SHINE interview

Hailing from from Poland, Shine are a power trio whose two albums so far (the Weednight EP from 2015 and their full-length entitled Moon Wedding from 2018) have been a pleasant surprise in the sometimes overcrowded and saturated modern psych / stoner / doom scene. Shine deliver a neverending flow of massive grooves and boiling riffs together with a lysergic and psychedelic atmosphere which gives them a special touch which is missing from the hundreds of retro-occult wanna-be bands that surround us. Kamil Baran (guitar / vocals) kindly answered our questions. Do yourself a favour and visit their bandcamp to listen to some quality stuff.

First, some general information about the band. When did Shine start playing? What's the current line-up? What are the main musical influences?

Kamil Baran: I don't really have a good memory for dates but it was around 2013/2014. I knew already Cichy, the bass player and we both played in some local bands: I, in Unipolar Manic Depressive Psychosis, Cichy in Moanaa. I think, that neither of us actually realized our artistic visions in these bands. In my case, UMDP was playing psychedelic music, which I liked for a long time, but what was missing was the sound of 70's bands like The Stooges, Led Zeppelin, Hendrix and of course, Black Sabbath. And besides of that, both I and Cichy just love doom. Our mutual interest in bands like Sleep or Electric Wizard caused us to do something more sounding like us.

Besides, I remember that during the times of Weednight I was playing on guitar Skippy James and I was listening to a bit to the Blues. On top of that, we all liked the album A Gilded Eternity from Loop which is a trance band, so the influences were very various.

Moon Wedding is closer to generic stoner doom with some psychedelic trips. The line-up is back to the initial trio – Me, Kamil Baran guitar and vocal, Damian Olearczyk, bass and vocal, Marcel Lekawa, drums.

In terms of equipment, I’m using mainly an old Gibson Les Paul which I’m connecting to a Fuzz Face and a "Jeff", a handbuild amp made by a local guy who specializes in this sort of equipment. 

You have recorded two albums so far: the Weednight EP in 2015 and the full-length Moon Wedding in 2018. What are the main differences between them? How has your sound evolved?

K. B.: The main difference is that the EP was recorded live in our rehearsal room and therefore has this special "live" feel on the recording. For Moon Wedding, we’ve recorded all instruments separately in the studio which makes it more sterile but also allowed us to achieve a heavier sound which you can hear especially on the main riff in “Honey”.

Now some questions about your latest album, Moon Wedding. I love the sound of the album. It's heavy, dense, crushing but it also has different textures and a psychedelic touch which creates a hypnotic atmosphere. What can you tell us about the recording process? What did you try to achieve in terms of sound?

K. B.: The process of recording itself did not take too long. The bass and drums were recorded in one day. Guitars took us two days. All the solos were recorded improvised and usually, the first take was the best, which is what Jimmy Hendrix used to say. In general, the recording of instruments doesn’t take much time. In terms of the hypnotic state which psychedelic music causes, this specific mantra, I always considered this as one of the most important aspects of the music I make. Playing and listening to such music is an experience like meditation, it has something liberating, very difficult to explain but I’m sure you know what I mean. In terms of the sound of the album, I really wanted to capture the heaviness of the riffs, without losing the “degraded” fuzz, lo-fi style, which will stay with us forever… And of course, as always, no modern tech, only analog warmth.

I see there is an obsession with the moon both in the title of your last album and in your artwork. Can you tell us why?

K. B.: Besides of the fact that the moon has an influence on life itself as on the calendar, which we are using, we react with the moon also as an element of the biosphere, which we are part of on this planet. But why he is so appealing, he knows probably best. The title song, which gives the title to the whole album refers to “Pan Twardowski” who is a legendary Polish sorcerer. He sold his soul to the Devil and among other things, was traveling with him to the moon. Personally, I believe that the moon is inhabited, but it’s a secret.

Your lyrics deal with the occult, witchcraft, the dark arts but also with hallucinatory visions and the use of drugs. Can you tell us more about them?

K. B.: My lyrics are about the desire to wake up, enlightenment, astral travel and about the permanent and tantalizing feeling of unhappiness and longing, which even in moments of apparent happiness is still inside, like an unhealed wound. Damian’s lyrics are about the stuff you mentioned, but he does not do interviews.

I think the album cover is great. It's mysterious, macabre and intriguing. What's the concept which lies behind that picture?

