MAZZY STAR - Among My Swan ( 1996 )

Los protagonistas de Mazzy Star son por una parte el guitarrista Dave Robback, que empezó su andadura musical a principios de los ochenta con los fabulosos Rain Parade y formó con Kendra Smith ( The Dream Syndicate ) el grupo Opal (ya habían colaborado anteriormente en un proyecto denominado Rainy Day ) y por otra parte la cantante Hope Sandoval, de la cual se quedó tan prendado Robback cuando la oyó cantar que pasó olímpicamente de kendra a partir de entonces. Pude ser algo reprochable, pero escuchando ( y viendo ) la inocencia, sensualidad y calor reconfortante que desprende su voz es muy difícil no caer en la tentación ( la última por lo menos ).
Among My Swan cierra la trilogía que empezaron con She Hangs Brightly en 1990 y mejoran la propuesta de pop-rock lánguido y oscuro que desarrollaron en su segundo trabajo So Tonight That I Might See ( 1993 ). Las canciones mantienen la aureola misteriosa e incorporan un cierto misticismo iluminador, menos ambientales y oscuras pero más concretas. Siguen siendo solitarias pero llenas de una belleza interior que se descubre con el paso del tiempo ( el patito feo se convierte en cisne ).

Fernalia: Eroaleak

“Eroaleak” es el debut discográfico de Fernalia, un dúo de Azpeitia (Gipuzkoa) cuyos miembros militaron en bandas clave de la escena euskaldún más arriesgada como Akauzazte o Autoa.
Fernalia es un grupo de raigambre industrial pero que, a diferencia de otros grupos del mismo género, no renuncia a la melodía. Su dinámica se basa en la tensión producida por el choque entre melodía y brutalidad, belleza y violencia, silencio y ruido, elementos que son una de las constantes de este “Eroaleak”.
Grabado en 2008 en el Matadero de Azkoitia, el disco combina sonidos graves, densos, crepitantes y estruendosos con guitarras corrosivas, afiladas y cortantes como un bisturí desgarrando tejido nervioso. La omnipresente caja de ritmos (heredera de Godflesh y Big Black) suena cruda, fría e inmisericorde, como un despiadado yunque que martillea nuestros sentidos con precisión metronómica. Los también vascos Gutural intentaron algo similar en los años 90 en su mítica demo “Visionario”, con admirable resultado, aunque su enfoque daba prioridad a la fuerza bruta en detrimento de la melodía, un aspecto que, por el contrario, no descuida Fernalia.
Abre el disco “Ekaitza badoa”: con este tema la maquinaria metálico-ruidista se pone en funcionamiento haciendo rodar la precisa estructura mecánica sobre un espeso manto de guitarras discordantes. A través de los resquicios del robusto muro sónico se asoma una voz frágil y quebradiza cuyas delicadas inflexiones recuerdan al Justin Broadrick más shoegazer que conocimos en Jesu.
Los beats dislocados de “Iragarki laburrak” conforman un nucleo correoso, retorcido y espasmódico cual nido de serpientes. Lo que en un principio parecía un infecto amasijo de ruido nos conduce por sorpresa a un tenso pasaje de misteriosa beldad elaborado a base de guitarras limpias y cristalinas (similares a Slint o Tarentel) para después volver al lugar de salida y culminar en plena explosión de distorsión, estructuras angulares y ritmo sincopado.
Algo similar ocurre en “Zena”: los riffs lentos, monolíticos y asfixiantes (una especie de apocalíptico stoner-industrial) desembocan en un espejismo sonoro de belleza glacial en el que otra vez las guitarras ejecutan en solitario hermosos desarrollos armónicos sostenidos. La opresiva atmósfera del inicio contrasta con la etérea y esperanzadora luminosidad que se plantea en la segunda mitad del tema.
“Autolobotomia” escupe de inicio fuego y electricidad. Sus ritmos lacerantes y obsesivos se van metamorfoseando hasta llegar a un final amenazante, onírico e irreal, ofreciendo otra muestra del carácter dinámico de estas composiciones.
“Morsen diozut” es una cacofónica orgía de beats convulsos y guitarras que aúllan y chirrían. El final, inmenso, es una andanada aplastante de olas deformes de feedback y ruido mientras buceamos en un pozo de alquitrán caliente y viscoso.
La incesante pulsión rítmica de “Alegoritmoa” sirve de base a unas texturas sonoras que planean con aire melancólico en vuelo onírico sobre un agujero negro de ruido. Guitarras y teclados serpentean sinuosamente y se entrelazan en pleno vuelo mientras latigazos eléctricos fustigan armonías de extraña hermosura y belleza extática.
Así, al igual que ciertos elementos son conductores de electricidad o calor (“Eroaleak”), estas composiciones transmiten su energía y vibración mientras forman un bucle infinito de retroalimentación eléctrica y emocional que une polos opuestos y sensaciones encontradas ad infinitum, mientras nuestros sentidos náufragos navegan en un océano de hierros oxidados, vigas deformadas, bidones herrumbrosos, alambre de espino y barriles de gasolina ardiendo.

