nos tenemos que enfrentar a la simple descomposición de la materia orgánica. ¿Hay algo más que el cuerpo? ¿Algún resquicio para la esperanza? ¿El alma? ¿El espíritu? Tras largos años de meditar sobre el tema y tras una visita a una sala de autopsias real en la que presenció el humillante trato que se le propinaba a los cuerpos, Nacho Cerdá decidió plasmar en “Aftermath” (1994) su personal visión sobre la realidad post-mortem, una visión absolutamente nihilista y desesperanzada sobre lo que le ocurre a nuestro cuerpo una vez hemos muerto.
A pesar de lo explícito y crudo de sus escenas, que llegan a unos niveles de realismo escatológico difíciles de soportar, esta obra nada tiene que ver con el género “gore”: sus raíces van mucho más allá y conectan con temas metafísicos y existenciales. No estamos ante una obra para entretenerse ni para pasar el rato sino que nos encontramos ante un ejercicio de terrorismo espiritual y cultural, un trabajo extremadamente radical y nihilista, una propuesta sobrecogedora pero necesaria.
Un cortometraje de 30 minutos sin diálogo, con el “Requiem” de Mozart sonando de fondo combinado con los sonidos fríos de una sala de disección real (el Instituto Anatómico Forense de Barcelona, del que Nacho Cerdá comentó que si las autoridades llegan a saber lo que estaban grabando allí dentro no les hubieran dejado entrar) y unas imágenes de perturbadora e inquietante belleza. Por increíble que parezca, las escenas de necrofilia en “Aftermath” llegan a extremos de belleza estética arrebatadores, a diferencia de filmes como “Nekromantik”, una película también interesante aunque con un enfoque totalmente distinto y con la cual se han hecho comparaciones bastante injustas. “Aftermath” ofrece una belleza abyecta y degenerada, que despierta fuertes sensaciones en el espectador, pero su fuerza y atractivo es extrañamente seductor.
La obra alcanza niveles de calidad artística y estética que nada tienen que ver con la parafernalia de sangre y tripas del “gore”: en “Aftermath” hay un trabajo de interpretación, fotografía, iluminación y sonido cuidadosamente diseñado para conseguir el máximo efecto sin recurrir a la exageración ni a lo grotesco. Aquí es al contrario, en la obra de Cerdá lo que duele es el exceso de realismo.
Además de la muerte, otro de los temas principales de “Aftermath” es la soledad: una soledad aplastante, asfixiante, que aisla y deshumaniza a las personas y las hace llegar a límites de deterioro mental y degeneración insospechados. El protagonista, que trabaja en una sala de disección, parece una persona normal al principio del corto, pero poco a poco vamos entrando en su infierno interior (aunque sólo nos asomamos al borde de su abismo) y vamos descubriendo que sus carencias afectivas lo han convertido en un personaje extremadamente inestable y desequilibrado, en un pervertido monstruoso, de ahí que practique todo tipo de atrocidades, vejaciones, humillaciones y violaciones sobre el cadáver de una joven (las influencias de J.G. Ballard y obras como “Crash” y “La exhibición de atrocidades” se notan). La interpretación del actor Pep Tosar es totalmente convincente, de hecho Nacho Cerdá confesó que llegó a asustarse en algunos momentos del rodaje debido a la transformación tan brutal que sufría Pep en algunas escenas. Según parece, varios miembros del equipo de rodaje tampoco se sentían excesivamente cómodos con la situación.
Obra de culto en el cine underground más extremo, “Aftermath” es un trabajo catártico que sacude nuestra conciencia y nos hace enfrentarnos cara a cara con la realidad más brutal, indigesta e incómoda, golpeándonos con verdades dolorosas y con imágenes inolvidables.

Mick Harris / Martyn Bates: Murder Ballads

2009-03-04T06:39:00.000-08:00

El género de las “Murder Ballads” (consistente en la narración poética de crímenes escabrosos) tiene su origen en países como Inglaterra o Escocia hacia el siglo 16 y tuvo gran repercusión en los siglos 18 y 19. También fue exportado a los Estados Unidos, donde arraigó rápidamente. Las truculentas y morbosas historias no tenían un origen culto y literario sino que provenían de la tradición oral, del folklore y la imaginería popular, y surgían de los estratos bajos de la sociedad, donde se escuchaban con fervor religioso. Las historias han venido cantándose y contándose a través de los siglos, afectando a su estructura pero no a su fondo. Así pues, comprobamos que la fascinación por lo peligroso, por lo ilegal, la sed de sangre, muerte y morbo no es algo que pertenezca en exclusiva a nuestra época sino que es algo que ha fascinado a los humanos durante siglos. La muerte, y en especial la muerte violenta, es algo que simultáneamente perturba y fascina a nuestra psique.
Mick Harris y Martyn Bates decidieron re-visitar este género desde una perspectiva experimental post-moderna y editaron tres discos bajo el título común de “Murder Ballads”: primero grabaron “Drift” en 1994, “Passages” en 1997 y finalmente “Incest songs” en 1998, todos ellos a través del sello italiano Música Máxima Magnética y más tarde re-editados en un triple cd por Invisible Records.
A lo largo de esta trilogía, Mick Harris crea un fondo sonoro basado en drones profundos, glaciales, hipnóticos, desoladores, auténticas oleadas amorfas de electricidad que aparecen y desaparecen orbitando alrededor de un agujero negro, dejando espacio para el silencio y el vacío metafísico. Las referencias a su otro proyecto Lull son inevitables, así como los ecos de Main, Lustmord, Steve Roach o los momentos más atmosféricos y minimalistas de Maurizio Bianchi.
Sobre esta inmensa estructura sónica, Martyn Bates entona melodías basadas en el folk tradicional británico e hipnotiza al oyente con su claro, delicado y hermoso hilo de voz mientras va desgranando sus historias: novios matando a sus prometidas (“The death of Polly” y “The murder of Maria Marten”), infanticidio (“Long Lankin” y “The cruel mother”), relaciones incestuosas que terminan en muerte (“Lucy Wan” y “Sheath and knife”) y todo tipo de pasiones desbordadas, tentaciones fatales, almas atormentadas, sangre, cuchillos, lágrimas, cuerpos enterrados, personajes perseguidos que se ven obligados a auto-exiliarse, miedos ocultos, secretos inconfesables, amargura, crueldad, la obsesión por el pecado, la expiación, el remordimiento... Toda una galería de personajes y situaciones provenientes de la tradición popular y del inconsciente colectivo.
El efecto que producen estas extensas composiciones (entre 12 y 17 minutos de duración cada una) es terrible y hermoso al mismo tiempo: la música es increíblemente oscura y las historias que se cuentan son perturbadoras, pero al mismo tiempo el dúo Harris-Bates construye con afán artesanal una bellísima y narcótica atmósfera, repleta de sugerentes imágenes, ecos, resonancias ancestrales, reminiscencias medievales y vestigios atávicos, uniendo tradiciones culturales lejanas en el tiempo (isolationism, ambient, folk) y creando un nicho que muy pocos hasta ahora se han atrevido a frecuentar.

