Uno de los más famosos músicos de la corriente minimalista, que trataba de reducir cualquier expresión artística a sus forma más básica y esencial. Dentro de la música esto se traducía en bucles musicales largos donde se daba énfasis a una armonía tonal y con un pulso constante. Dentro de sus inquietudes se encontraba el piano y el budismo.
Einstein On The Beach fue su primera gran obra dada a conocer al público en general .Con la colaboración del escenógrafo Robert Wilson realizó esta ópera experimental que versaba sobre un alegato antinuclear . Es una obra extensa registrada en un cuádruple CD en sus reediciones actuales, un hueso duro de roer pero que en esta perra vida no he tenido problemas en hincarle el diente. Cumple todos los clichés del minimalismo, pero las repeticiones no resultan cansinas ni monótonas, más bien todo lo contrario, esta lleno de una vitalidad exultante , sin parangón en lo anteriormente registrado, me tengo que remitir a una obra literaria para poder comparar ese ritmo luminoso y celestial : el inicio del Fausto de Goethe.
La opera se divide en cuatro actos, divididos en dos escenas para los tres primeros actos y tres escenas para el último. La introducción e interludios vienen dado por los 5 knee play ,donde entre otras cosas, te servirán para aprender los números en inglés.
En estos dos videos podéis ver una muestra de los cortes Train y Spaceship incluidos en la opera.
Muy difícil de encasillar este numeroso conjunto de hasta ocho músicos encabezados por Elliot Bergman. Entre sus elementos más distinguibles estaría el Jazz-fusion que practicaban grupos como The Art Ensemble of Chicago o Sun Ra y dentro de la influencia de la world music o Afrobeat a Fela-kuti. También tienen un ramalazo post-pop o post-rock, y es que los ritmos tribales y el post suelen cruzarse en algún camino. La referencia funk sería la menor y habría que emparentarlos con grupos como Funkadelic.
Su último trabajo Ghost-Rock (2008) editado por el sello Ubiquity ,es un claro ejemplo de lo anteriormente comentado. En el siguiente vídeo vemos el perfecto entendimiento entre todos los componentes de Nomo y lo bien que se acoplan los distintos instrumentos para dar a luz este fantástico cruce de estilos.
Samulnori és un grup de música tradicional de Corea del Sud format per Kim Duk Soo a l’any 1978. El grup, que ja ha passat per diverses formacions, incloent des de quatre membres fins a vint, es centra únicament en la percussió i es dedica a recuperar cançons tradicionals del folklore sud-coreà i re-interpretarles des d’una perspectiva moderna i contemporània. A l’any 1988 el grup va editar el seu album més important: “Record of changes”. Als primers any 80 ja havien enregistrat algunes cançons, però aquestes gravacions mai no van sortir de Corea. “Record of changes”, en canvi, va ser el primer dels seus discos amb distribució fora del seu país i l’obra amb la que es van fer un nom al mercat internacional. El van enregistrar amb format de quartet i, com sempre, la música està interpretada només amb instruments de percussió coreans: el kkaen gguari, el ching, el changgo i el buk (diferents tipus de tambors, plats i gongs). Les tres cançons que conformen aquest album són increïblement intenses, poderoses i energètiques. Els ritmes que executa el quartet són forts, marcats, durs, potents, vibrants, d’una extrema complexitat però interpretats amb un virtuosisme i una precisió milimètriques (ja voldrien molts grups de post-rock sonar així). Les estructures rítmiques van agafant intensitat i velocitat i creen un estat hipnòtic fins portar-nos al paroxisme. Les veus, contagiades per l’esperit xamànic, transmeten passió i energia, emetent una vibració ancestral transmesa de generació en generació i que ens arriba ara a nosaltres, habitants de les ciutats i els pobles occidentals. Unes cançons que, malgrat vindre d’un mon llunyà i poc conegut per nosaltres, i malgrat pertanyer a una tradició musical aliena, ens fan vibrar i ens emocionen, perquè ens parlen en un llenguatge que compartim i entenem malgrat la distància espacial i temporal: el llenguatge de la passió. Una música bellíssima, pura, hipnòtica, amb una força i una potència imparables, uns sons de caire espiritual que constantment busquen la trascendència, el portar-nos més enllà del que veiem i sentim. Una música necessària en aquests temps tan materialistes i bruts en els que vivim.
