UPSIDEDOWN CROSS

Upsidedown Cross fueron algo así como una anomalía en el terreno del sludge norteamericano, un cortocircuito en el panorama doom de los 90, un coma etílico en el mundo del underground. Formados en Boston por gente que militó en grupos pioneros del sludge-punk como Kilslug y en proyectos tan irreverentes como Anal Cunt, tan sólo grabaron un par de discos a mediados de los 90 y pasaron más que desapercibidos.
Liderados por el inquietante Larry Lifeless (el Carlos Jesús de Boston), un tipo que se dedica a cantar sus diatribas mongoloides contra todo tipo de religión (empezando por el cristianismo y terminando por la magia negra y el satanismo), con unas letras de una cutrez para descojonarse y que te hacen pensar que o bien el tío va absolutamente ciego, o bien es subnormal o quizás nos está tomando el pelo a todos. Yo personalmente me decanto por esta última opción: con sus letras super-colgadas y su vocalización entre viciosa y mongola (como si Monchito recitase una invocación en una misa negra) está ridiculizando a todos los grupos que se toman tan en serio a ellos mismos que se convierten en su propia parodia, en su propio chiste.
Así pues Upside down Cross tenían muchas ganas de cachondeo y de reirse hasta de su propia sombra (sólo hay que verlos en fotos o videos, en algunas ocasiones maquillados con corpse-paint, igual que los grupos de black metal escandinavos) algo poco habitual en géneros como el sludge, donde los grupos suelen mostrar una imagen bastante más seria y atormentada.
A nivel musical eran músicos más bien limitados pero sacando partido a sus instrumentos de manera simple y efectiva: riffs lentos, calientes y aceitosos, mamando pero bien de los primeros Sabbath, de los Melvins, de Pentagram, y emparentados genéticamente con los primeros grupos sludge americanos (léase Eyehategod, Grief, etc.), pero con un sentido del humor absolutamente desquiciado y salido, herencia de los Butthole Surfers más ácidos y yonkis. Las canciones de Upsidedown Cross son más bien sencillas: un par de riffs por canción y punto, riffs oscuros, sucios y empapados en cloroformo, en plan sludge / southern rock / doom metal para retrasados mentales, rollo lento y asfixiante, distorsión y ruido a saco, todo muy psicótico y enfermizo, oliendo a droga y sustancias varias de manera considerable (diría que veo humo saliendo de los altavoces!!!) y todo ello con mucho, muchísimo groove y con ritmos pegadizos que desembocan muchas veces en puras jams ácidas y psicodélicas pero a cámara lenta y en reverse. Eso sí, repetición a más no poder, o sea que si lo que buscas es variedad y cambios de ritmo mejor que pases de estos y te vayas a escuchar a Ruins.
Así pues, queridas lectoras, aléjense de las drogas, de lo contrario pueden terminar ustedes igual que estos tipos de Upsidedown Cross, o como los redactores de La Fam, que no sé qué es peor.

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Architect: "Consume adapt create" (2010)

Me trae recuerdos de cómo sonaba Seefeel. La portada bicolor parece reproducir el punto de vista de algún artilugio de ataque fantasma, como el de los aviones durante la guerra de "los golfos", en aquella ocasión eran gris y verde. La cuadrícula deja caer graves que no estallan de manera tan ordenada, como si fuera un modelo defectuoso desechado de algún proyecto ya oxidado. Refleja sin embargo, un sórdido presente post-industrial.

THE SOFT MACHINE "S/T" (1968)

Reseña escrita por Blackdecker

No hay que darle demasiadas vueltas a la máquina para entender. Escucharlo y ver cómo su nutritivo contenido ha dado de comer a las nuevas generaciones. Ahí tenemos a Flaming Lips, tirando de veta. O a ese moderno de Ariel Pink. Ellos, por eso, cargando con el 68, con los Pink Floyd y los Crimson flanqueándolos, jugaron a ser bellos y ágiles, a saltar de flor en flor como resulta este su primer disco. A jugar a organistas de catedral, a baterías jazzero, a imaginar territorios amigos para la concurrencia. A dárselas de progresistas antes de su definitivo tercero. Antes de coronar su carrera, tuvieron tiempo para pasar por niños de guardería con su inocencia musical entre Barrett y Lake, para firmar uno de esos discos en los que no sobra ni falta nada. En el que comienzas con una sonrisa fumada y acabas viendo arco iris en tu cabeza. Cuando Wyatt tenía piernas y no pensaba en saltar por la ventana, cuando Ayers aún respondía al final de los conciertos, cuando Ratledge nos embrujaba con sus órganos planeadores. Cogidos de la mano saludaban al acabar el concierto. Qué grande disco! No hay nada como ser niño y creer que Peter Pan vendrá a salvarte.

