Jesús Franco

Jesús Franco es un caso único no sólo en el cine español sino en el cine europeo. Admirado por muchos y odiado por tantos otros, su obra, polémica como pocas, no deja indiferente a nadie. O lo amas o lo odias, sin término medio. España, como no podía ser de otra manera, ha sido uno de los paises que peor ha tratado al director madrileño, ya no sólo por los efectos de la censura sino por las durísimas críticas y el menosprecio que siempre recibió su trabajo, que, sin embargo, tuvo bastante mejor acogida en el extranjero, donde se le considera un director de culto. Afortunadamente parece que las cosas cambian en este país y en los últimos 5 o 10 años se le está empezando a respetar también por estos lares. Tarde, como siempre, pero al menos ya es algo.

Jesús Franco (quien también usó decenas de seudónimos) representa la lucha por la libertad y la independencia creativa: fue alguien que tenía un concepto muy personal y arriesgado de lo que era el cine y lo llevó a la práctica en una sucesión interminable de obras (cerca de 200), unas veces con más acierto, otras con menos, pero siempre fiel a lo que quería hacer, sin pensar en posibles reacciones de la censura, la prensa o el público. Dirigía las películas, actuaba en ellas, se encargaba muchas veces de la banda sonora y trabajó en diversos géneros, destacando sin duda en el terror y el fantástico, sin olvidar sus memorables y controvertidas incursiones en el erotismo más casposo así como en el porno más “hard”.

En sus mejores películas, la combinación de elementos como el terror de bajo presupuesto, el erotismo (a veces elegante y muchas otras veces gratuito), el fetichismo, el voyeurismo, el sadismo, las atmósferas oníricas y surrealistas (rayando en lo absurdo), los ambientes claustrofóbicos, los ángulos imposibles, las imágenes borrosas y desenfocadas, la improvisación (influencia del jazz dicen unos, consecuencias de la premura y falta de preparación dicen otros), el aspecto amateur y caótico de sus obras, y esa percepción alterada de la realidad (a veces se nota cierto halo de LSD) hacen que caigamos rendidos a sus pies una y otra vez.

“Las vampiras”, de 1970, es una de sus obras más admiradas. Su título en el extranjero fue algo más sugerente :“Vampyros Lesbos”, pero en España, por temas de censura, se le cambió el nombre además de cortar todos los desnudos y escenas de sexo, mutilando así la película, algo que ocurrió con muchísimas de sus obras, que presentan minutajes y títulos diferentes dependiendo del país del que proviene la copia. Este film es una inversión del mito del Conde Drácula: las protagonistas son mujeres y la acción transcurre a plena luz del día en un ambiente playero de costa mediterránea. Soledad Miranda ofrece una interpretación magnética, espectacular (esas escenas en las que seduce a un maniquí no tienen precio) mientras que las imágenes nos sumergen en un ambiente hipnótico y delirante. Los toques habituales de erotismo están ahí, pero con buen gusto, sin chabacanería, al contrario de lo que ocurre en otras de sus obras, donde la proliferación de tetas, culos y coños no aportan nada, como fue el caso de “Female Vampire” de 1973 y tantas otras. La banda sonora también es digna de mencionar, a veces muy 70's, hippiosa, psicodélica, fumeta, pero otras veces inquietante (como esas voces reproducidas al revés y que van acelerándose poco a poco).

Otra película fascinante, aunque se la considera una obra menor, es “Virgen entre los muertos vivientes ” de 1971, que en otros paises se conoció con el fabuloso título de “Cristina, princesa del erotismo”. A pesar del título no hay zombies ni sangre ni coitos salvajes sino que aquí el tema se mueve por unos derroteros bastante más perturbadores. Esta obra es un delirio absoluto, una locura total, una pesadilla surrealista y lisérgica en la que no sabes qué es real y qué es imaginado, donde la realidad abre grietas invisibles a través de las cuales los personajes se deslizan hacia la paranoia y lo desconocido. Dominan las imágenes retorcidas, oscuras y psicodélicas, acompañadas de una música macabra y desquiciante y una interpretación que es para descojonarse: los actores parece que no sepan muy bien lo que están haciendo, no mueven un puto músculo de la cara ni muestran ningún atisbo de emoción, pero lo bordan, con un Jesús que hace el papel de mayordomo tarado y está que se sale, con Christina Von Blanc y el resto de macizas enseñando generosamente su anatomía, con un grandísimo Howard Vernon que no se sabe bien si estaba borracho o si es que era así realmente... Es un ejercicio de estilo extravagante e hipnótico, una obra macabra, salvaje, delirante, loca, transgrediendo las fronteras del género de terror para adentrarse en terrenos más cercanos al surrealismo. Ah, y es muy divertida.

Jesús Franco también revisó algunos clásicos del cine de terror a través de su personal óptica y creó algunas obras interesantes: en 1971 apareció “El Conde Drácula”, una película para la que contó con algo más de presupuesto y para la que adoptó un enfoque más serio, convencional y clásico, cercano al de las obras clásicas de la Hammer y apartándose un poco de los extravagantes títulos que había ofrecido hasta la fecha. De hecho, esta es una película de terror que se puede enmarcar dentro de los cánones clásicos del género aunque siempre con la aportación personal del tío Jess, eso sí, más comedido que en otras ocasiones. La protagonizan ni más ni menos que Christopher Lee y Klaus Kinski: sólo por eso ya vale la pena verla, ahí están esos dos pedazos de actores ofreciendo una interpretación crepuscular, con aire ausente, como si la cosa no fuese con ellos, y eso le da un encanto muy especial y decadente.

En 1972 filmó “La maldición de Frankenstein”, esta vez con la intención de revisar la obra de Mary Shelley y las diversas películas que existían hasta la fecha. Esta fue una película distinta a la de “Drácula”: ya no sigue los cánones clásicos y volvemos a encontrar a un Franco más atrevido y rompedor, dándole a la obra un enfoque más sexual y pervertido. En algunos paises la película se tituló “Los ritos eróticos de Frankenstein” y duraba más que la copia española ya que aquí se censuraron todos los desnudos y las escenas sexuales (algunas de ellas con Frankenstein en plena faena son impagables), así que la versión española es más light pero conserva gran parte de su encanto. Una vez más, atmósferas oscuras, claustrofóbicas, planos desenfocados y medio borrosos, guión demencial, aire amateur y semi-improvisado, imágenes macabras e inquietantes, y con el debut de la sugerente Lina Romay, la musa de Jesús que aparecería en muchas de sus películas.

Jesús Franco filmó otras películas interesantes como “Gritos en la noche”, “Succubus/Necronomicon”, “Eugenie” y algunas más que vale la pena revisitar pero de las que no hablaré aquí para no extenderme demasiado. En definitiva, un clásico del cine europeo más bizarro y rompedor.

MORPHINE

Morphine fue una banda creada por Mark Sandman (bajo) y Dana Colley (saxo) en Cambridge (EE. UU) en el año 1989, más tarde incorporaron a Jerome Deupree (batería) para dar la forma definitiva de trío. Eran músicos peculiares como demuestra Mark con su bajo eléctrico de dos cuerdas que normalmente estaban afinadas para dar la misma nota, y también músicos excelentes como vemos con Colley, que no solo toca un saxofón barítono, sino también soprano,tenor y bajo (inclusive tocando dos al mismo tiempo). Morphine graba su álbum de debut Good en 1992. Hasta entonces nunca se había dado una paleta de colores musicales donde conviviera el jazz y el rock sonando de una manera tan sencilla y natural. Ningún estilo predomina claramente sobre los demás y esto los dejó navegando entre dos aguas, demasiado rock para los jazzeros elitistas y mucho jazz para el rockero de base. Así, como niños maltratados, fueron adoptados por el ámbito de la música alternativa (indie-rock) donde obtuvieron su mejor acogida. Good, a parte de mostrar todas estas dos influencias también reflejaba la parte más oscura del legado del blues, esto cambiaría con su continuación de 1993 Cure fo Pain, donde el pop empieza a tener más representación y el ambiente oscuro hace una pausa que retomarían en posteriores trabajos. En los créditos de este disco nos encontramos con dos baterías , Deupree y Billy Conway, este último conocido de Sandman cuando tocaba en su grupo Threat Her Right. Aunque Jerome toca la mayoría de los temas del disco sería Conway el que continuaría como miembro más estable de la formación.