MAZZY STAR - Among My Swan ( 1996 )

2009-02-26T14:00:00.000-08:00

Los protagonistas de Mazzy Star son por una parte el guitarrista Dave Robback, que empezó su andadura musical a principios de los ochenta con los fabulosos Rain Parade y formó con Kendra Smith ( The Dream Syndicate ) el grupo Opal (ya habían colaborado anteriormente en un proyecto denominado Rainy Day ) y por otra parte la cantante Hope Sandoval, de la cual se quedó tan prendado Robback cuando la oyó cantar que pasó olímpicamente de kendra a partir de entonces. Pude ser algo reprochable, pero escuchando ( y viendo ) la inocencia, sensualidad y calor reconfortante que desprende su voz es muy difícil no caer en la tentación ( la última por lo menos ).
Among My Swan cierra la trilogía que empezaron con She Hangs Brightly en 1990 y mejoran la propuesta de pop-rock lánguido y oscuro que desarrollaron en su segundo trabajo So Tonight That I Might See ( 1993 ). Las canciones mantienen la aureola misteriosa e incorporan un cierto misticismo iluminador, menos ambientales y oscuras pero más concretas. Siguen siendo solitarias pero llenas de una belleza interior que se descubre con el paso del tiempo ( el patito feo se convierte en cisne ).

Fernalia: Eroaleak

2009-02-16T01:47:00.001-08:00

“Eroaleak” es el debut discográfico de Fernalia, un dúo de Azpeitia (Gipuzkoa) cuyos miembros militaron en bandas clave de la escena euskaldún más arriesgada como Akauzazte o Autoa.
Fernalia es un grupo de raigambre industrial pero que, a diferencia de otros grupos del mismo género, no renuncia a la melodía. Su dinámica se basa en la tensión producida por el choque entre melodía y brutalidad, belleza y violencia, silencio y ruido, elementos que son una de las constantes de este “Eroaleak”.
Grabado en 2008 en el Matadero de Azkoitia, el disco combina sonidos graves, densos, crepitantes y estruendosos con guitarras corrosivas, afiladas y cortantes como un bisturí desgarrando tejido nervioso. La omnipresente caja de ritmos (heredera de Godflesh y Big Black) suena cruda, fría e inmisericorde, como un despiadado yunque que martillea nuestros sentidos con precisión metronómica. Los también vascos Gutural intentaron algo similar en los años 90 en su mítica demo “Visionario”, con admirable resultado, aunque su enfoque daba prioridad a la fuerza bruta en detrimento de la melodía, un aspecto que, por el contrario, no descuida Fernalia.
Abre el disco “Ekaitza badoa”: con este tema la maquinaria metálico-ruidista se pone en funcionamiento haciendo rodar la precisa estructura mecánica sobre un espeso manto de guitarras discordantes. A través de los resquicios del robusto muro sónico se asoma una voz frágil y quebradiza cuyas delicadas inflexiones recuerdan al Justin Broadrick más shoegazer que conocimos en Jesu.
Los beats dislocados de “Iragarki laburrak” conforman un nucleo correoso, retorcido y espasmódico cual nido de serpientes. Lo que en un principio parecía un infecto amasijo de ruido nos conduce por sorpresa a un tenso pasaje de misteriosa beldad elaborado a base de guitarras limpias y cristalinas (similares a Slint o Tarentel) para después volver al lugar de salida y culminar en plena explosión de distorsión, estructuras angulares y ritmo sincopado.
Algo similar ocurre en “Zena”: los riffs lentos, monolíticos y asfixiantes (una especie de apocalíptico stoner-industrial) desembocan en un espejismo sonoro de belleza glacial en el que otra vez las guitarras ejecutan en solitario hermosos desarrollos armónicos sostenidos. La opresiva atmósfera del inicio contrasta con la etérea y esperanzadora luminosidad que se plantea en la segunda mitad del tema.
“Autolobotomia” escupe de inicio fuego y electricidad. Sus ritmos lacerantes y obsesivos se van metamorfoseando hasta llegar a un final amenazante, onírico e irreal, ofreciendo otra muestra del carácter dinámico de estas composiciones.
“Morsen diozut” es una cacofónica orgía de beats convulsos y guitarras que aúllan y chirrían. El final, inmenso, es una andanada aplastante de olas deformes de feedback y ruido mientras buceamos en un pozo de alquitrán caliente y viscoso.
La incesante pulsión rítmica de “Alegoritmoa” sirve de base a unas texturas sonoras que planean con aire melancólico en vuelo onírico sobre un agujero negro de ruido. Guitarras y teclados serpentean sinuosamente y se entrelazan en pleno vuelo mientras latigazos eléctricos fustigan armonías de extraña hermosura y belleza extática.
Así, al igual que ciertos elementos son conductores de electricidad o calor (“Eroaleak”), estas composiciones transmiten su energía y vibración mientras forman un bucle infinito de retroalimentación eléctrica y emocional que une polos opuestos y sensaciones encontradas ad infinitum, mientras nuestros sentidos náufragos navegan en un océano de hierros oxidados, vigas deformadas, bidones herrumbrosos, alambre de espino y barriles de gasolina ardiendo.

LOS CARNÍVOROS. Peter Milligan y Dean Ormston.

2009-02-08T04:35:00.001-08:00

Cómic editado originalmente en el año 1995 por DC y en agosto de 1997 por Norma Editorial en su serie Vértigo nº 11.Como reza en la contraportada “Los Quill podrían pasar por una familia como cualquier otra, pero tiene unos hábitos alimenticios ligeramente peculiares: comen carne humana.”. Partiendo de este argumento el guionista Peter Milligan y el dibujante Dean Ormston nos retrata una historia corrosiva, cínica y sobre todo crítica con el modo de vida americano.

Empezamos en una lujosa mansión con la hija de los Quill (cuyos padres ultraconservadores no ven con buenos ojos ninguna relación) en pleno proceso hormonal de búsqueda de apareamiento, desde la primera página nos retrata el árbol genealógico de su abuelo que se enriqueció con un invento tan digno como lo del chupa-chup, mientras su familia solo le preocupa la raza de su nuevo amiguito y el sabor que tendrá. Nos parodia la iniciativa americana de enriquecerse fácilmente de cualquier cosa y los sentimientos racistas de los mismos. En las sucesivas páginas nos encontraremos referencias al excelso placer de comer carne de los americanos, al conservadurismo religioso, a la práctica de la doble moral y un sinfín más de prácticas perniciosas para el sentido común.

Este ritmo de ironía fina la acompaña con guiños a autores o sucesos históricos (Churchill, el caballo de troya) de la mano principalmente del hijo de los Quill, en plena pubertad, el más inteligente de todos y que completa el prototipo ideal de familia nuclear base del modelo americano ( y mundial prácticamente). Los personajes secundarios a la familia cumplen su función de reflejar los modelos estándar de ciudadanos y son a su vez las víctimas de esta familia carnívora. Que aproveche.

DISHAMMER: Vintage addiction (2008)

2009-01-30T10:45:00.000-08:00

Hace aproximadamente un par de años estuve en un concierto de Moho y al final del bolo me quedé un rato a hablar con ellos. Hablamos, por supuesto, de la pasión común por los riffs primigenios de Black Sabbath, Sleep, Electric Wizard, Eyehategod y compañía, pero recuerdo que también les expresé mi respeto por la reivindicación que hacían del black metal “old school” de los primeros 80, algo que se percibe claramente en su música (versión de “Into the crypt of rays” de Celtic Frost incluida). Y recuerdo que me dijeron que si me gustaba esa onda debería investigar en otro proyecto en el que andaban metidos, llamado Dishammer. Por aquella época no tenían nada grabado aparte de alguna maqueta en plan casero, así que tuve que esperar e ir escuchando temas en su myspace hasta por fin conseguir su debut discográfico de 2008 titulado “Vintage addiction”. El artefacto es, efectivamente, una salvajada de disco que combina los sonidos más guarros y sucios de los grupos black antiguos (Venom, Bathory, Hellhammer, Celtic Frost), el sonido rockanrolero, vicioso y corrosivo de Motorhead, la intensidad del crust y el hardcore más salvaje y cochino (Extreme Noise Terror, Discharge, Doom, Amebix), una actitud muy punk, una estética satánico-pornográfica-bizarra setentera y una potencia sónica apabullante, bestial.

