Para volverse loco, psicodelia noise con base rítmica tribal que no por ello deja de frecuentar visitas al club de baile de ciudad. La voz es de Daniel Martin-McCormick, aunque parezca más la cantante de un grupo de riot grrrl sufriendo desvaríos hormonales. La capa de sonido te atrapa en una espiral de mugre, hipnotismo y efusión incontrolada. No importa que la vida sea una mierda, me ensucio, y con ella encima, mis impulsos me hacen saltar y vibrar. El resultado de una genética trasnochadora.
Begotten, estrenada en 1991, es uno de esos raros casos en los que el cine trasciende las fronteras del género para convertirse en una obra de arte en sí misma, dejando de lado categorías estéticas.
Grabada a lo largo de 4 años y dirigida por Elias Merhige, Begotten es una de las películas más importantes y radicales del cine experimental contemporáneo.
Una pesadilla transformada en celuloide cinematográfico, con sus propias reglas, códigos y lenguaje audiovisual, a los que debemos someternos y entregarnos si queremos disfrutar de la experiencia.
Begotten es una obra ante la cual es mucho más importante sentir que entender, hay que dejar de lado la lógica y dejarse llevar por su mundo de misteriosas imágenes. No hay que racionalizar nada de lo que vemos, sino abandonarse al mundo de sugerencias y abstracciones hipnóticas que se cruzan ante nuestros ojos sin más. Merhige busca conscientemente confundirnos y que nos sintamos incómodos con nuestra manera racional de pensar y nuestra tendencia a analizar e intentar entenderlo todo, de ahí que a la hora de visionar Begotten nos veamos forzados a cambiar nuestro enfoque y manera de sentir, desplazándonos hacia modos más cercanos al subconsciente y a nuestra parte más visceral y primitiva, para así convertir lo grotesco, feo y doloroso en algo hermoso. Merhige dijo que trabajaba desde un lugar en el que el lenguaje falla y donde el subconsciente comienza.
Begotten se caracteriza por el uso del blanco y negro granulado y rasposo, los contrastes entre luz y oscuridad, las imágenes rayadas, difusas y borrosas que no nos permiten captar conscientemente lo que vemos pero que son profundamente sugerentes y poéticas en otros niveles.
El trabajo de post-producción en el laboratorio fue ejemplar: por cada minuto de película Elias Merhige trabajó unas 10 horas para darle ese acabado arcaico, antiguo, como de película expresionista muda de los años 20 o un antiguo documental que hablase de ritos y civilizaciones olvidadas. Cada fotograma es una obra de arte, es una de esas películas en las que te sabe mal parpadear por miedo a perder algo importante durante esas décimas de segundo. El trabajo, a nivel visual, es absolutamente fascinante.
A pesar de ser un film sin diálogo y con un argumento hermético y abstracto que gira alrededor de diversos rituales de vida, muerte y renacimiento, la película engancha y seduce por su atmósfera onírica y sus paisajes de pesadilla donde los personajes se arrastran y convulsionan en un mundo de dolor, miedo y locura. Los elementos metafísicos y cosmológicos abundan en la película, y sus personajes son más bien símbolos y arquetipos universales cuya evolución responde a ritos sumergidos en el inconsciente colectivo durante miles de años.
La banda sonora adquiere una importancia fundamental para situarnos en el ambiente atemporal e irreal del film: sonidos en su mayoría naturales como gotas de agua, grillos, fuego, latidos de corazón, respiración, viento, acompañados en puntuales ocasiones por gélidas capas de teclados y drones. Esta combinación de música e imágenes fue cuidadosamente preparada para hipnotizar al público y afectar a su parte subconsciente y pre-racional: de hecho Merhige llegó a comentar que con esta película quería fundar un “género del Inconsciente”
Una obra que es necesario experimentar en carne propia, aceptando el desafío que supone verla y dejándose llevar por su desfile de imágenes delirantes y emociones primitivas.