Después de estas dos obras maestras, editarían Yes (1995) y Like Swimming (1997), que siguen la estela de los trabajos anteriores pero sin llegar a la calidad de los mismos. Como curiosidad optaron a un premio grammy por el video musical del single "Early to Bed" perteneciente a Like Swimming.
Pero la tragedia sobrevino al grupo en 1999, al poco de acabar la grabación de su último álbum de estudio y en una actuación del festival Nel Nome del Rock (Italia), Mark Sandman sufre un ataque al corazón que le provoca la muerte y acaba con las aventuras y desventuras de Morphine, que anunciaron su disolución. A pesar del definitivo contratiempo editaron el póstumo trabajo de estudio en el año 2000 con el nombre de The Night. No solo es un disco enorme, es una de sus mejores obras y una evolución en su personalísimo estilo: retoman el sonido oscuro de sus inicios y arropan las composiciones con un marcado carácter cinematográfico.


Morphine - Early To Bed

BARRY ADAMSON - Back to the Cat (2008)

Barry Adamson ex bajista de Nick Cave, Magazine y Visage después de abandonar Mute Records montó su propia compañía, Central Control International, donde ha editado su último trabajo que compone, interpreta y produce ( y me parece que hay pocas cosas más que hacer). Back to the Cat es uno de los pocos discos actuales que evoca recuerdos del glamour y la camaradería que exhibía la música en el pasado según él mismo nos cuenta: “todos esos discos que siempre me fascinaron, los clásicos del jazz de los años 50 en los que se utilizaba la palabra 'cat' para referirse a los músicos enrollados, a los colegas que compartían escenario nocturno en el club contigo".
Dentro de sus influencias extramusicales se encuentra sobre todo el cine y en especial el cine negro y en las exclusivamente musicales entraría el Jazz, el soul, funk, la canción de autor ( Serge Gainsbourg ,Jacques Brel), la música cinematográfica ( con Morricone y Bernard Herrmann entre sus favoritos) o el rock , del que comenta “que todas las músicas de raíces negras terminan convergiendo en el rock” y dando cuenta de su admiración por The Rolling Stones por su sonido negroide tan convincente.
Back to the Cat nos envuelve en un aureola cabaretiana de sofisticación premeditada y ciertamente acaramelada. Los temas resultan lo suficientemente pegajosos para que no nos desentendamos de ellos, de hecho, pienso que es lo mejor que ha escrito nunca. Son una colección de hits de regusto antiguo pero también con un sabor contemporáneo, esas canciones que deberían estar radiando sin parar hasta convertirse en un clásico para las futuras generaciones. Ah, hoy por hoy esto no es más que una quimera y un espejismo de tiempos pasados.



Barry Adamson - Straight 'til Sunrise

Premature Ejaculation

Rozz Williams fue principalmente conocido por su trabajo con el grupo de rock gótico Christian Death. Pero Rozz también tenía otra faceta mucho menos popular y mucho más difícil de asimilar: se llamaba Premature Ejaculation, y fue uno de los proyectos más fascinantes dentro del ruidismo y el ambient más oscuro de los años 80 y 90.

Premature Ejaculation nació en 1981 como un proyecto multimedia formado por Rozz Williams y Ron Athey y que combinaba sonido e imagen: su música bebía del ruidismo industrial clásico (Throbbing Gristle, SPK, Non, Whitehouse, Maurizio Bianchi) y lo combinaban con oleadas de drones obsesivos, loops hipnóticos, dark ambient y técnicas de collage sonoro. A nivel visual, sus performances recogían la herencia del Accionismo Vienés y de Coum Transmissions, e incluían proyecciones en directo de todo tipo de imágenes impactantes (principalmente material médico) así como acciones físicas (carne, animales muertos en el escenario), cosa que provocó que sus espectáculos fuesen prohibidos en la zona de Los Angeles debido a su naturaleza tan extrema y por la temática “tabú” que se exhibía en ellos. El diseño de sus discos, cassettes y posters siempre fue a juego con la propuesta del grupo: imaginería mórbida, portadas inquietantes, oscuras, macabras, con abundantes ilustraciones médicas de cuerpos heridos y deformados y demás imágenes perturbadoras. La ambigüedad también fue una de las armas utilizadas por Premature Ejaculation a la hora de atacar a la sociedad americana contemporánea: recurrieron habitualmente a collages e ilustraciones que mezclaban la estética nazi, imágenes de Mickey Mouse, dólares, pornografía, políticos y actores norteamericanos, campos de concentración, estereotipos de la publicidad, etc. El grupo grabó diversos cassettes en la primera mitad de los 80, entre ellos “P.E. 1”, “P.E. 2” o “Living Monstrosities”, editados por el sello de cassettes avant-garde “Happiest tapes on earth”. El grupo aquí ya mostraba las bases de su sonido: un enfoque primitivo y experimental, ruido, loops, samples, atmósferas abrasivas, manipulación de sonidos...

Alrededor de 1985 Ron Athey abandonó Premature Ejaculation pero entró alguien que fue fundamental para la grabación de los siguientes álbumes: Chuck Collison, responsable del sello “Happiest tapes on earth”. Esta formación (Williams-Collison) grabó las obras más interesantes del grupo. El sonido del duo pasó a ser más estructurado, menos lo-fi, mostrando más matices y texturas. Muestra de los primeros frutos de esta colaboración es el cassette “Death Cultures” de 1987. Dos años después, en 1989, aparece “Assertive Discipline”, uno de sus discos clave. En esta obra Premature Ejaculation elaboran una perfecta banda sonora para nuestras peores pesadillas y nuestros miedos más irracionales. Abundan los drones profundos, absorbentes, densos, el dark ambient, los sonidos chirriantes y desagradables, los loops enfermizos y amenazadores, los samples tomados de documentales, noticias y películas y que muestran a gente hablando de enfermedades, miedo, muerte, las grabaciones reales de psicópatas, perturbados mentales y pederastas, conversaciones casi inaudibles pero inquietantes, gente gritando, insultando, llorando... La técnica del collage es fundamental en este disco: las canciones no son masas improvisadas de ruido sino que estaban planificadas, tenían una estructura, y la acumulación y yuxtaposición de elementos sonoros siempre tenía un fin y una intención muy definidas. Todo un apocalíptico collage sonoro que nos muestra la parte más enferma y degenerada de nuestra sociedad, nuestros instintos más perversos, nuestros secretos más inconfesables, el dolor, el miedo, la violencia, el asco, la miseria, la soledad, el abandono, el odio, la humillación. Un disco que, escuchado en las condiciones óptimas, puede llegar a alterar al oyente tanto a nivel físico como psicológico. Posteriores álbumes como “Anesthesia” (1992), “Necessary Discomforts” (1993) o “Estimating the Time of Death” (1994) continuaron profundizando en esta onda, liberando demonios interiores y sacando a la luz lo peor y lo más oscuro del ser humano. Música horrible, desagradable, sombría, sucia, obscena. Es el trauma sin catarsis posible. El callejón sin salida que nos aboca a la desesperación.

La última obra de Premature Ejaculation fue el doble cd “Wound of Exit”, de 1998. Chuck Collison había abandonado el proyecto y fue sustituido por Paris, que ya había colaborado con Rozz en el grupo Shadow Project. Este disco es mucho más sucio, directo y abrasivo que las anteriores obras grabadas por el duo Williams-Collison. Atrás quedaron los collages sonoros y en cambio lo que nos encontramos son una serie de piezas bastante más ruidosas y cercanas a sonoridades industriales, con loops repetitivos, obsesivos y desquiciantes, un sonido electrónico más agresivo y una atmósfera densa e impenetrable.

“Wound of Exit” es la grabación que cierra una extensa y difícil discografía, que cuenta con unos cuantos más discos y cassettes además de los comentados en este artículo. El legado de Premature Ejaculation es un reflejo de nuestros abismos interiores, un catalizador de emociones negativas, un espejo deformado que nos devuelve irreconocibles imágenes de nuestro propio rostro, una música que saca a la luz nuestros peores miedos, todo eso que está sumergido en nuestro subconsciente y que, aunque intentamos esconder, sabemos que está ahí, esperándonos. De nada sirve esconder la suciedad debajo de la alfombra después de barrer: la porquería sigue ahí, aunque no la veamos, y su presencia nos obsesiona sin remedio.

Rozz Williams se suicidó en abril de 1998.