Entrevista a Gyakusatsu

Gyakusatsu es un nuevo proyecto de Barcelona dedicado en exclusiva a los sonidos más extremos y las temáticas transgresoras y tabú, moviéndose entre el Power Electronics, Harsh Noise y Death Industrial clásico, sucio y old-school. Su cd debut, titulado “The day of the man's death” (2010) ha sido editado por el sello Marbre Negre y contiene casi 50 minutos de ruido áspero, ambientes asfixiantes, humo, electricidad, saturación, degeneración y odio a raudales. Su creador, Óscar, contestó a nuestras preguntas. Que aproveche.


¿De dónde viene el nombre de Gyakusatsu?
El nombre proviene del japonés y significa “masacre”, palabra que describe a la perfección el proyecto tanto a nivel musical como estético. En un principio se tenía que llamar Holocaust, pero al final me decanté por Gyakusatsu, me pareció más adecuado a la filosofía del proyecto.

Influencias a nivel musical y extra-musical.
La influencias a nivel musical están dentro de lo que se podría llamar noise, dentro de todas sus posibles variantes, para concretar más y dar el nombre de algún grupo te diría que especialmente me han influenciado: Atrax Morgue, Grunt, Richard Ramirez, Sutcliffe Jügend, MSBR, Streicher, Genocide Organ, Mauthausen Orchestra, Premature Ejaculation, sólo por nombrar algunos. Fuera de lo musical, sobretodo y más en este mi primer trabajo, el antiguo testamento, aparte mis influencias son literarias. Desde Nietzsche hasta William S. Burroughs, Yukio Mishima, Nabokov, y un largo etc. Los asesinos en serie, el holocausto nazi, las malformaciones y todo tipo de aberraciones.

¿Qué puede esperar una persona al enfrentarse por primera vez a "The day of the man's death"?
Encontrará un sonido directo y áspero, en ocasiones con letras, la mayoría escritas a partir de fragmentos del antiguo testamento, otras a partir de textos de escritores como en “Is this forbidden?”, letra que escribo a partir del libro “Deseo” de la escritora austríaca Elfride Jelinek, en el que la escritora nos relata el machismo y la opresión de la mujer en las clases burguesas y una supuesta liberación sexual y que yo he adaptado para tratar el lesbianismo y el sadomasoquismo en las relaciones sexuales. En definitiva un disco que se mueve entre el Power Electronics, el Death Industrial y pasajes de noise estático y en el que intento hacer una crítica a todo tipo de censuras, y muy concretamente a las religiosas, con sus tabús y gilipolleces varias.

Tan sólo han salido 33 copias del CD. ¿A qué se debe esta tirada tan limitada?
Por dos motivos principalmente, el primero y el más importante es el propio 33, la edad en que murió Jesucristo, fecha en la que empieza uno de los mayores problemas que tiene occidente en la actualidad, aunque también hay que decir que es preferible esta religión a otras más represivas e intolerantes que poco a poco se nos están introduciendo en Europa y que nos intentan imponer sus costumbres y desvaríos. El segundo motivo es menos transcendental, es simplemente una cuestión de mercado, al ser el primer trabajo y en la actual situación creí que no merecía la pena hacer más copias, hoy en día se vende muy poca música.

Hay gente que dice que el Power Electronics es un género para misántropos, degenerados e individuos rebosantes de odio en su interior. ¿Estás de acuerdo con esto?
Sí y no, por un lado tienes que tener una parte de degenerado y psicópata para hacer este tipo de música o para escucharla, pero por otra parte no deja de ser una expresión artística en la que se denuncia o se apoyan diferentes aspectos de la vida, aunque normalmente sean de una forma violenta y fea para la mayoría de gente.

Según comentas, tu cd está influido por "la religión, la violencia y las perversiones sexuales". ¿Puedes dar más detalles al respecto?
Básicamente es la atracción que siento por estos temas, atracción a nivel estético y como fuente de inspiración. Por un lado la religión, como ya he comentado uno de los males que tenemos en la actualidad, es absurdo pensar que la gente se mata y hace todo tipo de barbaridades en nombre de dios, sea el que sea. Aunque por eso lo hace más atractivo precisamente, es la violencia por la violencia, gente matándose por motivos banales, aunque ellos se crean que es lo más importante de sus miserables vidas, básicamente les lavan el cerebro, en el caso que lo tengan, claro. Y de las perversiones qué decir, pues que son atractivas precisamente por ser una perversión, el saber que se hace algo que está prohibido y mal visto por una parte de la sociedad. Definitivamente todo es violencia en la sociedad actual, una encubierta y en nombre de la paz, otra de tipo machista y así podríamos estar todo el día. Amén.

