Art Bears

Art Bears fueron sin ninguna duda uno de los mejores grupos del rock progresivo europeo de finales de los años 70. Surgidos de las cenizas de otro grupo mítico como fueron Henry Cow, Art Bears funcionaron con un formato básico de trío formado por dos de los músicos más destacados de la escena experimental moderna: Chris Cutler y Fred Frith, acompañados por la vocalista Dagmar Krause. El grupo sólo grabó tres álbumes y dió unos pocos conciertos durante su corta existencia (1978-1981), pero su influencia en el rock más vanguardista e iconoclasta fue innegable.
A pesar de ser encasillados en la categoría de “rock progresivo”, Art Bears fueron mucho más que eso y se salieron de los moldes pre-establecidos del género, aventurándose por caminos menos transitados y poco convencionales. El grupo fusionaba los aspectos más radicales del rock progresivo (Henry Cow, Magma, The Mothers of Invention, Univers Zero) con elementos procedentes del free-jazz, de la música contemporánea (ecos de Messiaen, Stravinsky, Bartok y Schoenberg), del folk menos tradicional, de la improvisación, etc. El resultado era una música altamente compleja y técnica pero directa, con muchísima pegada e intensidad, un sonido denso, disonante, ecléctico, a veces muy oscuro y en otros momentos bellísimo, en ocasiones frágil y delicado y en otros momentos agresivo y violento.
Art Bears grabaron su primer disco en 1978, se trata del antológico “Hopes and fears”, un disco oscuro, misterioso, insondable, compuesto por una serie de piezas laberínticas que acumulan unos niveles de intensidad y amenaza considerables. La riqueza de la instrumentación hacía que el grupo sonara a veces como una pequeña orquesta de cámara interpretando pequeñas piezas expresionistas (algo que se denominó “chamber rock”) ya que, además de la aportación de la exquisita Dagmar Krause, del genial percusionista Chris Cutler (batería acústica, eléctrica, percusión, cintas pre-grabadas, ruido) y del multi-instrumentista Fred Frith (guitarras, bajo, piano, violín, viola, xilófono, teclados, ruido) el grupo contó con la colaboración de otros músicos de la escena más vanguardista del momento como Lindsay Cooper, Tim Hodgkinson, Georgie Born, Peter Blegvad o Marc Hollander. Música de cámara, sí, pero con muchísima pegada.
Su segundo disco fue “Winter songs”, de 1979, ahora como trío, sin ninguna colaboración externa. El sonido de este álbum es más espartano, más directo, más básico, sin tanta ornamentación como “Hopes and fears”, pero manteniendo toda la calidad y el sonido ecléctico típico del grupo. Una vez más, canciones sombrías, inquietantes, tensas, y con un trabajo de estudio espectacular (cortesía del técnico de sonido Etienne Conod, quien grabó los tres discos del grupo y que supo extraer a la perfección todos los matices de su sonido). Las letras, de carácter existencial, solemne y contemplativo, están basadas en distintos grabados de la catedral de Amiens. Ya lo indica el título del disco: “Canciones de invierno”, o sea, canciones para el frío físico y espiritual, la introspección, la duda, la extinción.
Su tercer y último disco fue “The world as it is today”, de 1981. Este fue su trabajo más radical tanto a nivel estético como ideológico. Su música sonaba más densa, cruda y desafiante que nunca, y las letras expresaban, en un tono apocalíptico, una durísima crítica a la sociedad moderna, al sistema capitalista, a los políticos corruptos, a la burocracia, todo ello desde una perspectiva revolucionaria y mostrando solidaridad con las clases trabajadoras explotadas, con los oprimidos, con los más desfavorecidos. No hay que olvidar que tanto Art Bears como su anterior encarnación, Henry Cow, fueron grupos políticamente muy comprometidos con la izquierda más radical y revolucionaria, y este disco es un claro ejemplo de ello.
El grupo se disolvió ese mismo año, pero sus tres miembros (Frith, Cutler y Krause) continuaron creando música tanto en solitario como en distintos proyectos y colaboraciones, continuando con una trayectoria admirable que se extiende hasta nuestros días.