K. B.: I’m very glad, that you like it. I was trying to capture with this graphic the atmosphere of our music. Quite often you achieve “by accident” the desired outcome while working on artwork like that. You combine various elements until it all forms a whole which you know is what it should be. I did not have any predefined concept. It’s like with riffs, if you find the right one, it’s more like the riff found you rather than you him. This was the case with the album cover. I think, that it perfectly corresponds with the content. 

How is the Shine experience live in concert? I can imagine you guys must play quite a mind-blowing show.

K. B.: Hard to say. I always wanted to see a Shine gig as a spectator, but I hope, that it will not happen soon. : ) You would have to ask people in front of the stage. We do not play many gigs, maybe a few per year. You must see for yourself. We have some planned for the near future. In my opinion, each and everyone is a unique experience. I’ve been once in Spain and really liked it. You can invite us? : )

How important is the use of drugs in your creative process? Would Shine be the same without them?

K. B.: I think that my musical ideas do not have a connection to drugs, but on the other hand, they come from who I am, and without them, I would probably be someone else. 

Can you recommend some interesting bands from the current Polish scene?

K. B.: I rather listen to old music than follow the scene of today, but some time ago I really liked a gig of Ave Ceasar. Bands with whom we played, especially I liked always Voidsmoker, Black Smoke, Whalesong. 

Finally, is there anything else you would like to add?

K. B.: I would like to add that I’m very grateful for being interested in Shine. 

MEPHISTOFELES: "I'm Heroin" (2017)

Al escuchar a Mephistofeles me viene a la mente una de las primeras imágenes que se ven en la película “Faust” de Murnau, en la que vemos a un gigantesco diablo (Mefisto) que extiende sus alas negras sobre una indefensa ciudad para poco a poco ir cubriéndola en un manto de oscuridad, humo, pestilencia y caos. 

Esa misma sensación de paulatina asfixia y terror es la que producen las vibraciones tan siniestras que emite este “I'm Heroin” (2017). El disco sigue la estela de su debut de 2016 (“Whore”) aunque se percibe un claro progreso ya que el trío argentino suena ahora más compacto y engrasado, y la producción ha ganado quilates en cuanto a densidad, suciedad y calidez sonora. El disco suena tremendo, desde ese tétrico órgano que abre el disco y nos sumerge en la lisérgica marcha fúnebre de “Transylvanian Funeral” hasta “Into the Night”, tema que nos conduce con una demoledora jam session a la conclusión de este bad trip. Entre estas dos monolíticas composiciones, el resto de temas son una auténtica inyección letal de sonidos vintage empapados en ácido y paridos en una cripta subterránea, exploraciones obsesivas en búsqueda del riff perfecto, wah orgásmico, fuzz abrasador, riffs absolutamente gloriosos en lo que se refiere a suciedad y vicio, melodías increíblemente pegadizas y grooves adictivos, con unas letras y un artwork que transmiten una sombría visión de la vida que gira alrededor de la droga, el sexo bizarro y violento, el ocultismo, la misantropía, la marginalidad y la exploración de diversos tabúes sociales. Ahí siguen, cómo no, los ecos de Black Sabbath, Electric Wizard, Uncle Acid, Dead Meadow y artefactos similares, destilando la esencia del hard rock / heavy psych setentero junto a los elementos más alucinógenos del stoner rock y la densidad del doom, lo cual es muy de agradecer ya que hay gente que no nos cansamos de profundizar en ese sonido tan puro y tan eléctrico, y en ese sentido Mephistofeles son auténticos expertos. Su dedicación exclusiva al riff y a las atmósferas humeantes y perversas, unidos a una insultante juventud y descaro, hacen que el futuro del grupo sea más que prometedor.

Pero aquí no termina todo. Nos pusimos en contacto con Gabriel Ravera (voz y guitarra eléctrica en Mephistofeles) para que nos comentase algo más sobre lo que se esconde detrás de las piezas de este fantástico álbum, y esto fue lo que nos comentó sobre cada uno de los temas y la estructura del disco:

“Sin percibirlo, el disco se volvió un poco conceptual a medida que nos sumergimos en la composición de los temas.