¿Crees que se puede obtener placer a nivel estético de lo feo, lo grotesco, lo deforme, del dolor y el sufrimiento?
Sí, sin ningún tipo de duda. Lo feo, lo grotesco, el dolor, el sufrimiento, todo ello nos proporciona un gran placer, nos saca el animal que somos, la persona enferma que tenemos dentro. Personalmente creo que el ser humano es malo por naturaleza, lo raro es el encontrar a una persona buena. Normalmente nos pasamos la mayor parte de nuestras vidas intentando esconder nuestra parte fea y decadente.

¿Crees que está cerca el día de la muerte del hombre?
Por desgracia no, supongo que aún estaremos siglos y siglos destruyéndolo todo y llenando de mierda todo lo que tocamos.

¿Te interesa la pornografía, el sado-masoquismo, bondage o alguna otra práctica sexual?
Únicamente de forma estética y de inspiración para mí música.

¿Qué origen tienen los diversos samplers y grabaciones que usas en el disco?
Son entrevistas a serial killers, mujeres practicando sexo, siempre son samples de mujeres, normalmente practicando sadomasoquismo, trozos de películas y grabaciones que hago de la calle, mientras trabaja la gente o simplemente hablan. Luego todo esto es procesado e incluido en los temas.

La Fam es un fanzine hecho por gente de Alcàsser, lugar famoso por el triple crimen de las niñas. ¿Qué recuerdos y sensaciones tienes de aquel acontecimiento? ¿Tienes interés en algún serial killer en particular?
Tengo unos recuerdos vagos, en esas fechas estaba cumpliendo unas obligaciones y no le pude prestar toda la atención que se merecía. Posteriormente he leído sobre el caso y pienso que todo fue un montaje y que nunca se sabrá del cierto qué es lo que realmente sucedió.
La verdad es que me interesan prácticamente todos los serial killer, pero tengo especial predilección por Charles Manson y Albert Fish. Es muy interesante leer sus razonamientos y estudiar sus complicadas personalidades.

Otros proyectos en los que estés involucrado.
Junto con Desirée formamos la banda “Persona” en el año 2005, grupo menos áspero que Gyakusatsu, es una mezcla de los gustos de los dos y el resultado podría clasificarse como: Dark Ambient, martial, industrial, con pasajes líricos.
Aparte en 2006 creamos nuestro sello discográfico Marbre Negre, en un principio sólo para editar nuestros trabajos, pero en la actualidad estamos empezando a sacar trabajos de otras bandas.
Esporádicamente en los últimos años he ido haciendo alguna reseña sobre música y literatura en algún fanzine.

¿Algo más que quieras añadir?
Agradecerte esta oportunidad que me has dado para explicar la música que hago y felicitarte por el fanzine, hoy en día ya no queda demasiada prensa en papel que trate estos tipos de música.
Muchas gracias y un saludo para los lectores de tu revista y los oyentes de mi música.

TRAUMMASCHINE "Hyperion" (2009)

Si alguien me dijera que “Hyperion” es la re-edición de un oscuro disco de 1971 grabado por un desconocido grupo de Dusseldorf y que estaban directamente relacionados con Conrad Schnitzler, yo me lo creería sin dudarlo. Pero ahora va y resulta que Traummaschine ni son alemanes ni grabaron en los años 70 sino que son un dúo de Albaida (Valencia) y que éste “Hyperion” es del año 2009... Menuda sorpresa, ¿no? Pues sí, los amantes de los correos cósmicos alemanes y de la música planeadora de los grupos del krautrock setentero ya pueden ir frotándose las manos porque tienen un nuevo tesoro entre sus manos. “Hyperion” es un cd cuádruple cuyas composiciones fueron paridas y grabadas al más puro estilo analógico old-school bajo los augurios de los maestros kosmische como Kluster, Klaus Schultze o el “Zeit” de Tangerine Dream. Una obra ambiciosa, rica y compleja, de carácter netamente vanguardista y explorador, pero con sabor clásico y añejo, mostrando a un grupo que conoce bien el terreno que pisa y que sabe desarrollar su propuesta sonora con convicción y gusto. A pesar del extenso minutaje de los temas (alrededor de los 30-40 minutos en su mayoría), su escucha es absorbente debido a su carácter atemporal e hipnótico y a la variedad en las texturas y sonidos (el grupo combina krautrock, space music, improvisación, ambient, musique concrete, música electro-acústica, ruido) aunque está claro que la predisposición del oyente para navegar por estas supernovas sónicas es fundamental. Sólo es cuestión de dejarse llevar por “Hyperion” y sus inmensas masas amorfas de atmósferas electro-acústicas, líneas melódicas que evolucionan a la misma velocidad que los planetas gravitando alrededor del sol, océanos de teclados expandiéndose infinitamente por el firmamento, un viaje hacia confines inexplorados a las estrellas y más allá.