Aunque la portada pueda llevar al error de pensar que se trata de un grupo metalero, hay que remontarse a principios de los años setenta para ubicar la edición de este trabajo de hard-rock portentoso. Dust es un trío que se formó en New York en 1971 y cuyos componentes son Richie Wise (guitarras y voces), Kenny Aaronson (bajo y guitarras) y Marc Bell (batería). Es posible que el nombre del batería no os diga nada, pero si lo cambiamos por el seudónimo que fue conocido posteriormente ya se empiezan a iluminar vuestras neuronas : Marky Ramone (si, estuvo en The Ramones), cuya pinta ya era entonces 100% “Ramonet” ( vaqueros y chupa de cuero ajustada y corta por encima del pantalón). Editaron solo dos discos , el homónimo Dust publicado ese mismo año y Hard Attack en 1972, con una divertidísima portada de dos enanos zumbándose con un bárbaro.
En su primer lp nos encontramos solo siete canciones, pero son más que suficientes para definir su propuesta de hard-rock “polvoriento”, como se oye en From a Dry Camel, Loose Goose y Love Me hard ( mi favorita), hard-rock más normalillo de Stone Woman y Chasin'Ladies, finalmente las baladas Goin'easy ( a mi gusto la única canción floja) y Often Shadows felt ( buenísima).
jueves, 18 de septiembre de 2008
Minimonografías de artistas contemporáneos. HOY: WimDelvoye ,El único esteta belga que llega al paroxismo observando la eclosión de un grano de pus. WimDelvoye es un artista conceptual que continúa el trabajo inconcluso de Duchamp ,empecinado en desactivar los mitos sobre los que se asienta la cultura contemporánea mediante el humor descarnado .Delvoye no se enreda en su ego como JeffKoons y el resto de artistas kitsch ,mientras estos se entregan a su autosatisfacción mórbida, Delvoye fabrica realidad :(Su conocida Cloaca ,un ingenio que fabrica heces) o la vulgariza ( granja de cerdos tatuados) .Articula su discurso en base a la ironía como arma de desmitificación de los fundamentos de la sociedad de consumo, ya sea el hedonismo sin contenido o el culto a la belleza y al buen gusto , síntomas de nuestra nutrida decadencia. En http://www.ubu.com/film/delvoye.html vemos una muestra bastante explícita de la incalculable belleza que se encierra en un grano de pus.
Tercer disc dels madrilenys Moho, un disc en el que continuen aprofundint en la seva música
pesada, densa i espesa, on els riffs àcids, les guitarres incendiàries i la contundent base
rítmica, marca de la casa, continuen perforant els timpans dels aventurers que viatgen pels
surcs d'aquest vinil (per cert, un vinil bellissim de 180 grams i amb carpeta doble).
El so de Moho mai ha sigut net i polit sinó tot el contrari: sempre han sonat molt bruts i
salvatges, però en "Chotacabra" han embrutat més encara el seu so, una mescla entre els
primers Black Sabbath, Motörhead i Hellhammer, amb molts ecos doom, stoner
i sludge però amb un toc molt punk, molt garatger en ocasions. Gravat en unes
poques hores, les cançons es mouen amb fluïdesa, el grup sona compacte i
es nota que s'entenen a la perfecció, la qual cosa li dona al disc un so orgànic, natural,
pur. Absolutament recomanat per a les persones amants de le música de guitarres
més brutal i salvatge.