Transylvanian Funeral nos sumerge directo en la entrada hacia un funeral vampírico, una caravana de drogas que culmina en los inmensos salones de los castillos más fríos y húmedos que Transilvania podría ofrecer. The Rogue es la leyenda de un profanador de tumbas que solía intrusarse en los pocos funerales que encontraba cerca, para corromper la armonía del sepulcro y así hurtar lo más preciado que este cuerpo pudiera ofrecer para obsequiarlo a las sectas que pertenecía. White Butterfly continúa la historia de "the rogue": presencia cómo cobra vida este cuerpo que acaba de profanar, despertando un odio y desprecio en él por la humanidad misma, lo cual procede a su autodestrucción como individuo. Trash Lord es el grito de este "no vivo" que no puede lidiar con el estado en el que se encuentra, el retorno del mundo de los no vivos, mientras pide a gritos a su ídolo que detenga esa tortura.

Heroin habla sobre que “the rogue” no era sólo un profanador de tumbas, más bien un asesino que se interesaba en jovencitas blancas. Su personalidad, era más que nada, la droga que terminaba acabando con ellas. Addicted to Satan es la oda y el único escape que queda para culminar la vida criminal y pedir por un poco de piedad a los ídolos propios sin la necesidad de ser juzgado por la decrépita humanidad. “Ya todo lo que queda en este mundo no es más que pútrido. Cuando algo ya no vale nada, sólo se descarta y se construye algo nuevo”.Into the Night es la llegada de la noche, internándose en los bosques más oscuros que puedan existir. A la luz de la luna, aguardando a morir ya con las venas de ambas muñecas vacías, se cierra toda esta obra con un viaje por la cabeza de “the rogue” que, con una pequeña copla funeraria, termina llevándose consigo el alma de los malditos.”

https://mephistofeles.bandcamp.com/

TOADLIQUOR

Putos Toadliquor. El santo grial del sludge norteamericano junto a Eyehategod y Grief. Estos tres grupos fueron la base del movimiento en la primera mitad de los 90, partiendo del patrón dejado por Sabbath y los Melvins para sumergirse en las profundidades de la alienación, la misantropía y el rollo chungo en todas sus variantes. Es difícil plasmar estas sensaciones en la música, pero el sludge es un género que lo consiguió a la perfección: un sonido deprimente, desagradable, supurante de rabia y mal rollo, reflejo de la parte más oscura de nuestra sociedad, de todos aquellos cuya existencia se ha visto superada por las circunstancias y ya sólo aspiran a sobrevivir un día más atrapados en un círculo asfixiante de soledad, abandono, miedo, incertidumbre y podredumbre física y moral. El grito obsceno de las mentes perturbadas y las almas torturadas, el alcohol bebido en la soledad de la madrugada, la sensación de que ya no le importas a nadie, puedes morir y mañana nadie te recordará.

Mientras Eyehategod y Grief sobrevivieron durante unos cuantos años y su discografía fue aumentando, el caso de Toadliquor es diferente ya que sólo grabaron un álbum (el mítico “Feel My Hate, The Power Is The Weight” en 1993) y un ep para desaparecer sin más, hasta que el sello Southern Lord les ofreció una más que merecida re-edición del disco en 2003 (con algunos temas extra), rebautizado como “The Hortator's Lament”.

Toadliquor no engañan a nadie, van a lo que van, y al que no le guste, pues ya lo sabe. Guitarras chirriantes nos azotan con lacerantes riffs de ácido sulfúrico mientras suena un desagradable zumbido de fondo (supongo que es el bajo) y la percusión quebrantahuesos avanza a paso de mamut marcando los ritmos con parsimonia funeral. Los riffs son lentos y aplastantes hasta la desesperación, con cierta tendencia al caos y a la cacofonía, hay veces que esos tempos tan terminales parece que vayan a derrumbarse y el grupo se vaya a sumir en el ruido más absoluto pero de repente, no se sabe cómo, vuelven a resurgir para continuar agonizando un poco más, eso sí, reptando por las cloacas más sucias. Y esa voz, ese grito desnudo y visceral, salido de las entrañas calientes de un ser humano sumido en la miseria y la confusión. La voz se convierte en un instrumento más al servicio de esta infernal máquina de disonancia y feedback. Imposible entender lo que dice, pero conforme grita imagino que no debe ser nada agradable. Un ejercicio de exorcismo interior y comunicación primitiva más allá del lenguaje.