Dishammer es un grupo formado por gente con amplia experiencia en diversos grupos extremos del underground español como Looking for an answer, Disnation, Moho y Machetazo, y se dedican a re-visitar y poner al día a grupos míticos de los primeros 80 como los anteriormente mencionados, consiguiendo una excitante mezcla de thrash-black-punk-crust-rock'n'roll absolutamente “old school”, con un sonido ultra-brutal, directo, denso, perfectamente engrasado, dominado por riffs crujientes, pegajosos, avasalladores, perversos y peligrosamente adictivos. Su rechazo a estilos musicales actuales y a modas pasajeras es absoluto, todo está hecho mirando hacia el pasado y con un enfoque a la antigua usanza: “Give me vintage or give me death”.

Además se nota que se lo pasan de puta madre tocando, y esa es la sensación que transmiten al oyente: hay ganas de diversión y de cachondeo (basta con echarle un vistazo a “los 13 mandamientos de Dishammer” para corroborar esto). De hecho, su obsesión satánico-ocultista responde a una actitud desenfadada y gamberra, no van de duros ni de peligrosos en absoluto, sino que lo que quieren es machacar sus temas una y otra vez y arrodillarse ante el altar del “d-beat” y de los riffs viciosos, obscenos y oscuros.

Así pues, no me queda más remedio que ponerme mi camiseta de Motorhead, empezar a dar cabezazos al aire, levantar el puño y, mientras este ruido viscoso y caliente fluye por los altavoces, esperar la llegada del anticristo y presenciar con una sonrisa en la boca el final de la raza humana.

Voodoo Muzak

2009-01-20T00:27:00.000-08:00

“Mambient” es un trabajo clave dentro de la fascinante discografía de los franceses Voodoo Muzak, uno de los más interesantes proyectos del rock experimental europeo de los últimos años. Desde finales de los 80 el grupo ha ido mutando a través de diversas formaciones y giros estilísticos, desde el enfoque más noise, salvaje y primitivo de sus primeros trabajos como “Blunt” (1991) o el disco compartido con RWA (1992) hasta los sonidos más cercanos al post-rock tribal de vanguardia como este “Mambient” (1999) o “Brouillarta” (2002).

Grabado como cuarteto (dos baterías y dos bajistas, además de samples), “Mambient” ofrece un espectacular despliegue percusivo y una colección de ritmos altamente complejos pero con pegada y “groove”. Este es un factor esencial que les diferencia de la mayoría de grupos de la escena post-rock y similares: Voodoo Muzak no suenan fríos ni distantes sino que su música tiene fuerza, suena viva y orgánica, sus ritmos en constante movimiento enganchan, sus enrevesados “grooves” y ritmos matemáticos suenan fluidos, viciosos, calientes e incluso bailables (eso sí, en pleno ataque de epilepsia). En los cuatro temas que componen “Mambient” (todos ellos sin título, como es habitual en sus discos) las líneas melódicas, repetitivas e insistentes, avanzan angustiosamente mientras se estrangulan mutuamente sobre una densa y acolchada base de doble bajo y estructuras percusivas sincopadas que nos conducen a través de laberínticos pasillos que apenas dejan entrever la luz. Juegos malabares con cóckteles Molotov. Trapecismo sobre alambre de púas.

El abanico de estilos que abarca el grupo es considerable: desde el post-rock calculado al milímetro hasta el jazz, pasando por las músicas tribales, el funk degenerado, el drum and bass psicótico, el ambient más enfermizo (illbient), la música electrónica inquietante y enigmática... Los sonidos que fluyen por los altavoces traen ecos de los primeros Tortoise pero más oscuros, de This Heat y sus experimentos más radicales (como “24 track loop”), los sonidos abstractos y cerebrales de Brise-Glace (un increíble pero poco conocido proyecto de Jim O'Rourke), las repeticiones obsesivas de Can, el músculo y sudor del “Bitches Brew” de Miles Davis, todo ello empapado en una atmósfera nocturna, opresiva y febril, ideal para las asfixiantes noches de insomnio en el verano.

En definitiva, un nombre que es parte fundamental del rock de vanguardia europeo, un grupo admirable tanto a nivel musical como extra-musical (su labor con la discográfica Amanita, creada por Stephan Krueger, uno de los integrantes del grupo, es digna de admiración), y un disco, “Mambient”, que es una pieza fundamental para resolver este rompecabezas sonoro llamado Voodoo Muzak.

IGGY POP & THE STOOGES- Raw Power (1973)

2009-01-15T10:55:00.000-08:00

FILIP MARLOU (Detective público)

¡ Sonido pegajoso del infierno !, desde que he puesto el jodido vinilo no me deja concentrarme en el caso del asesinato del brujo Croulei. Solo tengo esa mierda de nota como pista : “Death Trip”(Viaje de muerte). Estaba seguro que la marisma de suciedad sonora formaría un único ser con la realidad de mi despacho y me permitiría concentrarme, pero a diferencia de los anteriores discos la suciedad suena glamurosa, con estilo, seguro que la culpa la tiene el amanerado ese de Bowie con su producción. En fin, cambiaremos de tercio ( voy a la nevera y cojo otra cerveza) . Me detengo un momento delante del frigorífico , doy golpecitos con el pie y movimientos algo espasmódicos con mi cabeza siguiendo el ritmo... ... Uf , el disco terminó y yo aún sigo sin concentrarme, cojo el vinilo con mis manos y leo los títulos de las canciones : “Search and destroy”, “Your Pretty Face Is Going to Hell”, “Penetration” y ... ¡ “Death Trip”! . Una doble lucecita se enciende en mi interior, una es el móvil, tengo un mensaje del hospital: Caso resuelto en la autopsia, Croulei se suicidó . Vaya , la nota era una despedida,mierda, me quede sin caso, y yo que ya lo estaba intuyendo gracias a los Stooges...