LOS HERMANOS QUAY

Desde su primer cortometraje (Nocturna Artificialia, 1979) los gemelos Quay controlan metódicamente todo el proceso de realización de sus filmes, desde la construcción de los personajes hasta los cuidados decorados, su obsesión por los detalles explica su escueta producción, apenas unos cortos, dos largometrajes (de escaso interés) y varios videoclips que mantienen un nivel de complejidad asombroso hoy en día.
Admiradores de la cantera de animadores checoslovaca (en especial de Jan Svankmajer) conjugan, al contrario que esta, la crudeza hermética de sus argumentos con la carga poética que destila y palpita en la pausa ceremonial de cada uno de sus fotogramas. Sus referencias literarias (Beckett, Ionesco, Artaud) dan buena cuenta de lo enrevesado y fascinante de sus historias.
Allí deambulan maquinarias elípticas por lúgubres pasillos o tratados de anatomía en habitaciones torcidas donde duermen personajes que actúan como vagabundos de la ficción... carne y óxido .
Street of Crocodiles (1986) es sin duda su obra cumbre, crearon un universo inédito hasta entonces en la animación americana, armados de paciencia los gemelos Quay abrieron para el drama y la narración la posibilidad de prescindir de las unidades clásicas de tiempo, lugar y argumento, en orden a enfocar la animación con muñecos para explorar la condición humana hasta sus últimas consecuencias.

GRINDERMAN

Nick Cave vuelve a recargar sus cartuchos ¡y de que manera!. Un escopetazo entre ceja y ceja nos ha colado con su proyecto alternativo Grinderman , que se puede traducir aproximadamente como “tocapelotas”, así vemos al monito de portada con una actitud más que aclaradora. El sonido de este trabajo de título homónimo editado en 2007 es todo un balazo de blues-rock-punk macarra, obsesivo y enfermizo que recuerda a sus inicios con The Birthday Party pero mucho más certero. No es un proyecto menor , e incluso a mi parecer supera con creces su último trabajo con los Bad Seeds (Dig, Lazarus, Dig!!!). Estrenó look con su mostacho del lejano oeste (cuántos hemos pensado “yo también me lo voy a dejar así”), con aspecto de jefe de cuatreros asaltando viejas locomotoras . Lo que podría parecer a primera instancia solo un divertimento de poco calado acabó siendo un trabajo más que notable. Se nota que disfruta como un niño junto con su colega Warren Ellis (que hace un stop con su famoso violín) y uno se imagina dentro de esa habitación que ocupa el centro de la edición en vinilo , con Cave sentado en un amplificador con el micrófono en mano, Warren sentado en una postura yoguista con un instrumento exótico que distorsiona con un montón de pedales , Jim Sclavunos sin baquetas en la manos pero con un par de cachivaches que parece vaya ha hacer el golpe definitivo a la batería y Martyn Casey con su bajo flipando con una gafas de sol en una habitación escasamente iluminada y de un acentuado color rojizo infernal. Solo faltan las cervezas, las revistas porno y el último botín del atraco al banco que supongo quedarían fuera del campo visual.



Grinderman - Electric Alice

Laddio Bolocko

Laddio Bolocko fueron un grupo de Nueva York que pasó desapercibido para la mayoría durante su corta existencia a finales de los años 90 pero que sin embargo son considerados un grupo de culto por los seguidores del avant-rock, especialmente en los Estados Unidos. Su legado, corto pero esencial, consiste en tan sólo un álbum y un par de e.p.'s., todos ellos bastante difíciles de encontrar hoy en día. El cuarteto combinaba los postulados del post-rock más complejo, los experimentos rítmicos y sonoros del krautrock, la adrenalina del punk, la complejidad del math-rock y las inflexiones improvisadas y caóticas del free jazz, todo ello mezclado en un cocktail explosivo interpretado con una precisión deslumbrante y una intensidad demoledora.

El cuarteto debutó en 1997 con el descomunal “Strange warmings of Laddio Bolocko”, un álbum con un sonido sucio, crudo, directo, abrasador, discordante, con una pegada y una potencia bestial, distorsión y saturación a raudales, adrenalina pura y dura. Un sonido absolutamente lo-fi pero que encaja perfectamente con una serie de composiciones instrumentales largas, de una complejidad extrema, con estructuras circulares, obsesivas, matemáticas, con desarrollos extensos que dan pie a todo tipo de salvajes improvisaciones, interpretadas por el grupo con una solvencia, eficacia y sencillez increibles. Es admirable cómo pueden hacer que algo tan complejo y enrevesado suene tan sencillo y fácil. El grupo lleva al límite el sonido que por aquellos tiempos se denominaba post-rock pero lo revienta desde dentro hacia afuera y lo convierte en algo nuevo y excitante, mezclando secuencias repetitivas con cambios de ritmo inesperados y estructuras que se balancean al borde del abismo, con improvisaciones que se mueven fluidas, espontaneas y naturales, con ecos de los grupos alemanes más rompedores de los 70 (Can, Faust, Neu!), con la locura colectiva del “Trout mask replica” de Captain Beefheart, con la destreza y complejidad de This Heat y con el delirio free de Albert Ayler o el Art Ensemble of Chicago. El grupo muestra un virtuosismo y una destreza espectaculares, es decir, son unos musicazos impresionantes, pero no lo utilizan para perderse en exhibiciones inútiles y estériles como muchos otros grupos hacen sino que demuestran que saben utilizar los instrumentos pero también les sobra calidad para sonar brutales, agresivos, excitantes, como una bomba de napalm explotándonos en el estómago. El disco es una experiencia sonora inagotable, un obra maestra en la que sumergirse una y otra vez para perdernos a lo largo y ancho de sus 70 minutos de duración, 34 de ellos ocupados por el útimo tema, un mágico y fascinante ejercicio hipnótico y ruidista titulado “Y toros”, un tema con el que soñar despiertos mientras los altavoces escupen chispas y electricidad.

En 1998 Laddio Bolocko editaron dos e.p.'s: “In real time” y “As if by remote”, y en ellos el sonido del grupo evolucionó hacia terrenos menos agresivos pero más experimentales y exploradores. La producción no es tan directa y sucia como en su debut sino que se observa un metódico trabajo de mezclas en el estudio, intentando sacar todos los matices posibles a las composiciones y ofreciendo un sonido más profundo y trabajado. Los temas siguen sonando a Laddio Bolocko, sí, pero con una dimensión añadida. El grupo ahora elabora diferentes texturas y atmósferas, combinando pasajes claros con oscuros, momentos excitantes con pasajes contemplativos. En estos dos trabajos de 1998 continuan los ritmos complejos, los desarrollos elaborados, los pasajes cerebrales, las aproximaciones al free jazz más caótico, las improvisaciones arriesgadas, en una serie de temas de carácter onírico y misterioso que esta vez incluyen pasajes más abiertamente melódicos, llegando al drone más hipnótico en ocasiones, pero sin perder por ello ni un ápice de su fuerza.

Tras la disolución del grupo, algunos de sus miembros se embarcaron en otra fascinante aventura bajo el nombre de The Psychic Paramount, otro proyecto interesantísimo en el que siguen profundizando en su excitante propuesta sonora.

COWBOY JUNKIES - Whites off the earth now!

Es un grupo canadiense formado en Toronto en 1985 por los hermanos Michael (guitarrista), Margo (vocalista) y Peter Timmins (batería) junto con Alan Anton (bajista), un amigo en común de toda la vida. Considerado uno de los primeros grupos del llamado country-alternativo que emergió a mediados de los ochenta, dieron muestras de su enorme talento con su debut de 1986 "Whites off the earth now!"( blancos, váyanse de la tierra ahora). Si no tuvieron bastantes problemas al inicio de su carrera con llamarse algo parecido a vaqueros narcóticos, el título de su primer disco no ayudó a que no se levantaran ampollas, Michael argumentó que era una denuncia por la situación que se derivaba del apartheid.




Entrando en materia del contenido de su primera puesta en escena nos encontramos un trabajó basado exclusivamente en versiones de Lightning Hopkins (Shining Moon), Bruce Springsteen (State Trooper), Robert Johnson (Me and the Devil), John Lee Hooker (Decoration Day y I'll Never Get Out of These Blues Alive), Bukka White (Baby please don't Go) y con solo un tema original (Take Me). En todas estas canciones podemos observar una de las principales características de Cowboy Junkies; su capacidad para filtrar los temas de otros autores y llevarlos a su propio terreno de una manera tan especial que acaban transformándolos muchas veces en canciones indistinguibles de sus propias composiciones (tienes que conocer de antemano que están haciendo una versión).
Las condiciones de grabación del Whites off the earth now marcan intensamente todos los cortes,la grabación es en directo en un dos pistas ¡ pero con solo un micrófono ! ( un Calrec Ambisonic Microphone). A mi gusto consiguen el mejor ambiente que han grabado nunca en su larga trayectoria discográfica. Junto a la voz inimitable de Margo desenvuelven un sonido oscuro, misterioso, melancólico, etéreo, de bajos vuelos nocturnos que evocan un sueño inquietante pero reparador, nunca han sido un grupo fácil, pero si te enganchan ya no los puedes dejar, Junkie.