COME

     Formados en Boston en 1990 continuarían sus andanzas hasta el año 1998. Thalia Zedek (guitarra,voces) y el ex-Codeine Chirs Brokaw(guitarra,voces) son los dos máximos representantes de la formación. En sus inicios se encontraban también Arthur Johnson en la batería y Sean O'Brien al bajo, pero abandonaron el grupo después del segundo trabajo de Come (Don't Ask Don't Tell) para seguir sus propias inquietudes. 
  Con Eleven eleven debutaron en 1992 con esa portada histórica que resulta tan misteriosa; una silueta se percibe en una oscuridad azulada en lo que parece ser un sillón, con una especie de imagen capturada en diferentes exposiciones, bien de algunas hojas de algún libro o el revoloteo de unas alas de paloma (¡diantre estoy aquí mirando el vinilo y aún así no lo puedo dilucidar!). El contenido de 11:11 si va a la zaga de la imagen del disco, las guitarras intensas y sucias acompañan a la desgarrada interpretación de Thalia Zedek, un reflejo del abismo personal en que se encontraba inmersa en esos momentos. Enganchada al tabaco hasta tal punto que la mayoría de las veces finalizaba sus cigarros sin quitárselos ni una sola vez de la boca, adicta a la heroína , “coqueteo” con las demás drogas y a la postre lesbiana, desde luego que no representa la imagen que América quiere dar al mundo de sus mujeres. No solamente sonaba a rock impetuoso, alternaba con movimientos lentos típicos del slowcore dando como resultado una tensión acrecentada que exacerbaba aún más los tormentosos tiempos de guitarra.
  En 1994 publican Don't Ask Don't Tell donde siguen la línea del anterior trabajo pero resultando más homogéneos en su contenido, las subida y bajadas de intensidad dan paso a una un tupido guitarreo de medios tiempos, no resulta tan agónico como su primer trabajo pero si se puede perderse uno dentro de él ( vamos, como si fuera el The White Birch de Codeine pero dejando a parte el sabor slowcore) .

  Near Life Experience se edita en 1996 y colaboran en el mismo diferentes músicos de la talla de Mac McNeilly de Jesus Lizard o John McEntire de Tortoise. Es el disco más corto de su trayectoria (apenas 33 minutos) , pero expresa toda la parte más furiosa de Come como ningún otro, algunas canciones rozan el hard-rock, a mi gusto el mejor que tienen, pequeñito pero matón. 
  Su último trabajo aparece en 1998, el extenso Gently, Down the Stream donde superan la hora de duración. Esta obra póstuma se presenta como un resumen de todo lo que ha sido Come, en él encontramos un poco de todas las características comentadas de sus anteriores discos. 

  Los proyectos que surgieron tras la disolución del grupo fueron más que interesantes, por una parte Chirs Brokaw se unió con Matt Kadane y Bubba Kadane (ex-Bedheads) para formar The New Year, que ahonda en el sonido más clásico del slowcore. Por la otra parte Thalia Zedek se aventuró en una carrera en solitario que se acerca algo más al sonido originario de Come que el grupo de su antiguo compañero. Los dos más que recomendables.

Submerge (Eleven eleven):