Es preocupante saber que hay gente que en su sótano o en el local de ensayo compone y graba esta música. Y más preocupante es pensar que después hay gente que lo escucha en sus casas. Cuánto vicio, cuánta degeneración. Esto no tiene arreglo.

UNSANE: "Wreck" (2012)

Una reseña escrita por Kawalero.

Toda una tropelía desde el contenido noise-rock hasta esa portada tan particularmente desagradable (en su onda, vamos). Se genera un vicio insano con esa suciedad de guitarras y la percusión a veces medio tribal, un reflejo de un hogar perdido en alguna montaña nevada donde encontramos confort del tremendo frío exterior dentro de una destartalada cabaña, llena de suciedad por todas partes, recibiéndonos nuestro chucho piojoso entre un hedor que hemos hecho nuestro. Nos recostamos y sonreímos con nuestros cuatro dientes sucios, al fin y al cabo mejor aquí que fuera, un hogar es un hogar.

GRIEF

HASTA LOS HUEVOS DE TODO

Grief fueron uno de los pilares fundamentales del sludge norteamericano de los años 90 junto a Eyehategod. Pero fueron Grief los que llevaron el sonido Sabbath/Melvins/Vitus a un callejón sin salida: riffs amargos, grasientos, disonantes y horribles que nos machacan el cuerpo sin compasión. Las guitarras aúllan como animales moribundos, el sonido de bajo es inmenso, la batería sencilla, al grano, aplastando los ritmos sin complicación. No hay groove ni melodías a las que aferrarse, al contrario, los riffs suenan como fracturados, asimétricos, los cambios se producen en el momento más inesperado, las estructuras están rotas, lo cual hace que la escucha sea más cerebral e incluso desagradable en ocasiones (pero ahí reside su encanto).

En la primera mitad de los 90 Grief grabaron clásicos como “Come to grief” y “Miserably ever after”, sonido grave, riffs lentos y narcolépticos hasta la desesperación, oleadas de ruido, distorsión y feedback incendiario acompañados de una batería en plan martillo-yunque, y una voz que escupe asco y náusea a traves de sus textos a lo Bukowski pero en plan terminal. En la segunda mitad de los 90 llegaron “Torso” y “...And man will become the hunted” donde perfeccionan su estilo, sin grandes cambios, pero con un sonido algo más limpio, crujiente y aplastante, lo que ofrece más matices al sonido Grief. Nada de virtuosismo musical, simplemente cuatro tíos vaciando sus entrañas y expulsando lo peor de sí mismos de la manera más salvaje posible. Las voces de Jeff Hayward, rasposas y chirriantes, más cercanas al grindcore que al metal, suenan convincentes: es difícil cantar este tipo de cosas de otra manera, hay que gritar, vomitar toda la bilis, notar como le hierve la sangre al cantar cada una de las estrofas (y al oyente tres cuartos de lo mismo).

Sus letras eran auténticos himnos a la soledad, la desesperación, al aislamiento emocional, a la renuncia. Existencialismo para clases obreras, sin sistemas filosóficos ni conceptos abstractos. Letras sinceras, sencillas, sin artificio, expresando el dolor de un hombre vencido por las circunstancias que le rodean, traicionado, abandonado, humillado, fracasado, recurriendo a la droga y al alcohol como única salida al caos en el que está envuelto. Esto no es poesía, no es literatura, es simplemente la crónica de una derrota.

Temas como “Lifeless”, “Hate grows stronger”, “I hate you”, “Down in the dumps again”, “Low life”, “Falling apart” y tantos otros van cayendo lentamente, rezumando odio y rabia por los altavoces mientras una ola de calor viscoso nos envuelve, nuestro cuerpo está tensionado al máximo y notamos como el sudor es expulsado por cada uno de nuestros poros. La experiencia de escuchar y vivir la música de Grief nos deja exhaustos, al igual que ocurre con Swans, Khanate o Godflesh. La catarsis que provoca en el oyente nos deja limpios, tras asomarnos al abismo tenemos más claridad de ideas, listos para sobrevivir en esta jungla otro día más.

Unsane

La música de Unsane es perfecta para esos días raros que tengo de vez en cuando. Días en los que vas en el tren y sientes la necesidad de agredir a los pasajeros. O caminas por la calle y piensas en escupir a los transeuntes. O tal vez conduces el coche y durante un segundo sientes la tentación de estrellarte contra el primer vehículo que te encuentres de cara.