Cowboy Junkies - Shining Moon:

Loop

Hay dos palabras clave para entender la música de Loop: repetición e hipnosis.
El grupo inglés creado por Robert Hampson en 1986 se dedicó a reproducir, canción tras canción, disco tras disco, un esquema, una propuesta que se podría definir de la siguiente manera. El bajo y la batería se dedicaban a repetir una sencilla y directa línea melódica que servía de armazón sobre el que montar el resto de la estructura. A esta base se le añadía un riff de guitarra principal también muy sencillo y básico, muchas veces consistente en tan sólo uno o dos acordes y también repetido hasta el límite. A esto se le superponían capas y más capas de guitarras, con mucho fuzz, distorsión, wah wah, eco, delay, reverb, y todo tipo de efectos que servían para complementar y aumentar la estructura. Finalmente las voces planeaban por encima, siempre filtradas, creando un efecto cósmico, distante, lejano.
Entre vapores y nieblas, las melodías, de carácter fluido, líquido y psicodélico se van tensando y atrapándonos oleada tras oleada de distorsión y electricidad. Lo que en un principio era sencillo y primitivo se convierte poco a poco en algo complejo, en una estructura giratoria que evoluciona gradualmente en espiral desde un vértice y se va transformando de manera casi imperceptible.
Y así, repitiendo obsesivamente la misma estructura una y otra vez, Loop nos conducen hasta el trance y nos sumen en un estado hipnótico, catatónico, mientras nuestros ojos se cierran, las pulsaciones del corazón bajan y todo tipo de imágenes caleidoscópicas se disparan en nuestro subconsciente más profundo.
Su sonido era una mezcla de los ritmos repetitivos y mecánicos del krautrock (Can, Neu!, Kraftwerk, Harmonia), el fuego de los Stooges, los momentos más rompedores de la Velvet Underground, las atmósferas cósmicas de Hawkwind y los pasajes lisérgicos de Spacemen 3. Una música misteriosa, obsesiva, cruda, ácida, discordante, con ritmos sencillos y primitivos, con guitarras que supuran fuego, electricidad y feedback, con ambientes cercanos al space rock y al drone. Un sonido denso, cósmico, electrizante y puro.
Loop debutaron en 1987 con “Heaven's End”, disco en el que ya ofrecían los pilares básicos de su peculiar sonido, y continuaron profundizando todavía más en su segundo disco, “Fade Out”, de 1988. Loop grabarían su tercer y último álbum, “A Gilded Eternity”, en 1990. Para muchos este fue su mejor trabajo, un disco más sofisticado que los anteriores y en el que su propuesta sonora llegó al límite.
Loop se disolvieron pero siguieron trabajando en nuevos proyectos. El batería John Wills y el bajista Neil McKay se embarcaron en The Hair and Skin Trading Company, mientras que los dos guitarristas (Robert Hampson y Scott Dowson) crearon el grupo Main, uno de los mejores exponentes del ambient noise de los años 90.

GALAXIE 500

 Este trío tan excitante compuesto por Dean Wareham (voces, guitarra), Damon Krukowski (batería) y Naomi Yang (bajo) se formaron en Boston en 1986. Sorprendieron al mundo ( alternativo por supuesto) con su debut Today en 1988. No solamente fue un buen disco de partida, significó mucho más , el nacimiento de un nuevo estilo musical denominado slowcore (nucleo lento) que se caracterizaba por desarrollos de medios-tiempos o tiempos más ralentizados bebiendo de una base rockera. En el futuro evolucionaría el término englobando también al folk más lentorro o cualquier cosa difícil de etiquetar pero que resultara de bajas pulsaciones. 
  Empezaron sus primeros pasos como Galaxie 500 mientras cursaban sus estudios en la universidad de Harward. El origen del nombre es bastante chorra, viene por la admiración del diseño de un coche de Ford ( el Galaxy 500), aunque teniendo en cuenta que Naomi estudiaba arquitectura el amor por el diseño lo llevaban en mente. Entre sus influencias destacan la Velvet Underground y Spacemen 3, más adelante, ya disuelto el grupo, Naomi y Damon profesaban su admiración por el folk. De todas formas su espectro musical es muy amplio, el mismo Damon viene de una familia Jazzistica. 
  Uno de los primeros admiradores y defensores del conjunto fue ni más ni menos que Lou Reed, desde luego que no pudo haber otro mejor fan para darle confianza a su proyecto. También fascinó a Thurston Moore ( Sonic Youth), que calificó al Today como la mejor grabación de guitarra de 1988. Y es que sonaban irresistibles, esos dulzones desarrollos de guitarra que suenan a nanas crepusculares donde la melancolía supuraba por todos los rincones, con sus sonidos de añoranzas narcóticas acompañados por la voz tan hipnótica de Dean . A Naomi Yang le dejaron pocas oportunidades de mostrar su onírica voz, pero solo oírla una vez es suficiente para transportarte al mundo de los sueños. Había demasiado talento en este trío y la desavenencias no tardaron en hacerse presente, Wareham quería una evolución del sonido más rockero , por el contrario Yang y Krukowski anhelaban un sonido más folkie. Estas diferencias acabaron con el grupo después de editar los discos On fire (1989) y This Is Our Music(1990) . En este último se notaba ya la presencia de elementos típicos del folk. Por desgracia no puede coexistir una democracia en el seno de tres componentes cuando dos acabaron siendo pareja (Naomi y Damon).
  La disolución de esta formación dio lugar a unas singulares y variadas agrupaciones. Por un lado Dean formó su propio grupo Luna, donde dio cabida a todas las ideas que no pudo llevar a cabo en Galaxie 500, y aunque editó excelentes trabajos nunca consiguió ese aroma tan especial que tenía los galaxie. Más tarde formaría un duo con Britta Phillips. Por otro lado Yang y Krukowski dieron paso a sus ideas en el también duo Damon&Naomi, donde empezaron con un excelente disco de aire más acústico e intimista (More Sad Hits). También crearon junto con Wayne Rogers la maravillosa , excelente y genial formación de neo-psicodélia Magic Hour, que no fue entendida por la crítica de entonces pero que supone toda una revelación de intenciones de pop-rock-folk experimental. 


Tugboat - Galaxie 500:

MALDITOS ARTISTAS SONOROS

Bill & Margaret es un duo holandés que pertenece a la Aachen markt de Roterdamm , que en 2006 ,durante la feria de Hamburgo ,idearon un gigantesco muelle de reverberación incandescente conectado al mismo tiempo a una resistencia electrica calefactora .
El artefacto emitía un zumbido sordo de calor y corriente alterna reverberante que le hizo entrar en un bucle sonico acelerado que iradiaba microondas .Durante el concierto ,cuentan los asistentes que se fundió el tímpano de una niño que habia asistido a la inauguración junto a su padre.Bill & Margaret fueron acusados de homicidio involuntario .

Un año más tarde ,el artista sonoro Robert Zemeckis ,estuvo investigando en su estudio de San Francisco sobre la deconstruccion del fundamento sonoro ,registró el sonido de una gota de agua al caer con la intención de diseccionar la mínima división del sonido ,mediante la fusión y manipulación de los ruidos microscopicos descubrió que implantándoles información ,las partículas podían sonar en el aire flotando a causa de la fricción, de esta manera consiguió emitir la frecuencia mas baja emitida hasta el momento.
Ese mismo año Una plaga de langostas asaltó su estudio y murió en la bahía devorado por animales silvestres .

El artista alemán Otto Swinning se tragó un minúsculo emisor de ondas, el micrófono emitía radiofrecuencias del sonido interno de su cuerpo que se retransmitían por los altavoces del campanario de su ciudad ininterrupidamente ,la acción debía durar una semana ,pero Otto murió al tercer día en un accidente de tráfico ,sus vecinos pudieron escuchar su muerte en vivo y mas tarde no pudieron extraerle el micrófono durante la autopsia .En la pequeña ciudad alemana de Braunschweig , a día de hoy sintonizando con un transistor pueden escucharse los rumores y los gases de su putrefacción , algunos vecinos aseguran haber escuchado incluso alguna que otra psicofonía.