Último trabajo hasta la fecha del polifacético artista californiano Thomas Alan Waits, que cultiva entre sus habilidades más destacadas la de compositor, cantante y actor. Su incursión en el cine con papeles secundarios no ha impedido que haya participado en excelentes películas como Corazonada (1981, de Francis Ford Coppola), Bajo el peso de la ley (1986, de Jim Jarmusch) o Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman) entre otras . Pero es en su faceta musical donde ha conseguido sus mejores logros. Es un buscador de perdedores, se regodeaba con ellos en bares de mala muerte, embriagándose hasta perder el sentido y empapándose de sus historias trágicas . Le fascina las marcas que el deterioro del tiempo deja en las personas ancianas. Su aspecto huraño , desaliñado y vetusto era para emular esa imagen envejecida que admiraba tanto. Su trabajo en los cabarés de los Angeles ha influenciado en todo sus composiciones, desde su inicios con Closing Time (1973) hasta con Orphans (2006), su obra cumbre: Es un disco triple, con sus propios subtitulos : Brawlers, Bawlers y Bastards , aunque lo podríamos considerar doble, ya que en Bastards son casi todo versiones de autores tan diversos como Daniel Johnston (King Kong) ,Kerouac (On the Road) o Charles Bukowski (Nirvana), estos dos últimos en una clara referencia a sus gustos literarios. Supone una asimilación y maduración en el uso de todos los nuevos instrumentos utilizados desde que abandonó el piano como primer elemento compositivo. Y no ha sido una tarea fácil, solo hay que nombrar las armas de su trabajo: Silbato, bajo, guitarra, piano, saxo, violín, corneta, acordeón, clarinete, trombón, trompeta, banjo, armónica, órgano y batería. Aparte de que usa varios tipos de guitarras, teclados e incluso de violines y clarinetes.
Brawlers Consigue lo imposible, que a pesar de todo el batiburrillo de elementos musicales suene solamente a Blues-Rock. Algún corte de rock&roll como en Lie To Me, solamente rock en LowDown , blues-acid jazz en Puttin' On The Dog o la country Rains On Me ( con Chuck E. Weiss). Como en sus anteriores publicaciones, el blues suena pendenciero, sucio, de carretera llena de baches a medio asfaltar, de botella vacía. Su voz parece reflejar el agobiante calor de su california natal que se apelmaza pegajosamente en su garganta, suena a alcohol rancio y a ladridos quebrados de un chucho abandonado. De lo mejor que ha compuesto en su vida. En total dieciséis temas ,cuatro de las cuales son versiones.
Bawlers Un reflejo de la América profunda, la de los perdidos, vagabundos, de miradas rotas que no se enteran de cuando hay que perder la inocencia, de las que la quieren asir y recuperarla como única esperanza de redención. Aquí el perro aúlla lamentos, amores perdidos en barra, confesiones grupales bajo los primeros rayos del crepúsculo sobre sus miseras vidas al salir de un recóndito bar. Todo esto en dieciséis temas originales y cuatro versiones, una el Little Man de Teddy Edwards, otra el Goodnight Irene de mi adorado Leadbelly, Danny Says de Joey Ramone y finalmente Young At Heart de Carolyn Leigh and Johnny Richards. Son baladas para emborracharse y llorar las penas, y no son solo unas más de las que puede contener en su dilatado repertorio , sino de las mejores de su carrera, solo faltaría aquella que cantaba lo de “...you're innocent when you dream...” y alguna más del Closing Time.
Bastards Disco casi enteramente de versiones, con solo cinco originales de dieciocho canciones; Bone Chain, Redrum, Altar Boy, The Pontiac y Spidey's Wild Ride . Contiene dos cortes ocultos al final sin información alguna al respecto. Es el disco más experimental de los tres, pero para nada de relleno, las versiones son un claro ejemplo de como Waits las lleva a su terreno de la forma más estrafalaria posible pero sin caer en el ridículo ( la verdad es que no me viene a la mente otro autor que fuera capaz de hacerlo y no resultar esperpéntico en su resultado).