En esos momentos disfrutas con su música, que transpira mal rollo por los cuatro costados. Un grupo que machaca riffs aplastantes con una mala hostia del carajo. Un sonido caliente, vicioso, espeso, sucio, oscuro, con un Chris Spencer que más que cantar se dedica a gritar, aullar y maldecir a todo lo que se menea, vomitando su bilis y su asco sobre nuestros sentidos, mientras una base rítmica en plan hormigonera de cemento / martillo neumático (un batería que machaca sus ritmos sencillos y aplastantes, un bajo grueso y crepitante) acompañada de un crujiente sonido de guitarra aplican terapia de electroshock a nuestros nervios. Unsane llevaron su simple y básico concepto musical al límite, hasta las últimas consecuencias, creando un rock and roll tenso, crispante y amenazador, trabajando con niveles de volumen, intensidad y saturación avasalladores, como tiene que ser. Sin trampa ni cartón ni ornamentos inútiles: tres tíos sacando todo lo que llevan dentro y punto. La esencia del rock and roll: un power trio excitante y peligroso, sin medias tintas. Como rascar una pared con las uñas hasta sangrar.

Surgidos en Nueva York en 1989, el trío cimentó una legendaria reputación a través de conciertos salvajes en los antros más sórdidos imaginables y unos discos que bebían de la brutalidad de los primeros Swans, el delirio misantrópico de Big Black, la suciedad y contundencia del punk, las frecuencias graves de Black Sabbath, la energía del hardcore, los ritmos chirriantes y obsesivos de la música industrial, todo ello en una mezcla de post-hardcore-metal-noise increíblemente violento y agresivo. Fueron relacionados desde un principio con la sección más extrema de N.Y., es decir Swans, Foetus, Sonic Youth, Cop Shoot Cop y similares energúmenos. Las controvertidas portadas de sus álbumes así como los textos (“Urge to kill”, “Exterminator”, “Body bomb”, “Streetsweeper”, “Sick”, “Blame me”, “Vandal X”...) van en la onda de lo que cabría esperar de unos degenerados como estos: violencia, odio, frustración, paranoia, asesinos en serie, etc. Música peligrosa para gente peligrosa. La perfecta banda sonora para las noches de insomnio de Travis en “Taxi Driver”.

Tuvieron problemas para encontrar su nicho en los 90: demasiado macarras para la audiencia metalera standard y demasiado salvajes para el público grunge del momento, así pues tuvieron que moverse en los márgenes del circuito musical establecido. En 1993, en plena eclosión grunge, las discográficas comerciales iban desesperadas buscando grupos de la escena underground con la intención de aprovechar el filón de Nirvana. Matador, el sello en el que militaban Unsane en aquella época y con el que habían editado su primer álbum en 1991 (“Unsane”), fue absorbido por la multinacional Atlantic. Así pues su segundo disco, “Total Destruction”, fue editado en 1993 por una multinacional. Y pasó lo que tenía que pasar, y es que Unsane no son Nirvana ni Soundgarden y su música no es tan fácil de vender. Ahí terminó su aventura con las multinacionales, con dos cojones, por la puerta grande. Para muestra un botón: en pleno apogeo de la MTV los de Atlantic les pidieron un videoclip promocional, y Unsane, con un par de huevos, les presentaron un video que difícilmente podía ser emitido por la televisión comercial: eligieron “Body bomb”, y grabaron un videoclip en el que se ve a una persona preparando un atentado contra las torres gemelas de NY, cargándose de explosivos, yendo para allá y detonándolos. Sin contemplaciones. Imagínense las caras de los directivos de Atlantic y del americanito medio.

En 1992 su batería Chris Ondras murió de sobredosis, y fue sustituido por Vincent Signorelli (ex-Swans) iniciando una segunda etapa del grupo: los temas se ralentizaron y ganaron en violencia e intensidad. “Scattered, Smothered and Covered” (1995) o “Occupational Hazard” (1998) se convirtieron en discos de referencia en la música más salvaje de los 90.

El grupo se disolvió temporalmente en 2000, para volver en 2005 con “Blood run” y en 2007 con “Visqueen”, dos álbumes que siguen la misma onda de siempre, sin sorpresas, con el sonido marca de la casa destrozando tímpanos y nervios.