Art Bears

Art Bears fueron sin ninguna duda uno de los mejores grupos del rock progresivo europeo de finales de los años 70. Surgidos de las cenizas de otro grupo mítico como fueron Henry Cow, Art Bears funcionaron con un formato básico de trío formado por dos de los músicos más destacados de la escena experimental moderna: Chris Cutler y Fred Frith, acompañados por la vocalista Dagmar Krause. El grupo sólo grabó tres álbumes y dió unos pocos conciertos durante su corta existencia (1978-1981), pero su influencia en el rock más vanguardista e iconoclasta fue innegable.
A pesar de ser encasillados en la categoría de “rock progresivo”, Art Bears fueron mucho más que eso y se salieron de los moldes pre-establecidos del género, aventurándose por caminos menos transitados y poco convencionales. El grupo fusionaba los aspectos más radicales del rock progresivo (Henry Cow, Magma, The Mothers of Invention, Univers Zero) con elementos procedentes del free-jazz, de la música contemporánea (ecos de Messiaen, Stravinsky, Bartok y Schoenberg), del folk menos tradicional, de la improvisación, etc. El resultado era una música altamente compleja y técnica pero directa, con muchísima pegada e intensidad, un sonido denso, disonante, ecléctico, a veces muy oscuro y en otros momentos bellísimo, en ocasiones frágil y delicado y en otros momentos agresivo y violento.
Art Bears grabaron su primer disco en 1978, se trata del antológico “Hopes and fears”, un disco oscuro, misterioso, insondable, compuesto por una serie de piezas laberínticas que acumulan unos niveles de intensidad y amenaza considerables. La riqueza de la instrumentación hacía que el grupo sonara a veces como una pequeña orquesta de cámara interpretando pequeñas piezas expresionistas (algo que se denominó “chamber rock”) ya que, además de la aportación de la exquisita Dagmar Krause, del genial percusionista Chris Cutler (batería acústica, eléctrica, percusión, cintas pre-grabadas, ruido) y del multi-instrumentista Fred Frith (guitarras, bajo, piano, violín, viola, xilófono, teclados, ruido) el grupo contó con la colaboración de otros músicos de la escena más vanguardista del momento como Lindsay Cooper, Tim Hodgkinson, Georgie Born, Peter Blegvad o Marc Hollander. Música de cámara, sí, pero con muchísima pegada.
Su segundo disco fue “Winter songs”, de 1979, ahora como trío, sin ninguna colaboración externa. El sonido de este álbum es más espartano, más directo, más básico, sin tanta ornamentación como “Hopes and fears”, pero manteniendo toda la calidad y el sonido ecléctico típico del grupo. Una vez más, canciones sombrías, inquietantes, tensas, y con un trabajo de estudio espectacular (cortesía del técnico de sonido Etienne Conod, quien grabó los tres discos del grupo y que supo extraer a la perfección todos los matices de su sonido). Las letras, de carácter existencial, solemne y contemplativo, están basadas en distintos grabados de la catedral de Amiens. Ya lo indica el título del disco: “Canciones de invierno”, o sea, canciones para el frío físico y espiritual, la introspección, la duda, la extinción.
Su tercer y último disco fue “The world as it is today”, de 1981. Este fue su trabajo más radical tanto a nivel estético como ideológico. Su música sonaba más densa, cruda y desafiante que nunca, y las letras expresaban, en un tono apocalíptico, una durísima crítica a la sociedad moderna, al sistema capitalista, a los políticos corruptos, a la burocracia, todo ello desde una perspectiva revolucionaria y mostrando solidaridad con las clases trabajadoras explotadas, con los oprimidos, con los más desfavorecidos. No hay que olvidar que tanto Art Bears como su anterior encarnación, Henry Cow, fueron grupos políticamente muy comprometidos con la izquierda más radical y revolucionaria, y este disco es un claro ejemplo de ello.
El grupo se disolvió ese mismo año, pero sus tres miembros (Frith, Cutler y Krause) continuaron creando música tanto en solitario como en distintos proyectos y colaboraciones, continuando con una trayectoria admirable que se extiende hasta nuestros días.

COME

     Formados en Boston en 1990 continuarían sus andanzas hasta el año 1998. Thalia Zedek (guitarra,voces) y el ex-Codeine Chirs Brokaw(guitarra,voces) son los dos máximos representantes de la formación. En sus inicios se encontraban también Arthur Johnson en la batería y Sean O'Brien al bajo, pero abandonaron el grupo después del segundo trabajo de Come (Don't Ask Don't Tell) para seguir sus propias inquietudes. 
  Con Eleven eleven debutaron en 1992 con esa portada histórica que resulta tan misteriosa; una silueta se percibe en una oscuridad azulada en lo que parece ser un sillón, con una especie de imagen capturada en diferentes exposiciones, bien de algunas hojas de algún libro o el revoloteo de unas alas de paloma (¡diantre estoy aquí mirando el vinilo y aún así no lo puedo dilucidar!). El contenido de 11:11 si va a la zaga de la imagen del disco, las guitarras intensas y sucias acompañan a la desgarrada interpretación de Thalia Zedek, un reflejo del abismo personal en que se encontraba inmersa en esos momentos. Enganchada al tabaco hasta tal punto que la mayoría de las veces finalizaba sus cigarros sin quitárselos ni una sola vez de la boca, adicta a la heroína , “coqueteo” con las demás drogas y a la postre lesbiana, desde luego que no representa la imagen que América quiere dar al mundo de sus mujeres. No solamente sonaba a rock impetuoso, alternaba con movimientos lentos típicos del slowcore dando como resultado una tensión acrecentada que exacerbaba aún más los tormentosos tiempos de guitarra.
  En 1994 publican Don't Ask Don't Tell donde siguen la línea del anterior trabajo pero resultando más homogéneos en su contenido, las subida y bajadas de intensidad dan paso a una un tupido guitarreo de medios tiempos, no resulta tan agónico como su primer trabajo pero si se puede perderse uno dentro de él ( vamos, como si fuera el The White Birch de Codeine pero dejando a parte el sabor slowcore) .

  Near Life Experience se edita en 1996 y colaboran en el mismo diferentes músicos de la talla de Mac McNeilly de Jesus Lizard o John McEntire de Tortoise. Es el disco más corto de su trayectoria (apenas 33 minutos) , pero expresa toda la parte más furiosa de Come como ningún otro, algunas canciones rozan el hard-rock, a mi gusto el mejor que tienen, pequeñito pero matón. 
  Su último trabajo aparece en 1998, el extenso Gently, Down the Stream donde superan la hora de duración. Esta obra póstuma se presenta como un resumen de todo lo que ha sido Come, en él encontramos un poco de todas las características comentadas de sus anteriores discos. 

  Los proyectos que surgieron tras la disolución del grupo fueron más que interesantes, por una parte Chirs Brokaw se unió con Matt Kadane y Bubba Kadane (ex-Bedheads) para formar The New Year, que ahonda en el sonido más clásico del slowcore. Por la otra parte Thalia Zedek se aventuró en una carrera en solitario que se acerca algo más al sonido originario de Come que el grupo de su antiguo compañero. Los dos más que recomendables.

Submerge (Eleven eleven):

The Pop Group

Anem a deixar clares les coses: The Pop Group no era un grup de música pop sino que feien rock experimental incendiari i ferotge. Anem a deixar clares les coses: The Pop Group no era un grup convencional a la seva época sino que eren únics, inimitables, irrepetibles. Anem a deixar clares les coses: The Pop Group era un grup absolutament radical i revolucionari a nivell ideològic, per tant si et pensaves que Rage Against the Machine estaven concienciats políticament et recomane que revises les lletres de The Pop Group.
The Pop Group es van formar al 1978 (ara fa 30 anys) a la ciutat anglesa de Bristol. Ells formaven part d'una generació de grups (P.I.L., Wire, This Heat, Gang of Four, Magazine i tants altres) als que a finals dels anys 70 es va encasellar sota el nom de post-punk, és a dir, agafaren la base del punk (energia, soroll, adrenalina, simplicitat, inconformisme) però ho van transformar i ampliar, afegint elements més variats i innovadors, intentant superar les limitacions d'un gènere que consideraven desgastat i sense sortida. The Pop Group només gravaren 3 albums en els seus 3 anys d'existència: “Y” a 1979, “For how much longer do we tolerate mass murder?” a 1980 i “We are time” també a 1980. Anys després va sortir una recopilació anomenada “We are all prostitutes”. Curta existència i curta discografia, però suficient per a deixar una marca fonamental en la història del rock més avançat.
El grup mesclava l'energia i la força del punk amb els ritmes frenètics, convulsos, sincopats, heretats del funk i el dub, i afegint una mica de free-jazz, caos i experiments sonors. El so de les guitarres era corrosiu, estrident, similar al de “Trout Mask Replica” del Captain Beefheart però passat pel filtre d'Ornette Coleman i el Miles Davis més elèctric dels 70. La base rítmica formada pel baix i bateria es movia convulsament a través d'estructures sonores sincopades i angulars. Mark Stewart es deixava la gola cridant les seves lletres, autèntiques proclames incendiàries. El so del grup era espontani, caòtic, imprevisible, dissonant, excitant, intens al màxim.
The Pop Group creien fervorosamenten la funció social i revolucionària de l'art: es veu clarament a les seves lletres i al treball artístic (portades de discos, posters, collages, etc.) Eren un grup compromés políticament, i les seves lletres eren dures crítiques a la societat actual, atacs directes al capitalisme, a les institucions, a l'autoritat, a l'abús de poder i la corrupció de les classes dominants. Els seus missatges ens instaven a pensar i actuar pel nostre propi compte, a ser conscients del nostre propi potencial, a no seguir a cap líder, a questionar-nos les idees, normes i regles preconcebudes. Els seus textos ens oferien enormes dosis de rebel·lió, idealisme i utopia. Ens ensenyaven coses com que l'escapisme no és llibertat, que ens hem d'alliberar pels nostres propis mitjans, que si no prenem part en la lluita ens convertim en simples espectadors que sense saber-ho estàn de part dels opressors, i que no hem de vendre els nostres somnis a cap preu.
En definitiva, foren un grup que va combinar experimentació sonora amb compromís social, deixant clar que art i revolució poden conviure amb grans resultats.