En solitario tanto Brawlers como Bawlers estaría entre lo mejor que ha publicado nunca (incluso pienso que Bawlers es lo mejor que ha hecho hasta la fecha). Para los degustadores de la experimentación Bastards resulta más atrevido que el Real Gone. En conjunto no dejan lugar a dudas de que Orphans es el mejor reflejo del calidoscopio de ideas que rondan la mente, el alma y el corazón de Tom Waits. Pero nos dejamos para el final la guinda del pastel, y es que dicen que no hay un gran hombre en la historia sin una gran mujer detrás, y en el caso que nos ocupa la Afrodita de Tom es Kathleen Brennan, su esposa, que le ha alejado del alcohol y las drogas y además ha colaborado en las composiciones de los temas de la triple edición (ya aparecía su nombre en los créditos de los últimos discos). Lo que me lleva a la pregunta del millón ¿ En que grado ha colaborado ?. Pregunta sin respuesta, pero lo importante es haberlo salvado del infierno y que continúe entre nosotros facturando obras maestras.
Black Pus es el proyecto en solitario de Brian Chippendale, una de las mentes más inquietas surgidas del underground norteamericano en los últimos años. Su álbum de debut (titulado "I") salió en el año 2005 y supuso una auténtica patada en los huevos al establishment musical. Este disco gira en torno a la batería, saxo, voces y todo tipo de ruidos pre-grabados y manipulados, todo ello tocado con una mala hostia impresionante y a un volumen ensordecedor. Sus sonidos saturados, chirriantes y oxidados se emparentan con los proyectos más radicales de John Zorn, el jazz más extremista de Peter Brotzmann y los pasajes más climáticos de Albert Ayler e incluso a veces con las explosiones sonoras del grindcore más salvaje... O sea una especie de free-jazz post-punk cacofónico marciano y absolutamente desquiciado... Una auténtica locura. Esta música abandona conscientemente la melodía y cualquier tipo de sonido agradable para sumergirse a veces en ritmos frenéticos y convulsos y otras veces penetrar en atmósferas caóticas más cercanas al free jazz, pero con mucha más violencia, ruido, acoples, y voces que aúllan y emiten sonidos irreconocibles. Si lo que pretendía Black Pus era acabar con el concepto de "música", realmente anda muy cerca de conseguirlo. Y mis oídos, sangrando, se lo agradecen.
Black Pus IV
Su cuarto trabajo en solitario , sus dos instrumentos son la batería y una caja de sorpresas con las que nos sorprende con todo un delirio de sonidos anárquicos y ruidosos. En su cuarta entrega nos encontramos unas canciones mas estructuradas que sus anteriores puestas de largo ,exceptuando el primer corte donde podemos apreciar la linea que seguían estos. Es muy rítmico, con un despliegue de noise rock tribal, bailable incluso. Como podréis ver en el video definirlo como superfreak no es un connotación exagerada, le gusta disfrazarse con una máscara de monstruo de las galletas por si su propuesta no llamaba la atención de per se. En la portada también vemos reflejado su mundo tan alocado e infantil .Y nosotros que creíamos que White stripes eran guays, por como se lo montaban siendo solo dos. Y como una imagen vale más que mil palabras :
Música Rota es el nuevo proyecto de Emilio Herrando, ex-componente de Ebria Danza, grupo castellonense que a principios de los 90 marcó a fuego algunos corazones como el mío a pesar de la corta vida del proyecto. Ebria Danza tan sólo editaron un disco ("El manicomio de las palomas") y un single ("Fragilidad suicida"), ambos con Triquinoise. El grupo fue encasillado en la escuela estilística de Corcobado y 713avo Amor, pero, influencias aparte, yo creo que ofrecieron mucho más que eso. Su música era triste, desgarradora, bellísima, frágil, caótica, barroca, destilaba una intensidad, electricidad y pureza espeluznantes, y era acompañada de unos textos y una voz que nos hicieron viajar en muchas noches de insomnio y angustia.