LOS CARNÍVOROS. Peter Milligan y Dean Ormston.

Cómic editado originalmente en el año 1995 por DC y en agosto de 1997 por Norma Editorial en su serie Vértigo nº 11.Como reza en la contraportada “Los Quill podrían pasar por una familia como cualquier otra, pero tiene unos hábitos alimenticios ligeramente peculiares: comen carne humana.”. Partiendo de este argumento el guionista Peter Milligan y el dibujante Dean Ormston nos retrata una historia corrosiva, cínica y sobre todo crítica con el modo de vida americano.

Empezamos en una lujosa mansión con la hija de los Quill (cuyos padres ultraconservadores no ven con buenos ojos ninguna relación) en pleno proceso hormonal de búsqueda de apareamiento, desde la primera página nos retrata el árbol genealógico de su abuelo que se enriqueció con un invento tan digno como lo del chupa-chup, mientras su familia solo le preocupa la raza de su nuevo amiguito y el sabor que tendrá. Nos parodia la iniciativa americana de enriquecerse fácilmente de cualquier cosa y los sentimientos racistas de los mismos. En las sucesivas páginas nos encontraremos referencias al excelso placer de comer carne de los americanos, al conservadurismo religioso, a la práctica de la doble moral y un sinfín más de prácticas perniciosas para el sentido común.

Este ritmo de ironía fina la acompaña con guiños a autores o sucesos históricos (Churchill, el caballo de troya) de la mano principalmente del hijo de los Quill, en plena pubertad, el más inteligente de todos y que completa el prototipo ideal de familia nuclear base del modelo americano ( y mundial prácticamente). Los personajes secundarios a la familia cumplen su función de reflejar los modelos estándar de ciudadanos y son a su vez las víctimas de esta familia carnívora. Que aproveche.

DISHAMMER: Vintage addiction (2008)

Hace aproximadamente un par de años estuve en un concierto de Moho y al final del bolo me quedé un rato a hablar con ellos. Hablamos, por supuesto, de la pasión común por los riffs primigenios de Black Sabbath, Sleep, Electric Wizard, Eyehategod y compañía, pero recuerdo que también les expresé mi respeto por la reivindicación que hacían del black metal “old school” de los primeros 80, algo que se percibe claramente en su música (versión de “Into the crypt of rays” de Celtic Frost incluida). Y recuerdo que me dijeron que si me gustaba esa onda debería investigar en otro proyecto en el que andaban metidos, llamado Dishammer. Por aquella época no tenían nada grabado aparte de alguna maqueta en plan casero, así que tuve que esperar e ir escuchando temas en su myspace hasta por fin conseguir su debut discográfico de 2008 titulado “Vintage addiction”. El artefacto es, efectivamente, una salvajada de disco que combina los sonidos más guarros y sucios de los grupos black antiguos (Venom, Bathory, Hellhammer, Celtic Frost), el sonido rockanrolero, vicioso y corrosivo de Motorhead, la intensidad del crust y el hardcore más salvaje y cochino (Extreme Noise Terror, Discharge, Doom, Amebix), una actitud muy punk, una estética satánico-pornográfica-bizarra setentera y una potencia sónica apabullante, bestial.