UN PAR DE PROPUESTAS PARA EL LOGO DE LA REVISTA QUE EDITAREMOS PROXIMAMENTE EN PAPEL.
VOTAD O PROPONED OTRAS.

DR. JOHN - Gris-gris (1968)

    Su verdadero nombre es Malcolm John Rebennack Jr y nace en Nueva Orleáns en 1940. La música siempre fue su principal devoción (desde muy jovenzuelo trabajaba vendiendo discos) y con el paso del tiempo acabaría por ser también su medio de subsistencia. Durante años trabajó como multi-instrumentalista, músico de estudio y productor. Ante todo se sentía guitarrista , pero en los años sesenta haciendo el tontito con un arma, un tiro fortuito le dejó un dedo inhabilitado, así que decidió por fuerza mayor pasarse a otro instrumento como finalmente fue el piano. Con el paso del tiempo ha llegado a colaborar en álbumes de gente tan diversa como B.B. King, Albert Collins, Aretha Franklin, los Rolling Stones, Carly Simon y Van Morrison entre otros.


  Gris-gris es editado en 1968, y se empapa principalmente de la singular cultura africana que se refleja por las calles de Nueva Orleáns, seguido por la psicodelia imperante, el blues y el jazz. Su comunión con la cultura del lugar que le dio a luz es total, no solo se restringe a facetas meramente musicales, si no también espirituales. Estudió guitarra con un profesor que era también predicador y le llevaba a recorrer las iglesias del lugar : “ Se escuchaban spirituals pero también candomblé, y todo eso convivía armónicamente. Nunca me he ligado con alguno de esos cultos en especial, pero sí puedo asegurarte que allí hay saberes”. Todo estas influencias de elementos de diversa índole son asumidos por el Dr John como una “combinación muy extraña e interesante”. Y es que en gris-gris podemos ver plasmado todas esa influencias , eso sí , además de ser desde una perspectiva autobiográfica e interiorista , esta también filtrada por el humo del cannabis. Las drogas serían un problema para el Dr. , tras años de adicción a la heroína consiguió zafarse del asunto según refleja en su autobiografía Under a Hoodoo Moon, editada en 1994. 

  Aquí os dejo dos canciones incluidas en gris-gris:

Jump Sturdy




Mama Roux

ACCIONISMO VIENES .PARTE I.

Movimiento que aparece a principios de los setenta Y que intentó revelar en el arte el componente anarquista de la vida. Armados con la vasta tradición por el psicoanálisis que hay en Viena ,pretendían liberar los impulsos subsconcientes o reprimidos de agresividad ,liberándolos en una especie de teatro orgiástico donde se rompia la frustración convencional causada por los tabues sexuales ,entre otros. En una epoca donde aparecen en Europa corrientes como el freudomarxismo ,las teorías de Marcuse o Fromm y el psicoanálisis social, el accionista vienés materializa en su obra la recuperación del subsconsciente colectivo utilizando el arte como una función liberadora para el cuerpo ,con el dolor como catalizador. La primera parte de una serie de artículos sobre este movimiento se va a centrar en Hermann Nitsch ,artista que oficia ceremonias en las que el desenfreno orgástico es primordial. Según él, "el hombre solo puede alcanzar su conciencia plena en el recorrido experimental del desbordamiento dionisiaco de los instintos". Sus happenings se conciben como una expresión desenfrenada de fantasía sadomasoquista ,sus rituales consisten en el despellejamiento de cadáveres de terneros y toros por parte de sus acolitos que entre alaridos rítmicos consiguen alcanzar la regresión al estado primitivo del hombre. Así comienza la acción orgiástica del desgarro, se arrancan las entrañas entre vapores y cantos litúrgicos que culmina con la crucifixión del astado y conforme finaliza el proceso de destripamiento tiene lugar simultáneamente el súbito despertar traumatizante desde el éxtasis al estado consciente. Aqui podeis ver un fragmento de su obra http://www.ubu.com/film/nitsch.html

Coum Transmissions

Coum Transmissions fue un colectivo inglés dedicado a la performance y al arte de acción y que estuvo activo desde 1969 hasta 1976. El grupo se componía originalmente de Genesis P-Orridge y de Cosey Fanni Tutti, miembros fundadores alrededor de los cuales se movían los otros integrantes del grupo, que entraron y salieron en distintas épocas. El grupo era heredero del Accionismo Vienés y de la facción más radical del Dadaismo. Sus performances eran espectáculos extremos y confrontacionales al máximo, e incluían elementos como auto-mutilaciones, sado-masoquismo, pornografía, derramamiento e ingestión de líquidos corporales de todo tipo, fetichismo, ocultismo, violencia, monólogos, música de carácter ruidista, atonal y tribal sonando a volúmenes ensordecedores, etc. Coum Transmissions combinaba elementos intelectuales con otros que rayaban lo ilegal, lo criminal, todo aquello que se considera “tabú”por las mentes bienpensantes. Su propósito nunca fue ensalzar la violencia gratuita sino cuestionar el concepto de “arte”, sacudir los pilares fundamentales de la sociedad moderna, atacar valores tradicionales como la familia, el trabajo, las normas sociales, lo políticamente correcto. Su último espectáculo tuvo lugar en 1976 y se tituló “Prostitution”, que fue presentado como “paradigma de las condiciones generales bajo el capitalismo”. La polémica fue tan grande que su caso llegó incluso al Parlamento Británico, donde, entre todo tipo de muestras de rechazo, se les calificó de “destructores de la civilización” (“Wreckers of civilisation”). Coum Transmissions se disolvió ese mismo año porque, por un lado, vieron que habían llegado al límite en el terreno de la performance y por otro lado, debido a presiones políticas y policiales. Su disolución dio paso a la creación de uno de los grupos más radicales de la historia de la música del siglo XX: Throbbing Gristle, auténticos terroristas sonoros y pioneros de la música industrial y el ruidismo más extremo. A continuación os dejo con un texto escrito por el propio Genesis P-Orridge en el que cuenta en primera persona sus vivencias en los espectáculos de CoumTransmissions. Que aproveche.
“Solía hacer cosas como pegar en mi pene cabezas de pollo cortadas e intentar masturbarme mientras me echaba gusanos por encima.
En Los Angeles, en 1976, Cosey y yo hicimos una performance donde yo estaba desnudo sobre un montón de tachuelas bebiendo whiskey. Entonces me metí por el culo sangre, leche y orina, y empecé a tirarme pedos para que una explosión de sangre, leche y orina se derramara en el suelo. A continuación lo lamí todo sobre el sucio suelo de cemento.
Después cogí un clavo de unos 20 centímetros e intenté tragármelo, lo que me hizo vomitar. Entonces yo y Cosey empezamos a lamer el vómito del suelo. Ella estaba desnuda e intentaba cortarse desde su vagina hasta su ombligo con una cuchilla de afeitar, y se inyectó sangre en su vagina, de donde empezó a derramarse, y sacamos la sangre de su vagina con una jeringuilla, y la inyectamos en unos huevos pintados de negro que intentamos comer, lo que nos hizo vomitar otra vez, y ese vómito lo utilizamos para enemas.
Más tarde yo necesitaba orinar, así que lo hice en una gran botella de vidrio y me lo bebí mientras aún estaba caliente. Nos arrastramos el uno hacia el otro mientras lamíamos el suelo y lo dejábamos limpio.
En Amsterdam hicimos una performance en el barrio de las putas, donde pusimos canciones del disco “Lie” de Charles Manson así como grabaciones de trenes atravesando tormentas, y practicamos diversos tipos de fetichismo. Sleazy se cortó la garganta y se tuvo que hacer una especie de torniquete, mientras que Cosey y yo empezamos a escupirnos y a lamer nuestros escupitajos, después nos chupamos los genitales y practicamos sexo mientras le prendían fuego a su cabello con velas. Había unas 2000 personas de público.
Y cada día se volvía más salvaje, así que en el Domingo de Resurrección me crucificaron en una cruz de madera, me azotaron y me cubrieron de vómito humano, alas y patas de pollo, mientras aguantaba antorchas ardiendo en las manos y el público podía oler el aroma de mi piel quemándose. Más tarde oriné en las piernas de Cosey mientras ella se metía una vela ardiendo en su vagina, de la que salían llamas. Una manera cualquiera de evitar la publicidad en la tele...”