Iggy Pop Raw Power live

CINEMA OF TRANSGRESSION

2009-01-12T02:57:00.000-08:00

A finales de los setenta ,un grupo de inquietos jóvenes heterodoxos entre los que se encuentra Nick Zedd,John Waters ,Richard Kern o Lydia lunch comienzan a filmar películas cortas en super 8 como reacción al establishment y la dificultad de hacer cine. Quizás influidos por el arrojo de Cassavettes o Jack Smith, y en plena época no wave neoyorkina ,se agrupan entorno a un manifiesto y nace el “Cinema of transgression”: va del rollo “hazlo tu mismo”,la estética es lamentable ,porno casero con decorados hechos con cartulinas en apartamentos de perroflautas, aún así el tal Nick Zedd encabezó uno de los frentes cinematográficos de política más radical contra todas las ilusiones de corrección, bienestar y “normalidad”. El movimiento se inaugura con “They eat Scum” de Nick Zedd ,una orgía de canibalismo y
desmembramientos. A esta le sigue una serie de cortos rodados en condiciones precarias como la fascinante “Fingered” (1986) donde aparece una perraza llamada Lung Leg (”Pierna pulmón”, la portada de "Evol" de Sonic Youth es un fotograma de la película), asesinada tras una violación, aunque el tipo tiene pulso para violar después a toda una Lydia Lunch con una pistola. En sus películas ,en realidad, hay un
arduo trabajo para desmantelar y ridiculizar al cine underground de los sesenta,(Brackage,Warhol ...) que ya se había hecho academicista ,a finales de los setenta ya estaban hasta los huevos de lucecitas y rayajos.
Sus películas encarnan toda clase de desviaciones y, desde la fealdad física, hacen del antivalor un valor vigente,(John Waters)... (hoy día legitimado a través
de circuitos alternativos de difusión y consumo). Los lazos con la escena de Nueva York era evidentes: Richard Kern realizó videoclips para Butthole Surfers y Sonic Youth; Lydia Lunch dejó a Nick Zedd por Nick Cave y Beth B infiltra el movimiento punk hasta en la televisión.
Nick Zedd continúa fiel hoy día a su filosofía ,vive en la indigencia y continúa filmando en super 8. Hace unos años , hizo correr el rumor de que había muerto
y desapareció, parece que Tarantino ,consumidor de “Cinema of transgression” homenajeó a Nick en "Pulp fiction" ; Zedd, el policia rarito, le da un repaso al amigo Marcellus Wallace .

EYEHATEGOD

2009-01-05T03:45:00.000-08:00

Eyehategod son los proveedores oficiales de misantropía de Nueva Orleans, U.S.A. Formados en 1988 por miembros de diversos grupos hardcore de su zona, el objetivo inicial del quinteto fue destrozar almas, mentes y corazones con una música que combinaba los riffs primigenios de Black Sabbath y Saint Vitus, la densidad de los Melvins, la energía de Black Flag, el sonido arrastrado del doom y la rabia del hardcore y el punk. Todo esto con unos ritmos lentísimos, con una atmósfera oscura y amenazadora y aderezado con una buena dosis de alcohol, drogas, auto-odio, alienación, depresión y violencia. Un sonido peligroso, sórdido, pero muy excitante. Profetas del fin del mundo, abanderados de la degeneración moral de la sociedad, violadores del sueño americano y de todos los sueños en general. Música hecha por marginados sociales para marginados sociales. A esta propuesta sonora se le llamó “sludge”, y Eyehategod fueron los principales exponentes del género junto a sus compatriotas Grief, creando así un estilo que influyó a infinidad de bandas posteriores como Bongzilla, Iron Monkey o Electric Wizard, y ya en España a grupos como Moho o Lords of Bukkake.

A lo largo de sus discos, las guitarras de Jimmy Bower y Brian Patton y su afinación gravísima recogen los ecos de Tony Iommi, Randy Holden y el Hendrix más incendiario, pero llevando su sonido al límite de las bajas frecuencias. Su muralla sónica nos oprime y asfixia a través de unos riffs agónicamente lentos pero cargados de tensión y electricidad. El feedback y los acoples siempre fueron parte fundamental del sonido Eyehategod, elementos a los que recurrieron insistentemente en cada una de sus canciones. Porque además del sonido de los riffs, los guitarristas buscaban constantemente el feedback no como algo accidental sino de manera consciente, como una parte más de la atmósfera electrificada de sus temas. Además de los riffs ralentizados y oscuros el grupo siempre tuvo cierto aire blues e influencias del southern rock, saliéndose de la ortodoxia sludge/doom para adentrarse a veces en ritmos con swing e incluso pegadizos, todo ello empapado en litros de alcohol y sustancias alucinógenas, y sin perder ni un ápice de su brutalidad. La base rítmica suena fluida mientras el batería Joe LaCaze martillea con contundencia en los pasajes lentos y se descontrola en los contados momentos en los que el grupo se acelera y ataca riffs cercanos al hardcore. El vocalista Mike Williams vomita sus textos con rabia mientras supura bilis por la boca y se destroza la garganta sin piedad. Sus gritos, desgarradores y chirriantes, le salen del estómago y a veces de un poco más abajo. No se puede entrar aquí en consideraciones sobre si esto es cantar o no, aquí de lo que se trata es de expresar rabia, odio, frustración, agresividad, y el tío lo hace de manera sincera y convincente. Sus textos, de clara inspiración Bukowskiana, insisten una y otra vez en los mismos temas: soledad, depresión, alcohol, drogas, confusión, miedo, paranoia, angustia, violencia, frustración, asco, auto-destrucción, relaciones fracasadas, aislamiento... Todo ello desde una perspectiva desengañada, irónica y con un sentido del humor negro y políticamente incorrecto.

Eyehategod debutaron en 1992 con “In the name of suffering”, su disco más corrosivo, crudo y brutal. Ya estaban aquí todos los elementos que caracterizaban al grupo, riffs Sabbathianos combinados con la rabia del hardcore, sonido deprimente, mala hostia, atmósfera oscura y sucia, cantidades intolerables de feedback, pero en un estado más primitivo y salvaje que en posteriores trabajos. A destacar temas como “Depress”, “Man is too ignorant to exist” o “Children of god”. La presentación del disco, como siempre ha sido habitual en ellos, estaba muy cuidada: fotografías abundantes de material quirúrgico, operaciones, ejecuciones públicas, indigentes, supervivientes de catástrofes, edificios en ruinas, cuerpos heridos, radiografías, imágenes religiosas descontextualizadas, etc.

Su segundo disco fue “Take as needed for pain”, de 1993, para muchos su mejor álbum. Grabado en el decimotercer piso de unos grandes almacenes abandonados, su sonido es más compacto y denso que en su debut, y las composiciones suenan increiblemente fluidas, conservando su aire viscoso, hostil, opresivo y arrastrado pero con más ecos del southern rock y con algunos riffs setenteros absolutamente gloriosos. Durante la grabación del disco el cantante vivía en la indigencia ya que su novia lo había echado de casa y este se vió obligado a residir en una habitación abandonada y ruinosa encima de un club de strip-tease, lo cual le da un sabor más sórdido a la ya de por sí desgarradora y salvaje interpretación. Títulos como “Sisterfucker”, “Disturbance” o “Crimes against skin” hablan por sí solos.

El tercer trabajo de Eyehategod se publicó en el año 1996 y se titulaba “Dopesick”, esta vez con el capo Bill Anderson a los controles. Más de lo mismo: sludge increiblemente guarro, sucio, violento, agónico, enormes riffs pseudo-southern obscenamente pegadizos y niveles de distorsión y feedback mortales. Las sesiones de grabación fueron caóticas: consumo de alcohol y drogas, todo tipo de accidentes y un comportamiento tan salvaje que los propietarios del estudio llamaron a la discográfica para advertirles que si el grupo no moderaba su actitud les expulsarían de allí y el disco lo terminaría de grabar su puta madre, aunque al final no llegó la sangre al río. Temas como “Ruptured heart theory”, “Non-conductive negative reasoning”, “Lack of almost everything” o “Zero nowhere” son auténticas declaraciones de intenciones.