MI AMI "Steal Your Face" (2010)

Para volverse loco, psicodelia noise con base rítmica tribal que no por ello deja de frecuentar visitas al club de baile de ciudad. La voz es de Daniel Martin-McCormick, aunque parezca más la cantante de un grupo de riot grrrl sufriendo desvaríos hormonales. La capa de sonido te atrapa en una espiral de mugre, hipnotismo y efusión incontrolada. No importa que la vida sea una mierda, me ensucio, y con ella encima, mis impulsos me hacen saltar y vibrar. El resultado de una genética trasnochadora.

BEGOTTEN (Elias Merhige, 1991)

BEGOTTEN: CELULOIDE PESADILLA

Begotten, estrenada en 1991, es uno de esos raros casos en los que el cine trasciende las fronteras del género para convertirse en una obra de arte en sí misma, dejando de lado categorías estéticas.
Grabada a lo largo de 4 años y dirigida por Elias Merhige, Begotten es una de las películas más importantes y radicales del cine experimental contemporáneo.
Una pesadilla transformada en celuloide cinematográfico, con sus propias reglas, códigos y lenguaje audiovisual, a los que debemos someternos y entregarnos si queremos disfrutar de la experiencia.
Begotten es una obra ante la cual es mucho más importante sentir que entender, hay que dejar de lado la lógica y dejarse llevar por su mundo de misteriosas imágenes. No hay que racionalizar nada de lo que vemos, sino abandonarse al mundo de sugerencias y abstracciones hipnóticas que se cruzan ante nuestros ojos sin más. Merhige busca conscientemente confundirnos y que nos sintamos incómodos con nuestra manera racional de pensar y nuestra tendencia a analizar e intentar entenderlo todo, de ahí que a la hora de visionar Begotten nos veamos forzados a cambiar nuestro enfoque y manera de sentir, desplazándonos hacia modos más cercanos al subconsciente y a nuestra parte más visceral y primitiva, para así convertir lo grotesco, feo y doloroso en algo hermoso. Merhige dijo que trabajaba desde un lugar en el que el lenguaje falla y donde el subconsciente comienza.
Begotten se caracteriza por el uso del blanco y negro granulado y rasposo, los contrastes entre luz y oscuridad, las imágenes rayadas, difusas y borrosas que no nos permiten captar conscientemente lo que vemos pero que son profundamente sugerentes y poéticas en otros niveles.
El trabajo de post-producción en el laboratorio fue ejemplar: por cada minuto de película Elias Merhige trabajó unas 10 horas para darle ese acabado arcaico, antiguo, como de película expresionista muda de los años 20 o un antiguo documental que hablase de ritos y civilizaciones olvidadas. Cada fotograma es una obra de arte, es una de esas películas en las que te sabe mal parpadear por miedo a perder algo importante durante esas décimas de segundo. El trabajo, a nivel visual, es absolutamente fascinante.
A pesar de ser un film sin diálogo y con un argumento hermético y abstracto que gira alrededor de diversos rituales de vida, muerte y renacimiento, la película engancha y seduce por su atmósfera onírica y sus paisajes de pesadilla donde los personajes se arrastran y convulsionan en un mundo de dolor, miedo y locura. Los elementos metafísicos y cosmológicos abundan en la película, y sus personajes son más bien símbolos y arquetipos universales cuya evolución responde a ritos sumergidos en el inconsciente colectivo durante miles de años.
La banda sonora adquiere una importancia fundamental para situarnos en el ambiente atemporal e irreal del film: sonidos en su mayoría naturales como gotas de agua, grillos, fuego, latidos de corazón, respiración, viento, acompañados en puntuales ocasiones por gélidas capas de teclados y drones. Esta combinación de música e imágenes fue cuidadosamente preparada para hipnotizar al público y afectar a su parte subconsciente y pre-racional: de hecho Merhige llegó a comentar que con esta película quería fundar un “género del Inconsciente”
Una obra que es necesario experimentar en carne propia, aceptando el desafío que supone verla y dejándose llevar por su desfile de imágenes delirantes y emociones primitivas.