La aparición en 2007 de "Azar", el primer disco de Música Rota, fue una excelente noticia para todos aquellos que lloramos la disolución de Ebria Danza y que llevábamos años esperando noticias suyas. Emilio nos ofrece ahora un disco largo, variado, complejo, onírico, una obra en la que combina por un lado sonoridades electrónicas, pasajes ambientales oscuros, atmósferas densas e inquietantes y por otro lado una especie de folk triste, melancólico, decadente, bellísimo. Atrás quedaron la distorsión asfixiante, las imágenes expresionistas y los gritos desgarradores de Ebria Danza, pero siguen ahí esa voz y esos textos que ponen los pelos de punta, sigue ahí esa intensidad que sacude al cuerpo y al alma, aunque canalizada de otra manera, sigue ahí, en definitiva, ese arte, esa magia que ayuda a curar las heridas de nuestro maltrecho corazón.
El sonido del disco también merece mención especial, ya que los temas fueron grabados con instrumentos de segunda mano, rotos o "preparados" (como hacía John Cage), lo cual le da a los temas un aire todavía más frágil, decadente y "roto", como el nombre del proyecto indica: Música Rota.
viernes, 12 de septiembre de 2008
ASESINOS MUSICALES
Hace poco tiempo, estaba en mi casa, cenando tranquilamente, cuando llega a mis oidos una melodía harto conocida para mí. Era el "Smells like teen spirit" de Nirvana. Corrí dirección a la habitación de la que pensaba que venía el sonido, y hallé un televisor enchufado, donde aparecían unos elementos, sentados alrededor de un piano, bramando y chillando en un inglés que ni siquiera ellos sabían lo que estaban diciendo. Jamás había presenciado tal temeridad. Me tiré las manos a la cabeza, y enseguida vino a mi memoria una hazaña parecida, de una señorita de la cual no recuerdo ni su nombre (como suele pasar con esta gente) pero que sí tuvo la osadía de FUSILAR una gran cancion, Nothing Else Matters, de un gran grupo, Metallica.
Creo que para la gente que ama la música de verdad, estos actos son del todo una agresión a la decencia y el buen gusto. Me duele muchísimo ver como cuatro atontados que no saben nada, absolutamente nada de música, y que lo único que quieren es salir por la tele, y encima, engañados con meteóricas carreras, destrozan grandes obras de la historia músical. Y encima hay un montón de personas que piensan que ESO que hacen es MÚSICA, y creen que son artistas de verdad, y que la gente los quiere, y que son la leche, y que van a llegar muy lejos.
Quiero aprovechar para VOMITAR sobre toda esta gentuza, pero no me refiero a los "Triunfitos", no. Ellos son la cabeza de turco, el instrumento para que los verdaderos ASESINOS MUSICALES se forren creando productos a costa de cuatro pobres infelices. Odio y estoy totalmente en contra de esta filosofía mercantil que es crear un producto totalmente artificial, sin alma, sin vida, sin nada que transmitir, con el único fin de que cuatro tipos se llenen los bolsillos. ¿Puede haber algo más contrario para la música que toda esta mierda? Damas y caballeros, sé que lo que estoy diciendo no es nada nuevo, y sé que esto no servirá de mucho. Pero ejerzo mi derecho a escupir sobre esta escoria, sobre esta gran máquina que aplasta cualquier sentimiento artístico musical. No nos queda más que seguir nuestro camino, hacer lo que nos gusta, y crear un universo paralelo, en el que los músicos tocan porque lo sienten, y la gente va a verlos y escucharlos porque realmente AMAN la música, al margen de la tiranía de la imagen, la publicidad y las ventas. Que el tiempo y el olvido hagan el resto.Por cierto, La Oreja de Van Gogh tiene nueva cantante, y yo me entero porque hace anuncios de champús...
realidad :(Su conocida Cloaca ,un ingenio que fabrica heces) o la vulgariza ( granja de cerdos tatuados) .Articula su discurso en base a la ironía como arma de 