The Pop Group

Anem a deixar clares les coses: The Pop Group no era un grup de música pop sino que feien rock experimental incendiari i ferotge. Anem a deixar clares les coses: The Pop Group no era un grup convencional a la seva época sino que eren únics, inimitables, irrepetibles. Anem a deixar clares les coses: The Pop Group era un grup absolutament radical i revolucionari a nivell ideològic, per tant si et pensaves que Rage Against the Machine estaven concienciats políticament et recomane que revises les lletres de The Pop Group.
The Pop Group es van formar al 1978 (ara fa 30 anys) a la ciutat anglesa de Bristol. Ells formaven part d'una generació de grups (P.I.L., Wire, This Heat, Gang of Four, Magazine i tants altres) als que a finals dels anys 70 es va encasellar sota el nom de post-punk, és a dir, agafaren la base del punk (energia, soroll, adrenalina, simplicitat, inconformisme) però ho van transformar i ampliar, afegint elements més variats i innovadors, intentant superar les limitacions d'un gènere que consideraven desgastat i sense sortida. The Pop Group només gravaren 3 albums en els seus 3 anys d'existència: “Y” a 1979, “For how much longer do we tolerate mass murder?” a 1980 i “We are time” també a 1980. Anys després va sortir una recopilació anomenada “We are all prostitutes”. Curta existència i curta discografia, però suficient per a deixar una marca fonamental en la història del rock més avançat.
El grup mesclava l'energia i la força del punk amb els ritmes frenètics, convulsos, sincopats, heretats del funk i el dub, i afegint una mica de free-jazz, caos i experiments sonors. El so de les guitarres era corrosiu, estrident, similar al de “Trout Mask Replica” del Captain Beefheart però passat pel filtre d'Ornette Coleman i el Miles Davis més elèctric dels 70. La base rítmica formada pel baix i bateria es movia convulsament a través d'estructures sonores sincopades i angulars. Mark Stewart es deixava la gola cridant les seves lletres, autèntiques proclames incendiàries. El so del grup era espontani, caòtic, imprevisible, dissonant, excitant, intens al màxim.
The Pop Group creien fervorosamenten la funció social i revolucionària de l'art: es veu clarament a les seves lletres i al treball artístic (portades de discos, posters, collages, etc.) Eren un grup compromés políticament, i les seves lletres eren dures crítiques a la societat actual, atacs directes al capitalisme, a les institucions, a l'autoritat, a l'abús de poder i la corrupció de les classes dominants. Els seus missatges ens instaven a pensar i actuar pel nostre propi compte, a ser conscients del nostre propi potencial, a no seguir a cap líder, a questionar-nos les idees, normes i regles preconcebudes. Els seus textos ens oferien enormes dosis de rebel·lió, idealisme i utopia. Ens ensenyaven coses com que l'escapisme no és llibertat, que ens hem d'alliberar pels nostres propis mitjans, que si no prenem part en la lluita ens convertim en simples espectadors que sense saber-ho estàn de part dels opressors, i que no hem de vendre els nostres somnis a cap preu.
En definitiva, foren un grup que va combinar experimentació sonora amb compromís social, deixant clar que art i revolució poden conviure amb grans resultats.

UN PAR DE PROPUESTAS PARA EL LOGO DE LA REVISTA QUE EDITAREMOS PROXIMAMENTE EN PAPEL.
VOTAD O PROPONED OTRAS.

DR. JOHN - Gris-gris (1968)

    Su verdadero nombre es Malcolm John Rebennack Jr y nace en Nueva Orleáns en 1940. La música siempre fue su principal devoción (desde muy jovenzuelo trabajaba vendiendo discos) y con el paso del tiempo acabaría por ser también su medio de subsistencia. Durante años trabajó como multi-instrumentalista, músico de estudio y productor. Ante todo se sentía guitarrista , pero en los años sesenta haciendo el tontito con un arma, un tiro fortuito le dejó un dedo inhabilitado, así que decidió por fuerza mayor pasarse a otro instrumento como finalmente fue el piano. Con el paso del tiempo ha llegado a colaborar en álbumes de gente tan diversa como B.B. King, Albert Collins, Aretha Franklin, los Rolling Stones, Carly Simon y Van Morrison entre otros.