SILVER JEWS - Lookout Mountain, Lookout Sea (2008)

     Vaya discazo el último de Silver Jews. David Berman el Alma Mater de la criatura le dio vida por allá los ahora lejanos 1989, junto con Stephen Malkmus(futuro fundador de Pavement) y Bob Nastanovich. Como no editaron ningún disco oficial hasta después del éxito de Pavement siempre fue considerado un entretenimiento de Stephen Malkmus, algo que no ha beneficiado en absoluto a Berman, que ya de por sí posee una personalidad bastante desequilibrada ( alcoholismo, drogas , intentos de suicidio...) . Pero gracias a su supervivencia podemos disfrutar de su obra cumbre junto con su debut Starlite Walker (1994).

  En Lookout Mountain, Lookout Sea (2008) reconocemos a los Silver de siempre con su estilo de country-rock-alternativo, la voz cavernosa-etílica de David y sus personalísimas letras. Añade cosas nuevas como los acompañamientos vocales femeninos que le dan un aire más pop, pero que no reblandecen su propuesta si no que la fortalecen, y concibe en su interior las mejores melodías hasta la fecha. Sus letras tan cortantes como siempre , este es un ejemplo del tema What is not but could be if : “What is not but could be if/ We could be crossing/ This abridged abyss into beginning/ And failure’s got you in its grasp/ And you’re reaching for your very last/ Vicious beginning”. En Norteamérica es más conocido por su faceta literaria ( tiene publicado un libro de poesía) que por su música.

    Finalmente podemos observar en la propia portada con esos elefantes jugando en el acantilado que su mundo particular no dista mucho del de Alicia en el País de la Maravillas, pero en una versión algo más desalentadora. Esperemos que el brillo de esperanza que reluce en algunas facetas de sus últimas canciones le de un poco más de color a su mundo tan gris. 


Video : What is not but could be if (live)

el cielo número 20

El compositor La Monte Young definió algunas de sus obras con el término de “dream music”, una denominación que encaja perfectamente con la propuesta de El cielo número 20: una música de carácter onírico y crepuscular, que se mueve en las coordenadas del ambient noise más experimental, cósmico y psicodélico.

Este duo está integrado por Sergio Ibáñez y Javi Sanz, ambos ex-componentes del mítico grupo castellonense Ebria Danza, quienes tan sólo grabaron un disco y un single en los primeros años 90 pero cuya intensidad, pasión y romanticismo exacerbado todavía se recuerdan por estas tierras.

El cd “Nada sueña” fue grabado entre 2007 y 2008, y sin duda sorprenderá a muchos por la evolución y el giro estilístico que este proyecto supone con respecto a los tiempos de Ebria Danza. El disco se abre con el tema “Barco sueño”, una miniatura electrónica que nos sumerge de lleno en el mundo onírico e irreal de El cielo número 20: las capas de ruido y los bucles sonoros se mueven con fluidez en el espacio, recordando a un océano en movimiento o a los vientos estelares en evolución. A partir de ahí el grupo continua esbozando paisajes y escenarios sonoros de diverso estilo, recurriendo al feedback, al ruido, a los drones, a los acoples, a las repeticiones hipnóticas, a las melodías inquietantes, a imágenes envueltas en la niebla, creando una variopinta propuesta de corte ambiental con muchas capas de sonido, ecos, reverb y texturas electro-acústicas que van evolucionando sutilmente. En otras piezas como “Seres fantásticos”, “Realidad” o “Sucias artistas”, el grupo practica incursiones en la psicodelia más hipnótica e incendiaria y da rienda suelta a los influjos del krautrock a través de ritmos persistentes, guitarras afiladas y distorsionadas.

El pilar fundamental sobre el que se sustenta el duo es el ruido, los sonidos atmosféricos y ambientales, pero sin perder nunca de vista la melodía y la belleza, dos factores fundamentales en “Nada sueña”, un disco que nunca suena frío, estridente ni desagradable sino todo lo contrario: los temas fluyen de manera orgánica, viva, cálida y acogedora. El ejemplo más claro es la canción que cierra el disco: “Al mar de ruido”, una composición de una belleza cercana al éxtasis, donde el ruido, la distorsión y el caos reproducen el fluir de las aguas del mar, un mar en el que nos vemos rodeados de olas de electricidad estática y donde nos dejamos llevar a la deriva sumidos en la atmósfera bellísima, misteriosa, narcótica y balsámica que el grupo elabora con paciencia. Morir ahogado en un mar como este es una bendición, una liberación.

El cielo número 20: navegando en un mar de ruido, creando música desde los sueños, para los sueños.
Mas información en https://elcielonumero20.bandcamp.com/

PHILIP GLASS - Einstein On The Beach (1979)

    Uno de los más famosos músicos de la corriente minimalista, que trataba de reducir cualquier expresión artística a sus forma más básica y esencial. Dentro de la música esto se traducía en bucles musicales largos donde se daba énfasis a una armonía tonal y con un pulso constante. Dentro de sus inquietudes se encontraba el piano y el budismo.

 
  Einstein On The Beach fue su primera gran obra dada a conocer al público en general .Con la colaboración del escenógrafo Robert Wilson realizó esta ópera experimental que versaba sobre un alegato antinuclear . Es una obra extensa registrada en un cuádruple CD en sus reediciones actuales, un hueso duro de roer pero que en esta perra vida no he tenido problemas en hincarle el diente. Cumple todos los clichés del minimalismo, pero las repeticiones no resultan cansinas ni monótonas, más bien todo lo contrario, esta lleno de una vitalidad exultante , sin parangón en lo anteriormente registrado, me tengo que remitir a una obra literaria para poder comparar ese ritmo luminoso y celestial : el inicio del Fausto de Goethe.

  La opera se divide en cuatro actos, divididos en dos escenas para los tres primeros actos y tres escenas para el último. La introducción e interludios vienen dado por los 5 knee play ,donde entre otras cosas, te servirán para aprender los números en inglés.


En estos dos videos podéis ver una muestra de los cortes Train y Spaceship incluidos en la opera.

NOMO - Ghost Rock

Muy difícil de encasillar este numeroso conjunto de hasta ocho músicos encabezados por Elliot Bergman. Entre sus elementos más distinguibles estaría el Jazz-fusion que practicaban grupos como The Art Ensemble of Chicago o Sun Ra y dentro de la influencia de la world music o Afrobeat a Fela-kuti. También tienen un ramalazo post-pop o post-rock, y es que los ritmos tribales y el post suelen cruzarse en algún camino. La referencia funk sería la menor y habría que emparentarlos con grupos como Funkadelic.

    Su último trabajo Ghost-Rock (2008) editado por el sello Ubiquity ,es un claro ejemplo de lo anteriormente comentado. En el siguiente vídeo vemos el perfecto entendimiento entre todos los componentes de Nomo y lo bien que se acoplan los distintos instrumentos para dar a luz este fantástico cruce de estilos.