En 2000 salió el que hasta la fecha es su último disco, “Confederacy of ruined lives”, con un sonido más limpio y pulido en comparación con anteriores trabajos (dentro de lo limpios que pueden sonar Eyehategod) y con un aire todavía más bluesero y southern rock, aunque sin alcanzar el nivel de sus anteriores clásicos. Además de esto el grupo ha editado algunas recopilaciones de singles, rarezas, directos y temas inéditos y sus diversos miembros han colaborado en diversos proyectos interesantes pero que no han llegado a la intensidad de Eyehategod. Mencionar también que el vocalista Mike Williams tuvo serios problemas de adicción a la heroina lo que le condujo incluso a la cárcel durante unos meses en 2005 por posesión ilegal de sustancias estupefacientes. Según parece solucionó su problema tras salir en libertad. Ahora sólo queda esperar y ver cómo evoluciona el grupo después de esta azarosa y caótica existencia, aunque está claro que con ellos la bronca está asegurada.

Jesús Franco

2008-12-28T14:06:00.000-08:00

Jesús Franco es un caso único no sólo en el cine español sino en el cine europeo. Admirado por muchos y odiado por tantos otros, su obra, polémica como pocas, no deja indiferente a nadie. O lo amas o lo odias, sin término medio. España, como no podía ser de otra manera, ha sido uno de los paises que peor ha tratado al director madrileño, ya no sólo por los efectos de la censura sino por las durísimas críticas y el menosprecio que siempre recibió su trabajo, que, sin embargo, tuvo bastante mejor acogida en el extranjero, donde se le considera un director de culto. Afortunadamente parece que las cosas cambian en este país y en los últimos 5 o 10 años se le está empezando a respetar también por estos lares. Tarde, como siempre, pero al menos ya es algo.

Jesús Franco (quien también usó decenas de seudónimos) representa la lucha por la libertad y la independencia creativa: fue alguien que tenía un concepto muy personal y arriesgado de lo que era el cine y lo llevó a la práctica en una sucesión interminable de obras (cerca de 200), unas veces con más acierto, otras con menos, pero siempre fiel a lo que quería hacer, sin pensar en posibles reacciones de la censura, la prensa o el público. Dirigía las películas, actuaba en ellas, se encargaba muchas veces de la banda sonora y trabajó en diversos géneros, destacando sin duda en el terror y el fantástico, sin olvidar sus memorables y controvertidas incursiones en el erotismo más casposo así como en el porno más “hard”.

En sus mejores películas, la combinación de elementos como el terror de bajo presupuesto, el erotismo (a veces elegante y muchas otras veces gratuito), el fetichismo, el voyeurismo, el sadismo, las atmósferas oníricas y surrealistas (rayando en lo absurdo), los ambientes claustrofóbicos, los ángulos imposibles, las imágenes borrosas y desenfocadas, la improvisación (influencia del jazz dicen unos, consecuencias de la premura y falta de preparación dicen otros), el aspecto amateur y caótico de sus obras, y esa percepción alterada de la realidad (a veces se nota cierto halo de LSD) hacen que caigamos rendidos a sus pies una y otra vez.

“Las vampiras”, de 1970, es una de sus obras más admiradas. Su título en el extranjero fue algo más sugerente :“Vampyros Lesbos”, pero en España, por temas de censura, se le cambió el nombre además de cortar todos los desnudos y escenas de sexo, mutilando así la película, algo que ocurrió con muchísimas de sus obras, que presentan minutajes y títulos diferentes dependiendo del país del que proviene la copia. Este film es una inversión del mito del Conde Drácula: las protagonistas son mujeres y la acción transcurre a plena luz del día en un ambiente playero de costa mediterránea. Soledad Miranda ofrece una interpretación magnética, espectacular (esas escenas en las que seduce a un maniquí no tienen precio) mientras que las imágenes nos sumergen en un ambiente hipnótico y delirante. Los toques habituales de erotismo están ahí, pero con buen gusto, sin chabacanería, al contrario de lo que ocurre en otras de sus obras, donde la proliferación de tetas, culos y coños no aportan nada, como fue el caso de “Female Vampire” de 1973 y tantas otras. La banda sonora también es digna de mencionar, a veces muy 70's, hippiosa, psicodélica, fumeta, pero otras veces inquietante (como esas voces reproducidas al revés y que van acelerándose poco a poco).

Otra película fascinante, aunque se la considera una obra menor, es “Virgen entre los muertos vivientes ” de 1971, que en otros paises se conoció con el fabuloso título de “Cristina, princesa del erotismo”. A pesar del título no hay zombies ni sangre ni coitos salvajes sino que aquí el tema se mueve por unos derroteros bastante más perturbadores. Esta obra es un delirio absoluto, una locura total, una pesadilla surrealista y lisérgica en la que no sabes qué es real y qué es imaginado, donde la realidad abre grietas invisibles a través de las cuales los personajes se deslizan hacia la paranoia y lo desconocido. Dominan las imágenes retorcidas, oscuras y psicodélicas, acompañadas de una música macabra y desquiciante y una interpretación que es para descojonarse: los actores parece que no sepan muy bien lo que están haciendo, no mueven un puto músculo de la cara ni muestran ningún atisbo de emoción, pero lo bordan, con un Jesús que hace el papel de mayordomo tarado y está que se sale, con Christina Von Blanc y el resto de macizas enseñando generosamente su anatomía, con un grandísimo Howard Vernon que no se sabe bien si estaba borracho o si es que era así realmente... Es un ejercicio de estilo extravagante e hipnótico, una obra macabra, salvaje, delirante, loca, transgrediendo las fronteras del género de terror para adentrarse en terrenos más cercanos al surrealismo. Ah, y es muy divertida.

Jesús Franco también revisó algunos clásicos del cine de terror a través de su personal óptica y creó algunas obras interesantes: en 1971 apareció “El Conde Drácula”, una película para la que contó con algo más de presupuesto y para la que adoptó un enfoque más serio, convencional y clásico, cercano al de las obras clásicas de la Hammer y apartándose un poco de los extravagantes títulos que había ofrecido hasta la fecha. De hecho, esta es una película de terror que se puede enmarcar dentro de los cánones clásicos del género aunque siempre con la aportación personal del tío Jess, eso sí, más comedido que en otras ocasiones. La protagonizan ni más ni menos que Christopher Lee y Klaus Kinski: sólo por eso ya vale la pena verla, ahí están esos dos pedazos de actores ofreciendo una interpretación crepuscular, con aire ausente, como si la cosa no fuese con ellos, y eso le da un encanto muy especial y decadente.

En 1972 filmó “La maldición de Frankenstein”, esta vez con la intención de revisar la obra de Mary Shelley y las diversas películas que existían hasta la fecha. Esta fue una película distinta a la de “Drácula”: ya no sigue los cánones clásicos y volvemos a encontrar a un Franco más atrevido y rompedor, dándole a la obra un enfoque más sexual y pervertido. En algunos paises la película se tituló “Los ritos eróticos de Frankenstein” y duraba más que la copia española ya que aquí se censuraron todos los desnudos y las escenas sexuales (algunas de ellas con Frankenstein en plena faena son impagables), así que la versión española es más light pero conserva gran parte de su encanto. Una vez más, atmósferas oscuras, claustrofóbicas, planos desenfocados y medio borrosos, guión demencial, aire amateur y semi-improvisado, imágenes macabras e inquietantes, y con el debut de la sugerente Lina Romay, la musa de Jesús que aparecería en muchas de sus películas.

Jesús Franco filmó otras películas interesantes como “Gritos en la noche”, “Succubus/Necronomicon”, “Eugenie” y algunas más que vale la pena revisitar pero de las que no hablaré aquí para no extenderme demasiado. En definitiva, un clásico del cine europeo más bizarro y rompedor.