  Gris-gris es editado en 1968, y se empapa principalmente de la singular cultura africana que se refleja por las calles de Nueva Orleáns, seguido por la psicodelia imperante, el blues y el jazz. Su comunión con la cultura del lugar que le dio a luz es total, no solo se restringe a facetas meramente musicales, si no también espirituales. Estudió guitarra con un profesor que era también predicador y le llevaba a recorrer las iglesias del lugar : “ Se escuchaban spirituals pero también candomblé, y todo eso convivía armónicamente. Nunca me he ligado con alguno de esos cultos en especial, pero sí puedo asegurarte que allí hay saberes”. Todo estas influencias de elementos de diversa índole son asumidos por el Dr John como una “combinación muy extraña e interesante”. Y es que en gris-gris podemos ver plasmado todas esa influencias , eso sí , además de ser desde una perspectiva autobiográfica e interiorista , esta también filtrada por el humo del cannabis. Las drogas serían un problema para el Dr. , tras años de adicción a la heroína consiguió zafarse del asunto según refleja en su autobiografía Under a Hoodoo Moon, editada en 1994. 

  Aquí os dejo dos canciones incluidas en gris-gris:

Jump Sturdy




Mama Roux

ACCIONISMO VIENES .PARTE I.

Movimiento que aparece a principios de los setenta Y que intentó revelar en el arte el componente anarquista de la vida. Armados con la vasta tradición por el psicoanálisis que hay en Viena ,pretendían liberar los impulsos subsconcientes o reprimidos de agresividad ,liberándolos en una especie de teatro orgiástico donde se rompia la frustración convencional causada por los tabues sexuales ,entre otros. En una epoca donde aparecen en Europa corrientes como el freudomarxismo ,las teorías de Marcuse o Fromm y el psicoanálisis social, el accionista vienés materializa en su obra la recuperación del subsconsciente colectivo utilizando el arte como una función liberadora para el cuerpo ,con el dolor como catalizador. La primera parte de una serie de artículos sobre este movimiento se va a centrar en Hermann Nitsch ,artista que oficia ceremonias en las que el desenfreno orgástico es primordial. Según él, "el hombre solo puede alcanzar su conciencia plena en el recorrido experimental del desbordamiento dionisiaco de los instintos". Sus happenings se conciben como una expresión desenfrenada de fantasía sadomasoquista ,sus rituales consisten en el despellejamiento de cadáveres de terneros y toros por parte de sus acolitos que entre alaridos rítmicos consiguen alcanzar la regresión al estado primitivo del hombre. Así comienza la acción orgiástica del desgarro, se arrancan las entrañas entre vapores y cantos litúrgicos que culmina con la crucifixión del astado y conforme finaliza el proceso de destripamiento tiene lugar simultáneamente el súbito despertar traumatizante desde el éxtasis al estado consciente. Aqui podeis ver un fragmento de su obra http://www.ubu.com/film/nitsch.html