Dishammer es un grupo formado por gente con amplia experiencia en diversos grupos extremos del underground español como Looking for an answer, Disnation, Moho y Machetazo, y se dedican a re-visitar y poner al día a grupos míticos de los primeros 80 como los anteriormente mencionados, consiguiendo una excitante mezcla de thrash-black-punk-crust-rock'n'roll absolutamente “old school”, con un sonido ultra-brutal, directo, denso, perfectamente engrasado, dominado por riffs crujientes, pegajosos, avasalladores, perversos y peligrosamente adictivos. Su rechazo a estilos musicales actuales y a modas pasajeras es absoluto, todo está hecho mirando hacia el pasado y con un enfoque a la antigua usanza: “Give me vintage or give me death”.

Además se nota que se lo pasan de puta madre tocando, y esa es la sensación que transmiten al oyente: hay ganas de diversión y de cachondeo (basta con echarle un vistazo a “los 13 mandamientos de Dishammer” para corroborar esto). De hecho, su obsesión satánico-ocultista responde a una actitud desenfadada y gamberra, no van de duros ni de peligrosos en absoluto, sino que lo que quieren es machacar sus temas una y otra vez y arrodillarse ante el altar del “d-beat” y de los riffs viciosos, obscenos y oscuros.

Así pues, no me queda más remedio que ponerme mi camiseta de Motorhead, empezar a dar cabezazos al aire, levantar el puño y, mientras este ruido viscoso y caliente fluye por los altavoces, esperar la llegada del anticristo y presenciar con una sonrisa en la boca el final de la raza humana.

Voodoo Muzak

“Mambient” es un trabajo clave dentro de la fascinante discografía de los franceses Voodoo Muzak, uno de los más interesantes proyectos del rock experimental europeo de los últimos años. Desde finales de los 80 el grupo ha ido mutando a través de diversas formaciones y giros estilísticos, desde el enfoque más noise, salvaje y primitivo de sus primeros trabajos como “Blunt” (1991) o el disco compartido con RWA (1992) hasta los sonidos más cercanos al post-rock tribal de vanguardia como este “Mambient” (1999) o “Brouillarta” (2002).

Grabado como cuarteto (dos baterías y dos bajistas, además de samples), “Mambient” ofrece un espectacular despliegue percusivo y una colección de ritmos altamente complejos pero con pegada y “groove”. Este es un factor esencial que les diferencia de la mayoría de grupos de la escena post-rock y similares: Voodoo Muzak no suenan fríos ni distantes sino que su música tiene fuerza, suena viva y orgánica, sus ritmos en constante movimiento enganchan, sus enrevesados “grooves” y ritmos matemáticos suenan fluidos, viciosos, calientes e incluso bailables (eso sí, en pleno ataque de epilepsia). En los cuatro temas que componen “Mambient” (todos ellos sin título, como es habitual en sus discos) las líneas melódicas, repetitivas e insistentes, avanzan angustiosamente mientras se estrangulan mutuamente sobre una densa y acolchada base de doble bajo y estructuras percusivas sincopadas que nos conducen a través de laberínticos pasillos que apenas dejan entrever la luz. Juegos malabares con cóckteles Molotov. Trapecismo sobre alambre de púas.

El abanico de estilos que abarca el grupo es considerable: desde el post-rock calculado al milímetro hasta el jazz, pasando por las músicas tribales, el funk degenerado, el drum and bass psicótico, el ambient más enfermizo (illbient), la música electrónica inquietante y enigmática... Los sonidos que fluyen por los altavoces traen ecos de los primeros Tortoise pero más oscuros, de This Heat y sus experimentos más radicales (como “24 track loop”), los sonidos abstractos y cerebrales de Brise-Glace (un increíble pero poco conocido proyecto de Jim O'Rourke), las repeticiones obsesivas de Can, el músculo y sudor del “Bitches Brew” de Miles Davis, todo ello empapado en una atmósfera nocturna, opresiva y febril, ideal para las asfixiantes noches de insomnio en el verano.