MORPHINE

2008-12-28T08:34:00.000-08:00

Morphine fue una banda creada por Mark Sandman (bajo) y Dana Colley (saxo) en Cambridge (EE. UU) en el año 1989, más tarde incorporaron a Jerome Deupree (batería) para dar la forma definitiva de trío. Eran músicos peculiares como demuestra Mark con su bajo eléctrico de dos cuerdas que normalmente estaban afinadas para dar la misma nota, y también músicos excelentes como vemos con Colley, que no solo toca un saxofón barítono, sino también soprano,tenor y bajo (inclusive tocando dos al mismo tiempo). Morphine graba su álbum de debut Good en 1992. Hasta entonces nunca se había dado una paleta de colores musicales donde conviviera el jazz y el rock sonando de una manera tan sencilla y natural. Ningún estilo predomina claramente sobre los demás y esto los dejó navegando entre dos aguas, demasiado rock para los jazzeros elitistas y mucho jazz para el rockero de base. Así, como niños maltratados, fueron adoptados por el ámbito de la música alternativa (indie-rock) donde obtuvieron su mejor acogida. Good, a parte de mostrar todas estas dos influencias también reflejaba la parte más oscura del legado del blues, esto cambiaría con su continuación de 1993 Cure fo Pain, donde el pop empieza a tener más representación y el ambiente oscuro hace una pausa que retomarían en posteriores trabajos. En los créditos de este disco nos encontramos con dos baterías , Deupree y Billy Conway, este último conocido de Sandman cuando tocaba en su grupo Threat Her Right. Aunque Jerome toca la mayoría de los temas del disco sería Conway el que continuaría como miembro más estable de la formación.

Después de estas dos obras maestras, editarían Yes (1995) y Like Swimming (1997), que siguen la estela de los trabajos anteriores pero sin llegar a la calidad de los mismos. Como curiosidad optaron a un premio grammy por el video musical del single "Early to Bed" perteneciente a Like Swimming.
Pero la tragedia sobrevino al grupo en 1999, al poco de acabar la grabación de su último álbum de estudio y en una actuación del festival Nel Nome del Rock (Italia), Mark Sandman sufre un ataque al corazón que le provoca la muerte y acaba con las aventuras y desventuras de Morphine, que anunciaron su disolución. A pesar del definitivo contratiempo editaron el póstumo trabajo de estudio en el año 2000 con el nombre de The Night. No solo es un disco enorme, es una de sus mejores obras y una evolución en su personalísimo estilo: retoman el sonido oscuro de sus inicios y arropan las composiciones con un marcado carácter cinematográfico.

Morphine - Early To Bed

BARRY ADAMSON - Back to the Cat (2008)

2008-12-21T09:33:00.000-08:00

Barry Adamson ex bajista de Nick Cave, Magazine y Visage después de abandonar Mute Records montó su propia compañía, Central Control International, donde ha editado su último trabajo que compone, interpreta y produce ( y me parece que hay pocas cosas más que hacer). Back to the Cat es uno de los pocos discos actuales que evoca recuerdos del glamour y la camaradería que exhibía la música en el pasado según él mismo nos cuenta: “todos esos discos que siempre me fascinaron, los clásicos del jazz de los años 50 en los que se utilizaba la palabra 'cat' para referirse a los músicos enrollados, a los colegas que compartían escenario nocturno en el club contigo".
Dentro de sus influencias extramusicales se encuentra sobre todo el cine y en especial el cine negro y en las exclusivamente musicales entraría el Jazz, el soul, funk, la canción de autor ( Serge Gainsbourg ,Jacques Brel), la música cinematográfica ( con Morricone y Bernard Herrmann entre sus favoritos) o el rock , del que comenta “que todas las músicas de raíces negras terminan convergiendo en el rock” y dando cuenta de su admiración por The Rolling Stones por su sonido negroide tan convincente.
Back to the Cat nos envuelve en un aureola cabaretiana de sofisticación premeditada y ciertamente acaramelada. Los temas resultan lo suficientemente pegajosos para que no nos desentendamos de ellos, de hecho, pienso que es lo mejor que ha escrito nunca. Son una colección de hits de regusto antiguo pero también con un sabor contemporáneo, esas canciones que deberían estar radiando sin parar hasta convertirse en un clásico para las futuras generaciones. Ah, hoy por hoy esto no es más que una quimera y un espejismo de tiempos pasados.

Barry Adamson - Straight 'til Sunrise

Premature Ejaculation

2008-12-15T03:50:00.000-08:00

Rozz Williams fue principalmente conocido por su trabajo con el grupo de rock gótico Christian Death. Pero Rozz también tenía otra faceta mucho menos popular y mucho más difícil de asimilar: se llamaba Premature Ejaculation, y fue uno de los proyectos más fascinantes dentro del ruidismo y el ambient más oscuro de los años 80 y 90.

Premature Ejaculation nació en 1981 como un proyecto multimedia formado por Rozz Williams y Ron Athey y que combinaba sonido e imagen: su música bebía del ruidismo industrial clásico (Throbbing Gristle, SPK, Non, Whitehouse, Maurizio Bianchi) y lo combinaban con oleadas de drones obsesivos, loops hipnóticos, dark ambient y técnicas de collage sonoro. A nivel visual, sus performances recogían la herencia del Accionismo Vienés y de Coum Transmissions, e incluían proyecciones en directo de todo tipo de imágenes impactantes (principalmente material médico) así como acciones físicas (carne, animales muertos en el escenario), cosa que provocó que sus espectáculos fuesen prohibidos en la zona de Los Angeles debido a su naturaleza tan extrema y por la temática “tabú” que se exhibía en ellos. El diseño de sus discos, cassettes y posters siempre fue a juego con la propuesta del grupo: imaginería mórbida, portadas inquietantes, oscuras, macabras, con abundantes ilustraciones médicas de cuerpos heridos y deformados y demás imágenes perturbadoras. La ambigüedad también fue una de las armas utilizadas por Premature Ejaculation a la hora de atacar a la sociedad americana contemporánea: recurrieron habitualmente a collages e ilustraciones que mezclaban la estética nazi, imágenes de Mickey Mouse, dólares, pornografía, políticos y actores norteamericanos, campos de concentración, estereotipos de la publicidad, etc. El grupo grabó diversos cassettes en la primera mitad de los 80, entre ellos “P.E. 1”, “P.E. 2” o “Living Monstrosities”, editados por el sello de cassettes avant-garde “Happiest tapes on earth”. El grupo aquí ya mostraba las bases de su sonido: un enfoque primitivo y experimental, ruido, loops, samples, atmósferas abrasivas, manipulación de sonidos...