Coum Transmissions

Coum Transmissions fue un colectivo inglés dedicado a la performance y al arte de acción y que estuvo activo desde 1969 hasta 1976. El grupo se componía originalmente de Genesis P-Orridge y de Cosey Fanni Tutti, miembros fundadores alrededor de los cuales se movían los otros integrantes del grupo, que entraron y salieron en distintas épocas. El grupo era heredero del Accionismo Vienés y de la facción más radical del Dadaismo. Sus performances eran espectáculos extremos y confrontacionales al máximo, e incluían elementos como auto-mutilaciones, sado-masoquismo, pornografía, derramamiento e ingestión de líquidos corporales de todo tipo, fetichismo, ocultismo, violencia, monólogos, música de carácter ruidista, atonal y tribal sonando a volúmenes ensordecedores, etc. Coum Transmissions combinaba elementos intelectuales con otros que rayaban lo ilegal, lo criminal, todo aquello que se considera “tabú”por las mentes bienpensantes. Su propósito nunca fue ensalzar la violencia gratuita sino cuestionar el concepto de “arte”, sacudir los pilares fundamentales de la sociedad moderna, atacar valores tradicionales como la familia, el trabajo, las normas sociales, lo políticamente correcto. Su último espectáculo tuvo lugar en 1976 y se tituló “Prostitution”, que fue presentado como “paradigma de las condiciones generales bajo el capitalismo”. La polémica fue tan grande que su caso llegó incluso al Parlamento Británico, donde, entre todo tipo de muestras de rechazo, se les calificó de “destructores de la civilización” (“Wreckers of civilisation”). Coum Transmissions se disolvió ese mismo año porque, por un lado, vieron que habían llegado al límite en el terreno de la performance y por otro lado, debido a presiones políticas y policiales. Su disolución dio paso a la creación de uno de los grupos más radicales de la historia de la música del siglo XX: Throbbing Gristle, auténticos terroristas sonoros y pioneros de la música industrial y el ruidismo más extremo. A continuación os dejo con un texto escrito por el propio Genesis P-Orridge en el que cuenta en primera persona sus vivencias en los espectáculos de CoumTransmissions. Que aproveche.
“Solía hacer cosas como pegar en mi pene cabezas de pollo cortadas e intentar masturbarme mientras me echaba gusanos por encima.
En Los Angeles, en 1976, Cosey y yo hicimos una performance donde yo estaba desnudo sobre un montón de tachuelas bebiendo whiskey. Entonces me metí por el culo sangre, leche y orina, y empecé a tirarme pedos para que una explosión de sangre, leche y orina se derramara en el suelo. A continuación lo lamí todo sobre el sucio suelo de cemento.
Después cogí un clavo de unos 20 centímetros e intenté tragármelo, lo que me hizo vomitar. Entonces yo y Cosey empezamos a lamer el vómito del suelo. Ella estaba desnuda e intentaba cortarse desde su vagina hasta su ombligo con una cuchilla de afeitar, y se inyectó sangre en su vagina, de donde empezó a derramarse, y sacamos la sangre de su vagina con una jeringuilla, y la inyectamos en unos huevos pintados de negro que intentamos comer, lo que nos hizo vomitar otra vez, y ese vómito lo utilizamos para enemas.
Más tarde yo necesitaba orinar, así que lo hice en una gran botella de vidrio y me lo bebí mientras aún estaba caliente. Nos arrastramos el uno hacia el otro mientras lamíamos el suelo y lo dejábamos limpio.
En Amsterdam hicimos una performance en el barrio de las putas, donde pusimos canciones del disco “Lie” de Charles Manson así como grabaciones de trenes atravesando tormentas, y practicamos diversos tipos de fetichismo. Sleazy se cortó la garganta y se tuvo que hacer una especie de torniquete, mientras que Cosey y yo empezamos a escupirnos y a lamer nuestros escupitajos, después nos chupamos los genitales y practicamos sexo mientras le prendían fuego a su cabello con velas. Había unas 2000 personas de público.
Y cada día se volvía más salvaje, así que en el Domingo de Resurrección me crucificaron en una cruz de madera, me azotaron y me cubrieron de vómito humano, alas y patas de pollo, mientras aguantaba antorchas ardiendo en las manos y el público podía oler el aroma de mi piel quemándose. Más tarde oriné en las piernas de Cosey mientras ella se metía una vela ardiendo en su vagina, de la que salían llamas. Una manera cualquiera de evitar la publicidad en la tele...”

SILVER JEWS - Lookout Mountain, Lookout Sea (2008)

     Vaya discazo el último de Silver Jews. David Berman el Alma Mater de la criatura le dio vida por allá los ahora lejanos 1989, junto con Stephen Malkmus(futuro fundador de Pavement) y Bob Nastanovich. Como no editaron ningún disco oficial hasta después del éxito de Pavement siempre fue considerado un entretenimiento de Stephen Malkmus, algo que no ha beneficiado en absoluto a Berman, que ya de por sí posee una personalidad bastante desequilibrada ( alcoholismo, drogas , intentos de suicidio...) . Pero gracias a su supervivencia podemos disfrutar de su obra cumbre junto con su debut Starlite Walker (1994).