En definitiva, un nombre que es parte fundamental del rock de vanguardia europeo, un grupo admirable tanto a nivel musical como extra-musical (su labor con la discográfica Amanita, creada por Stephan Krueger, uno de los integrantes del grupo, es digna de admiración), y un disco, “Mambient”, que es una pieza fundamental para resolver este rompecabezas sonoro llamado Voodoo Muzak.

IGGY POP & THE STOOGES- Raw Power (1973)

FILIP MARLOU (Detective público)

¡ Sonido pegajoso del infierno !, desde que he puesto el jodido vinilo no me deja concentrarme en el caso del asesinato del brujo Croulei. Solo tengo esa mierda de nota como pista : “Death Trip”(Viaje de muerte). Estaba seguro que la marisma de suciedad sonora formaría un único ser con la realidad de mi despacho y me permitiría concentrarme, pero a diferencia de los anteriores discos la suciedad suena glamurosa, con estilo, seguro que la culpa la tiene el amanerado ese de Bowie con su producción. En fin, cambiaremos de tercio ( voy a la nevera y cojo otra cerveza) . Me detengo un momento delante del frigorífico , doy golpecitos con el pie y movimientos algo espasmódicos con mi cabeza siguiendo el ritmo... ... Uf , el disco terminó y yo aún sigo sin concentrarme, cojo el vinilo con mis manos y leo los títulos de las canciones : “Search and destroy”, “Your Pretty Face Is Going to Hell”, “Penetration” y ... ¡ “Death Trip”! . Una doble lucecita se enciende en mi interior, una es el móvil, tengo un mensaje del hospital: Caso resuelto en la autopsia, Croulei se suicidó . Vaya , la nota era una despedida,mierda, me quede sin caso, y yo que ya lo estaba intuyendo gracias a los Stooges...

Iggy Pop Raw Power live

CINEMA OF TRANSGRESSION

A finales de los setenta ,un grupo de inquietos jóvenes heterodoxos entre los que se encuentra Nick Zedd,John Waters ,Richard Kern o Lydia lunch comienzan a filmar películas cortas en super 8 como reacción al establishment y la dificultad de hacer cine. Quizás influidos por el arrojo de Cassavettes o Jack Smith, y en plena época no wave neoyorkina ,se agrupan entorno a un manifiesto y nace el “Cinema of transgression”: va del rollo “hazlo tu mismo”,la estética es lamentable ,porno casero con decorados hechos con cartulinas en apartamentos de perroflautas, aún así el tal Nick Zedd encabezó uno de los frentes cinematográficos de política más radical contra todas las ilusiones de corrección, bienestar y “normalidad”. El movimiento se inaugura con “They eat Scum” de Nick Zedd ,una orgía de canibalismo y
desmembramientos. A esta le sigue una serie de cortos rodados en condiciones precarias como la fascinante “Fingered” (1986) donde aparece una perraza llamada Lung Leg (”Pierna pulmón”, la portada de "Evol" de Sonic Youth es un fotograma de la película), asesinada tras una violación, aunque el tipo tiene pulso para violar después a toda una Lydia Lunch con una pistola. En sus películas ,en realidad, hay un
arduo trabajo para desmantelar y ridiculizar al cine underground de los sesenta,(Brackage,Warhol ...) que ya se había hecho academicista ,a finales de los setenta ya estaban hasta los huevos de lucecitas y rayajos.
Sus películas encarnan toda clase de desviaciones y, desde la fealdad física, hacen del antivalor un valor vigente,(John Waters)... (hoy día legitimado a través
de circuitos alternativos de difusión y consumo). Los lazos con la escena de Nueva York era evidentes: Richard Kern realizó videoclips para Butthole Surfers y Sonic Youth; Lydia Lunch dejó a Nick Zedd por Nick Cave y Beth B infiltra el movimiento punk hasta en la televisión.
Nick Zedd continúa fiel hoy día a su filosofía ,vive en la indigencia y continúa filmando en super 8. Hace unos años , hizo correr el rumor de que había muerto
y desapareció, parece que Tarantino ,consumidor de “Cinema of transgression” homenajeó a Nick en "Pulp fiction" ; Zedd, el policia rarito, le da un repaso al amigo Marcellus Wallace .