Alrededor de 1985 Ron Athey abandonó Premature Ejaculation pero entró alguien que fue fundamental para la grabación de los siguientes álbumes: Chuck Collison, responsable del sello “Happiest tapes on earth”. Esta formación (Williams-Collison) grabó las obras más interesantes del grupo. El sonido del duo pasó a ser más estructurado, menos lo-fi, mostrando más matices y texturas. Muestra de los primeros frutos de esta colaboración es el cassette “Death Cultures” de 1987. Dos años después, en 1989, aparece “Assertive Discipline”, uno de sus discos clave. En esta obra Premature Ejaculation elaboran una perfecta banda sonora para nuestras peores pesadillas y nuestros miedos más irracionales. Abundan los drones profundos, absorbentes, densos, el dark ambient, los sonidos chirriantes y desagradables, los loops enfermizos y amenazadores, los samples tomados de documentales, noticias y películas y que muestran a gente hablando de enfermedades, miedo, muerte, las grabaciones reales de psicópatas, perturbados mentales y pederastas, conversaciones casi inaudibles pero inquietantes, gente gritando, insultando, llorando... La técnica del collage es fundamental en este disco: las canciones no son masas improvisadas de ruido sino que estaban planificadas, tenían una estructura, y la acumulación y yuxtaposición de elementos sonoros siempre tenía un fin y una intención muy definidas. Todo un apocalíptico collage sonoro que nos muestra la parte más enferma y degenerada de nuestra sociedad, nuestros instintos más perversos, nuestros secretos más inconfesables, el dolor, el miedo, la violencia, el asco, la miseria, la soledad, el abandono, el odio, la humillación. Un disco que, escuchado en las condiciones óptimas, puede llegar a alterar al oyente tanto a nivel físico como psicológico. Posteriores álbumes como “Anesthesia” (1992), “Necessary Discomforts” (1993) o “Estimating the Time of Death” (1994) continuaron profundizando en esta onda, liberando demonios interiores y sacando a la luz lo peor y lo más oscuro del ser humano. Música horrible, desagradable, sombría, sucia, obscena. Es el trauma sin catarsis posible. El callejón sin salida que nos aboca a la desesperación.

La última obra de Premature Ejaculation fue el doble cd “Wound of Exit”, de 1998. Chuck Collison había abandonado el proyecto y fue sustituido por Paris, que ya había colaborado con Rozz en el grupo Shadow Project. Este disco es mucho más sucio, directo y abrasivo que las anteriores obras grabadas por el duo Williams-Collison. Atrás quedaron los collages sonoros y en cambio lo que nos encontramos son una serie de piezas bastante más ruidosas y cercanas a sonoridades industriales, con loops repetitivos, obsesivos y desquiciantes, un sonido electrónico más agresivo y una atmósfera densa e impenetrable.

“Wound of Exit” es la grabación que cierra una extensa y difícil discografía, que cuenta con unos cuantos más discos y cassettes además de los comentados en este artículo. El legado de Premature Ejaculation es un reflejo de nuestros abismos interiores, un catalizador de emociones negativas, un espejo deformado que nos devuelve irreconocibles imágenes de nuestro propio rostro, una música que saca a la luz nuestros peores miedos, todo eso que está sumergido en nuestro subconsciente y que, aunque intentamos esconder, sabemos que está ahí, esperándonos. De nada sirve esconder la suciedad debajo de la alfombra después de barrer: la porquería sigue ahí, aunque no la veamos, y su presencia nos obsesiona sin remedio.

Rozz Williams se suicidó en abril de 1998.

LOS HERMANOS QUAY

2008-12-15T03:49:00.000-08:00

Desde su primer cortometraje (Nocturna artificialia ,1979) los gemelos Quay controlan metódicamente todo el proceso de realización de sus filmes ,desde la construcción de los personajes hasta los cuidados decorados ,su obsesión por los detalles explica su escueta producción, apenas unos cortos, dos largometrajes (de escaso interés) y varios videoclips que mantienen un nivel de complejidad asombroso hoy en día.
Admiradores de la cantera de animadores checoslovaca (en especial de Jan Svankmajer) conjugan ,al contrario que esta ,la crudeza hermética de sus argumentos con la carga poética que destila y palpita en la pausa ceremonial de cada uno de sus fotogramas .Sus referencias literarias (Beckett, Ionesco,Artaud) dan buena cuenta de lo enrevesado y fascinante de sus historias.
Allí deanbulan maquinarias elípticas por lúgubres pasillos o tratados de anatomía en habitaciones torcidas donde duermen personajes que actuan como vagabundos de la ficción...carne y óxido .
Street of Crocodiles (1986) es sin duda su obra cumbre , crearon un universo inédito hasta entonces en la animación americana, armados de paciencia los gemelos Quay abrieron para el drama y la narración la posibilidad de prescindir de las unidades clásicas de tiempo, lugar y argumento, en orden a enfocar la animación con muñecos para explorar la condición humana hasta sus últimas consecuencias.

GRINDERMAN

2008-12-05T06:23:00.000-08:00

Nick Cave vuelve a recargar sus cartuchos ¡y de que manera!. Un escopetazo entre ceja y ceja nos ha colado con su proyecto alternativo Grinderman , que se puede traducir aproximadamente como “tocapelotas”, así vemos al monito de portada con una actitud más que aclaradora. El sonido de este trabajo de título homónimo editado en 2007 es todo un balazo de blues-rock-punk macarra, obsesivo y enfermizo que recuerda a sus inicios con The Birthday Party pero mucho más certero. No es un proyecto menor , e incluso a mi parecer supera con creces su último trabajo con los Bad Seeds (Dig, Lazarus, Dig!!!). Estrenó look con su mostacho del lejano oeste (cuántos hemos pensado “yo también me lo voy a dejar así”), con aspecto de jefe de cuatreros asaltando viejas locomotoras . Lo que podría parecer a primera instancia solo un divertimento de poco calado acabó siendo un trabajo más que notable. Se nota que disfruta como un niño junto con su colega Warren Ellis (que hace un stop con su famoso violín) y uno se imagina dentro de esa habitación que ocupa el centro de la edición en vinilo , con Cave sentado en un amplificador con el micrófono en mano, Warren sentado en una postura yoguista con un instrumento exótico que distorsiona con un montón de pedales , Jim Sclavunos sin baquetas en la manos pero con un par de cachivaches que parece vaya ha hacer el golpe definitivo a la batería y Martyn Casey con su bajo flipando con una gafas de sol en una habitación escasamente iluminada y de un acentuado color rojizo infernal. Solo faltan las cervezas, las revistas porno y el último botín del atraco al banco que supongo quedarían fuera del campo visual.

Grinderman - Electric Alice

Laddio Bolocko

2008-11-25T03:41:00.000-08:00

Laddio Bolocko fueron un grupo de Nueva York que pasó desapercibido para la mayoría durante su corta existencia a finales de los años 90 pero que sin embargo son considerados un grupo de culto por los seguidores del avant-rock, especialmente en los Estados Unidos. Su legado, corto pero esencial, consiste en tan sólo un álbum y un par de e.p.'s., todos ellos bastante difíciles de encontrar hoy en día. El cuarteto combinaba los postulados del post-rock más complejo, los experimentos rítmicos y sonoros del krautrock, la adrenalina del punk, la complejidad del math-rock y las inflexiones improvisadas y caóticas del free jazz, todo ello mezclado en un cocktail explosivo interpretado con una precisión deslumbrante y una intensidad demoledora.