Unsane es y será para siempre la música surgida de los bajos fondos de Nueva York: navajazos, ajustes de cuentas, cuerpos en el suelo acribillados a balazos o atropellados por coches, delincuencia, sirenas de policía y ambulancias a toda hostia, prostitución, polvos de mala muerte echados en callejones sucios que huelen a meados, con el suelo lleno de condones pisoteados, compresas sucias y jeringas usadas, todavía con sangre, suicidios en habitaciones decrépitas, las calles oprimidas por gigantescos bloques de edificios, el vértigo, la alienación y la soledad en la gran manzana, el miedo al fracaso, el darse cuenta de que no se puede caer más bajo, la necesidad de hacer daño, de matar, de matarse, de acabar con todo de una puta vez.

Una realidad que, si miramos con atención, quizás no esté tan lejos como pensamos.

EYEHATEGOD

Eyehategod son los proveedores oficiales de misantropía de Nueva Orleans, U.S.A. Formados en 1988 por miembros de diversos grupos hardcore de su zona, el objetivo inicial del quinteto fue destrozar almas, mentes y corazones con una música que combinaba los riffs primigenios de Black Sabbath y Saint Vitus, la densidad de los Melvins, la energía de Black Flag, el sonido arrastrado del doom y la rabia del hardcore y el punk. Todo esto con unos ritmos lentísimos, con una atmósfera oscura y amenazadora y aderezado con una buena dosis de alcohol, drogas, auto-odio, alienación, depresión y violencia. Un sonido peligroso, sórdido, pero muy excitante. Profetas del fin del mundo, abanderados de la degeneración moral de la sociedad, violadores del sueño americano y de todos los sueños en general. Música hecha por marginados sociales para marginados sociales. A esta propuesta sonora se le llamó “sludge”, y Eyehategod fueron los principales exponentes del género junto a sus compatriotas Grief, creando así un estilo que influyó a infinidad de bandas posteriores como Bongzilla, Iron Monkey o Electric Wizard, y ya en España a grupos como Moho o Lords of Bukkake.

A lo largo de sus discos, las guitarras de Jimmy Bower y Brian Patton y su afinación gravísima recogen los ecos de Tony Iommi, Randy Holden y el Hendrix más incendiario, pero llevando su sonido al límite de las bajas frecuencias. Su muralla sónica nos oprime y asfixia a través de unos riffs agónicamente lentos pero cargados de tensión y electricidad. El feedback y los acoples siempre fueron parte fundamental del sonido Eyehategod, elementos a los que recurrieron insistentemente en cada una de sus canciones. Porque además del sonido de los riffs, los guitarristas buscaban constantemente el feedback no como algo accidental sino de manera consciente, como una parte más de la atmósfera electrificada de sus temas. Además de los riffs ralentizados y oscuros el grupo siempre tuvo cierto aire blues e influencias del southern rock, saliéndose de la ortodoxia sludge/doom para adentrarse a veces en ritmos con swing e incluso pegadizos, todo ello empapado en litros de alcohol y sustancias alucinógenas, y sin perder ni un ápice de su brutalidad. La base rítmica suena fluida mientras el batería Joe LaCaze martillea con contundencia en los pasajes lentos y se descontrola en los contados momentos en los que el grupo se acelera y ataca riffs cercanos al hardcore. El vocalista Mike Williams vomita sus textos con rabia mientras supura bilis por la boca y se destroza la garganta sin piedad. Sus gritos, desgarradores y chirriantes, le salen del estómago y a veces de un poco más abajo. No se puede entrar aquí en consideraciones sobre si esto es cantar o no, aquí de lo que se trata es de expresar rabia, odio, frustración, agresividad, y el tío lo hace de manera sincera y convincente. Sus textos, de clara inspiración Bukowskiana, insisten una y otra vez en los mismos temas: soledad, depresión, alcohol, drogas, confusión, miedo, paranoia, angustia, violencia, frustración, asco, auto-destrucción, relaciones fracasadas, aislamiento... Todo ello desde una perspectiva desengañada, irónica y con un sentido del humor negro y políticamente incorrecto.