  En Lookout Mountain, Lookout Sea (2008) reconocemos a los Silver de siempre con su estilo de country-rock-alternativo, la voz cavernosa-etílica de David y sus personalísimas letras. Añade cosas nuevas como los acompañamientos vocales femeninos que le dan un aire más pop, pero que no reblandecen su propuesta si no que la fortalecen, y concibe en su interior las mejores melodías hasta la fecha. Sus letras tan cortantes como siempre , este es un ejemplo del tema What is not but could be if : “What is not but could be if/ We could be crossing/ This abridged abyss into beginning/ And failure’s got you in its grasp/ And you’re reaching for your very last/ Vicious beginning”. En Norteamérica es más conocido por su faceta literaria ( tiene publicado un libro de poesía) que por su música.

    Finalmente podemos observar en la propia portada con esos elefantes jugando en el acantilado que su mundo particular no dista mucho del de Alicia en el País de la Maravillas, pero en una versión algo más desalentadora. Esperemos que el brillo de esperanza que reluce en algunas facetas de sus últimas canciones le de un poco más de color a su mundo tan gris. 


Video : What is not but could be if (live)

el cielo número 20

El compositor La Monte Young definió algunas de sus obras con el término de “dream music”, una denominación que encaja perfectamente con la propuesta de El cielo número 20: una música de carácter onírico y crepuscular, que se mueve en las coordenadas del ambient noise más experimental, cósmico y psicodélico.

Este duo está integrado por Sergio Ibáñez y Javi Sanz, ambos ex-componentes del mítico grupo castellonense Ebria Danza, quienes tan sólo grabaron un disco y un single en los primeros años 90 pero cuya intensidad, pasión y romanticismo exacerbado todavía se recuerdan por estas tierras.

El cd “Nada sueña” fue grabado entre 2007 y 2008, y sin duda sorprenderá a muchos por la evolución y el giro estilístico que este proyecto supone con respecto a los tiempos de Ebria Danza. El disco se abre con el tema “Barco sueño”, una miniatura electrónica que nos sumerge de lleno en el mundo onírico e irreal de El cielo número 20: las capas de ruido y los bucles sonoros se mueven con fluidez en el espacio, recordando a un océano en movimiento o a los vientos estelares en evolución. A partir de ahí el grupo continua esbozando paisajes y escenarios sonoros de diverso estilo, recurriendo al feedback, al ruido, a los drones, a los acoples, a las repeticiones hipnóticas, a las melodías inquietantes, a imágenes envueltas en la niebla, creando una variopinta propuesta de corte ambiental con muchas capas de sonido, ecos, reverb y texturas electro-acústicas que van evolucionando sutilmente. En otras piezas como “Seres fantásticos”, “Realidad” o “Sucias artistas”, el grupo practica incursiones en la psicodelia más hipnótica e incendiaria y da rienda suelta a los influjos del krautrock a través de ritmos persistentes, guitarras afiladas y distorsionadas.

El pilar fundamental sobre el que se sustenta el duo es el ruido, los sonidos atmosféricos y ambientales, pero sin perder nunca de vista la melodía y la belleza, dos factores fundamentales en “Nada sueña”, un disco que nunca suena frío, estridente ni desagradable sino todo lo contrario: los temas fluyen de manera orgánica, viva, cálida y acogedora. El ejemplo más claro es la canción que cierra el disco: “Al mar de ruido”, una composición de una belleza cercana al éxtasis, donde el ruido, la distorsión y el caos reproducen el fluir de las aguas del mar, un mar en el que nos vemos rodeados de olas de electricidad estática y donde nos dejamos llevar a la deriva sumidos en la atmósfera bellísima, misteriosa, narcótica y balsámica que el grupo elabora con paciencia. Morir ahogado en un mar como este es una bendición, una liberación.

El cielo número 20: navegando en un mar de ruido, creando música desde los sueños, para los sueños.
Mas información en https://elcielonumero20.bandcamp.com/