El cuarteto debutó en 1997 con el descomunal “Strange warmings of Laddio Bolocko”, un álbum con un sonido sucio, crudo, directo, abrasador, discordante, con una pegada y una potencia bestial, distorsión y saturación a raudales, adrenalina pura y dura. Un sonido absolutamente lo-fi pero que encaja perfectamente con una serie de composiciones instrumentales largas, de una complejidad extrema, con estructuras circulares, obsesivas, matemáticas, con desarrollos extensos que dan pie a todo tipo de salvajes improvisaciones, interpretadas por el grupo con una solvencia, eficacia y sencillez increibles. Es admirable cómo pueden hacer que algo tan complejo y enrevesado suene tan sencillo y fácil. El grupo lleva al límite el sonido que por aquellos tiempos se denominaba post-rock pero lo revienta desde dentro hacia afuera y lo convierte en algo nuevo y excitante, mezclando secuencias repetitivas con cambios de ritmo inesperados y estructuras que se balancean al borde del abismo, con improvisaciones que se mueven fluidas, espontaneas y naturales, con ecos de los grupos alemanes más rompedores de los 70 (Can, Faust, Neu!), con la locura colectiva del “Trout mask replica” de Captain Beefheart, con la destreza y complejidad de This Heat y con el delirio free de Albert Ayler o el Art Ensemble of Chicago. El grupo muestra un virtuosismo y una destreza espectaculares, es decir, son unos musicazos impresionantes, pero no lo utilizan para perderse en exhibiciones inútiles y estériles como muchos otros grupos hacen sino que demuestran que saben utilizar los instrumentos pero también les sobra calidad para sonar brutales, agresivos, excitantes, como una bomba de napalm explotándonos en el estómago. El disco es una experiencia sonora inagotable, un obra maestra en la que sumergirse una y otra vez para perdernos a lo largo y ancho de sus 70 minutos de duración, 34 de ellos ocupados por el útimo tema, un mágico y fascinante ejercicio hipnótico y ruidista titulado “Y toros”, un tema con el que soñar despiertos mientras los altavoces escupen chispas y electricidad.

En 1998 Laddio Bolocko editaron dos e.p.'s: “In real time” y “As if by remote”, y en ellos el sonido del grupo evolucionó hacia terrenos menos agresivos pero más experimentales y exploradores. La producción no es tan directa y sucia como en su debut sino que se observa un metódico trabajo de mezclas en el estudio, intentando sacar todos los matices posibles a las composiciones y ofreciendo un sonido más profundo y trabajado. Los temas siguen sonando a Laddio Bolocko, sí, pero con una dimensión añadida. El grupo ahora elabora diferentes texturas y atmósferas, combinando pasajes claros con oscuros, momentos excitantes con pasajes contemplativos. En estos dos trabajos de 1998 continuan los ritmos complejos, los desarrollos elaborados, los pasajes cerebrales, las aproximaciones al free jazz más caótico, las improvisaciones arriesgadas, en una serie de temas de carácter onírico y misterioso que esta vez incluyen pasajes más abiertamente melódicos, llegando al drone más hipnótico en ocasiones, pero sin perder por ello ni un ápice de su fuerza.

Tras la disolución del grupo, algunos de sus miembros se embarcaron en otra fascinante aventura bajo el nombre de The Psychic Paramount, otro proyecto interesantísimo en el que siguen profundizando en su excitante propuesta sonora.

COWBOY JUNKIES - Whites off the earth now!

2008-11-16T12:23:00.000-08:00

Es un grupo canadiense formado en Toronto en 1985 por los hermanos Michael (guitarrista), Margo (vocalista) y Peter Timmins (batería) junto con Alan Anton (bajista), un amigo en común de toda la vida. Considerado uno de los primeros grupos del llamado country-alternativo que emergió a mediados de los ochenta, dieron muestras de su enorme talento con su debut de 1986 "Whites off the earth now!"( blancos, váyanse de la tierra ahora). Si no tuvieron bastantes problemas al inicio de su carrera con llamarse algo parecido a vaqueros narcóticos, el título de su primer disco no ayudó a que no se levantaran ampollas, Michael argumentó que era una denuncia por la situación que se derivaba del apartheid.

Entrando en materia del contenido de su primera puesta en escena nos encontramos un trabajó basado exclusivamente en versiones de Lightning Hopkins (Shining Moon), Bruce Springsteen (State Trooper), Robert Johnson (Me and the Devil), John Lee Hooker (Decoration Day y I'll Never Get Out of These Blues Alive), Bukka White (Baby please don't Go) y con solo un tema original (Take Me). En todas estas canciones podemos observar una de las principales características de Cowboy Junkies; su capacidad para filtrar los temas de otros autores y llevarlos a su propio terreno de una manera tan especial que acaban transformándolos muchas veces en canciones indistinguibles de sus propias composiciones (tienes que conocer de antemano que están haciendo una versión).
Las condiciones de grabación del Whites off the earth now marcan intensamente todos los cortes,la grabación es en directo en un dos pistas ¡ pero con solo un micrófono ! ( un Calrec Ambisonic Microphone). A mi gusto consiguen el mejor ambiente que han grabado nunca en su larga trayectoria discográfica. Junto a la voz inimitable de Margo desenvuelven un sonido oscuro, misterioso, melancólico, etéreo, de bajos vuelos nocturnos que evocan un sueño inquietante pero reparador, nunca han sido un grupo fácil, pero si te enganchan ya no los puedes dejar, Junkie.

Cowboy Junkies - Shining Moon:

Loop

2008-11-11T03:42:00.000-08:00

Hay dos palabras clave para entender la música de Loop: repetición e hipnosis.
El grupo inglés creado por Robert Hampson en 1986 se dedicó a reproducir, canción tras canción, disco tras disco, un esquema, una propuesta que se podría definir de la siguiente manera. El bajo y la batería se dedicaban a repetir una sencilla y directa línea melódica que servía de armazón sobre el que montar el resto de la estructura. A esta base se le añadía un riff de guitarra principal también muy sencillo y básico, muchas veces consistente en tan sólo uno o dos acordes y también repetido hasta el límite. A esto se le superponían capas y más capas de guitarras, con mucho fuzz, distorsión, wah wah, eco, delay, reverb, y todo tipo de efectos que servían para complementar y aumentar la estructura. Finalmente las voces planeaban por encima, siempre filtradas, creando un efecto cósmico, distante, lejano.
Entre vapores y nieblas, las melodías, de carácter fluido, líquido y psicodélico se van tensando y atrapándonos oleada tras oleada de distorsión y electricidad. Lo que en un principio era sencillo y primitivo se convierte poco a poco en algo complejo, en una estructura giratoria que evoluciona gradualmente en espiral desde un vértice y se va transformando de manera casi imperceptible.
Y así, repitiendo obsesivamente la misma estructura una y otra vez, Loop nos conducen hasta el trance y nos sumen en un estado hipnótico, catatónico, mientras nuestros ojos se cierran, las pulsaciones del corazón bajan y todo tipo de imágenes caleidoscópicas se disparan en nuestro subconsciente más profundo.
Su sonido era una mezcla de los ritmos repetitivos y mecánicos del krautrock (Can, Neu!, Kraftwerk, Harmonia), el fuego de los Stooges, los momentos más rompedores de la Velvet Underground, las atmósferas cósmicas de Hawkwind y los pasajes lisérgicos de Spacemen 3. Una música misteriosa, obsesiva, cruda, ácida, discordante, con ritmos sencillos y primitivos, con guitarras que supuran fuego, electricidad y feedback, con ambientes cercanos al space rock y al drone. Un sonido denso, cósmico, electrizante y puro.
Loop debutaron en 1987 con “Heaven's End”, disco en el que ya ofrecían los pilares básicos de su peculiar sonido, y continuaron profundizando todavía más en su segundo disco, “Fade Out”, de 1988. Loop grabarían su tercer y último álbum, “A Gilded Eternity”, en 1990. Para muchos este fue su mejor trabajo, un disco más sofisticado que los anteriores y en el que su propuesta sonora llegó al límite.
Loop se disolvieron pero siguieron trabajando en nuevos proyectos. El batería John Wills y el bajista Neil McKay se embarcaron en The Hair and Skin Trading Company, mientras que los dos guitarristas (Robert Hampson y Scott Dowson) crearon el grupo Main, uno de los mejores exponentes del ambient noise de los años 90.