Eyehategod debutaron en 1992 con “In the name of suffering”, su disco más corrosivo, crudo y brutal. Ya estaban aquí todos los elementos que caracterizaban al grupo, riffs Sabbathianos combinados con la rabia del hardcore, sonido deprimente, mala hostia, atmósfera oscura y sucia, cantidades intolerables de feedback, pero en un estado más primitivo y salvaje que en posteriores trabajos. A destacar temas como “Depress”, “Man is too ignorant to exist” o “Children of god”. La presentación del disco, como siempre ha sido habitual en ellos, estaba muy cuidada: fotografías abundantes de material quirúrgico, operaciones, ejecuciones públicas, indigentes, supervivientes de catástrofes, edificios en ruinas, cuerpos heridos, radiografías, imágenes religiosas descontextualizadas, etc.

Su segundo disco fue “Take as needed for pain”, de 1993, para muchos su mejor álbum. Grabado en el decimotercer piso de unos grandes almacenes abandonados, su sonido es más compacto y denso que en su debut, y las composiciones suenan increiblemente fluidas, conservando su aire viscoso, hostil, opresivo y arrastrado pero con más ecos del southern rock y con algunos riffs setenteros absolutamente gloriosos. Durante la grabación del disco el cantante vivía en la indigencia ya que su novia lo había echado de casa y este se vió obligado a residir en una habitación abandonada y ruinosa encima de un club de strip-tease, lo cual le da un sabor más sórdido a la ya de por sí desgarradora y salvaje interpretación. Títulos como “Sisterfucker”, “Disturbance” o “Crimes against skin” hablan por sí solos.

El tercer trabajo de Eyehategod se publicó en el año 1996 y se titulaba “Dopesick”, esta vez con el capo Bill Anderson a los controles. Más de lo mismo: sludge increiblemente guarro, sucio, violento, agónico, enormes riffs pseudo-southern obscenamente pegadizos y niveles de distorsión y feedback mortales. Las sesiones de grabación fueron caóticas: consumo de alcohol y drogas, todo tipo de accidentes y un comportamiento tan salvaje que los propietarios del estudio llamaron a la discográfica para advertirles que si el grupo no moderaba su actitud les expulsarían de allí y el disco lo terminaría de grabar su puta madre, aunque al final no llegó la sangre al río. Temas como “Ruptured heart theory”, “Non-conductive negative reasoning”, “Lack of almost everything” o “Zero nowhere” son auténticas declaraciones de intenciones.

En 2000 salió el que hasta la fecha es su último disco, “Confederacy of ruined lives”, con un sonido más limpio y pulido en comparación con anteriores trabajos (dentro de lo limpios que pueden sonar Eyehategod) y con un aire todavía más bluesero y southern rock, aunque sin alcanzar el nivel de sus anteriores clásicos. Además de esto el grupo ha editado algunas recopilaciones de singles, rarezas, directos y temas inéditos y sus diversos miembros han colaborado en diversos proyectos interesantes pero que no han llegado a la intensidad de Eyehategod. Mencionar también que el vocalista Mike Williams tuvo serios problemas de adicción a la heroina lo que le condujo incluso a la cárcel durante unos meses en 2005 por posesión ilegal de sustancias estupefacientes. Según parece solucionó su problema tras salir en libertad. Ahora sólo queda esperar y ver cómo evoluciona el grupo después de esta azarosa y caótica existencia, aunque está claro que con ellos la bronca está asegurada.

Moho: Chotacabra

Tercer disc dels madrilenys Moho, un disc en el que continuen aprofundint en la seva música
pesada, densa i espesa, on els riffs àcids, les guitarres incendiàries i la contundent base
rítmica, marca de la casa, continuen perforant els timpans dels aventurers que viatgen pels
surcs d'aquest vinil (per cert, un vinil bellissim de 180 grams i amb carpeta doble).
El so de Moho mai ha sigut net i polit sinó tot el contrari: sempre han sonat molt bruts i
salvatges, però en "Chotacabra" han embrutat més encara el seu so, una mescla entre els
primers Black Sabbath, Motörhead i Hellhammer, amb molts ecos doom, stoner
i sludge però amb un toc molt punk, molt garatger en ocasions. Gravat en unes
poques hores, les cançons es mouen amb fluïdesa, el grup sona compacte i
es nota que s'entenen a la perfecció, la qual cosa li dona al disc un so orgànic, natural,
pur. Absolutament recomanat per a les persones amants de le música de guitarres
més brutal i salvatge.