Samulnori

Samulnori és un grup de música tradicional de Corea del Sud format per Kim Duk Soo a l’any 1978. El grup, que ja ha passat per diverses formacions, incloent des de quatre membres fins a vint, es centra únicament en la percussió i es dedica a recuperar cançons tradicionals del folklore sud-coreà i re-interpretarles des d’una perspectiva moderna i contemporània.
A l’any 1988 el grup va editar el seu album més important: “Record of changes”. Als primers any 80 ja havien enregistrat algunes cançons, però aquestes gravacions mai no van sortir de Corea. “Record of changes”, en canvi, va ser el primer dels seus discos amb distribució fora del seu país i l’obra amb la que es van fer un nom al mercat internacional. El van enregistrar amb format de quartet i, com sempre, la música està interpretada només amb instruments de percussió coreans: el kkaen gguari, el ching, el changgo i el buk (diferents tipus de tambors, plats i gongs).
Les tres cançons que conformen aquest album són increïblement intenses, poderoses i energètiques. Els ritmes que executa el quartet són forts, marcats, durs, potents, vibrants, d’una extrema complexitat però interpretats amb un virtuosisme i una precisió milimètriques (ja voldrien molts grups de post-rock sonar així). Les estructures rítmiques van agafant intensitat i velocitat i creen un estat hipnòtic fins portar-nos al paroxisme. Les veus, contagiades per l’esperit xamànic, transmeten passió i energia, emetent una vibració ancestral transmesa de generació en generació i que ens arriba ara a nosaltres, habitants de les ciutats i els pobles occidentals.
Unes cançons que, malgrat vindre d’un mon llunyà i poc conegut per nosaltres, i malgrat pertanyer a una tradició musical aliena, ens fan vibrar i ens emocionen, perquè ens parlen en un llenguatge que compartim i entenem malgrat la distància espacial i temporal: el llenguatge de la passió.
Una música bellíssima, pura, hipnòtica, amb una força i una potència imparables, uns sons de caire espiritual que constantment busquen la trascendència, el portar-nos més enllà del que veiem i sentim.
Una música necessària en aquests temps tan materialistes i bruts en els que vivim.

DUST

 
 Aunque la portada pueda llevar al error de pensar que se trata de un grupo metalero, hay que remontarse a principios de los años setenta para ubicar la edición de este trabajo de hard-rock portentoso. Dust es un trío que se formó en New York en 1971 y cuyos componentes son Richie Wise (guitarras y voces), Kenny Aaronson (bajo y guitarras) y Marc Bell (batería). Es posible que el nombre del batería no os diga nada, pero si lo cambiamos por el seudónimo que fue conocido posteriormente ya se empiezan a iluminar vuestras neuronas : Marky Ramone (si, estuvo en The Ramones), cuya pinta ya era entonces 100% “Ramonet” ( vaqueros y chupa de cuero ajustada y corta por encima del pantalón). Editaron solo dos discos , el homónimo Dust publicado ese mismo año y Hard Attack en 1972, con una divertidísima portada de dos enanos zumbándose con un bárbaro.
  En su primer lp nos encontramos solo siete canciones, pero son más que suficientes para definir su propuesta de hard-rock “polvoriento”, como se oye en From a Dry Camel, Loose Goose y Love Me hard ( mi favorita), hard-rock más normalillo de Stone Woman y Chasin'Ladies, finalmente las baladas Goin'easy ( a mi gusto la única canción floja) y Often Shadows felt ( buenísima).

Minimonografías de artistas contemporáneos.
HOY: Wim Delvoye ,El único esteta belga que llega al paroxismo observando la eclosión de un grano de pus.
Wim Delvoye es un artista conceptual que continúa el trabajo inconcluso de Duchamp ,empecinado en desactivar los mitos sobre los que se asienta la cultura contemporánea mediante el humor descarnado .Delvoye no se enreda en su ego como Jeff Koons y el resto de artistas kitsch ,mientras estos se entregan a su autosatisfacción mórbida, Delvoye fabrica realidad :(Su conocida Cloaca ,un ingenio que fabrica heces) o la vulgariza ( granja de cerdos tatuados) .Articula su discurso en base a la ironía como arma de desmitificación de los fundamentos de la sociedad de consumo, ya sea el hedonismo sin contenido o el culto a la belleza y al buen gusto , síntomas de nuestra nutrida decadencia.
En http://www.ubu.com/film/delvoye.html vemos una muestra bastante explícita de la incalculable belleza que se encierra en un grano de pus.

Moho: Chotacabra

Tercer disc dels madrilenys Moho, un disc en el que continuen aprofundint en la seva música
pesada, densa i espesa, on els riffs àcids, les guitarres incendiàries i la contundent base
rítmica, marca de la casa, continuen perforant els timpans dels aventurers que viatgen pels
surcs d'aquest vinil (per cert, un vinil bellissim de 180 grams i amb carpeta doble).
El so de Moho mai ha sigut net i polit sinó tot el contrari: sempre han sonat molt bruts i
salvatges, però en "Chotacabra" han embrutat més encara el seu so, una mescla entre els
primers Black Sabbath, Motörhead i Hellhammer, amb molts ecos doom, stoner
i sludge però amb un toc molt punk, molt garatger en ocasions. Gravat en unes
poques hores, les cançons es mouen amb fluïdesa, el grup sona compacte i
es nota que s'entenen a la perfecció, la qual cosa li dona al disc un so orgànic, natural,
pur. Absolutament recomanat per a les persones amants de le música de guitarres
més brutal i salvatge.

Tom Waits : Orphans

  Último trabajo hasta la fecha del polifacético artista californiano Thomas Alan Waits, que cultiva entre sus habilidades más destacadas la de compositor, cantante y actor. Su incursión en el cine con papeles secundarios no ha impedido que haya participado en excelentes películas como Corazonada (1981, de Francis Ford Coppola), Bajo el peso de la ley (1986, de Jim Jarmusch) o Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman) entre otras . Pero es en su faceta musical donde ha conseguido sus mejores logros.
  Es un buscador de perdedores, se regodeaba con ellos en bares de mala muerte, embriagándose hasta perder el sentido y empapándose de sus historias trágicas . Le fascina las marcas que el deterioro del tiempo deja en las personas ancianas. Su aspecto huraño , desaliñado y vetusto era para emular esa imagen envejecida que admiraba tanto. 
  Su trabajo en los cabarés de los Angeles ha influenciado en todo sus composiciones, desde su inicios con Closing Time (1973) hasta con Orphans (2006), su obra cumbre:
  Es un disco triple, con sus propios subtitulos : Brawlers, Bawlers y Bastards , aunque lo podríamos considerar doble, ya que en Bastards son casi todo versiones de autores tan diversos como Daniel Johnston (King Kong) ,Kerouac (On the Road) o Charles Bukowski (Nirvana), estos dos últimos en una clara referencia a sus gustos literarios.
  Supone una asimilación y maduración en el uso de todos los nuevos instrumentos utilizados desde que abandonó el piano como primer elemento compositivo. Y no ha sido una tarea fácil, solo hay que nombrar las armas de su trabajo:
  Silbato, bajo, guitarra, piano, saxo, violín, corneta, acordeón, clarinete, trombón, trompeta, banjo, armónica, órgano y batería. Aparte de que usa varios tipos de guitarras, teclados e incluso de violines y clarinetes.

  Brawlers
  Consigue lo imposible, que a pesar de todo el batiburrillo de elementos musicales suene solamente a Blues-Rock. Algún corte de rock&roll como en Lie To Me, solamente rock en LowDown , blues-acid jazz en Puttin' On The Dog o la country Rains On Me ( con Chuck E. Weiss). Como en sus anteriores publicaciones, el blues suena pendenciero, sucio, de carretera llena de baches a medio asfaltar, de botella vacía. Su voz parece reflejar el agobiante calor de su california natal que se apelmaza pegajosamente en su garganta, suena a alcohol rancio y a ladridos quebrados de un chucho abandonado. De lo mejor que ha compuesto en su vida. En total dieciséis temas ,cuatro de las cuales son versiones.

  Bawlers
  Un reflejo de la América profunda, la de los perdidos, vagabundos, de miradas rotas que no se enteran de cuando hay que perder la inocencia, de las que la quieren asir y recuperarla como única esperanza de redención. Aquí el perro aúlla lamentos, amores perdidos en barra, confesiones grupales bajo los primeros rayos del crepúsculo sobre sus miseras vidas al salir de un recóndito bar. Todo esto en dieciséis temas originales y cuatro versiones, una el Little Man de Teddy Edwards, otra el Goodnight Irene de mi adorado Leadbelly, Danny Says de Joey Ramone y finalmente Young At Heart de Carolyn Leigh and Johnny Richards.
  Son baladas para emborracharse y llorar las penas, y no son solo unas más de las que puede contener en su dilatado repertorio , sino de las mejores de su carrera, solo faltaría aquella que cantaba lo de “...you're innocent when you dream...” y alguna más del Closing Time.

  Bastards
  Disco casi enteramente de versiones, con solo cinco originales de dieciocho canciones; Bone Chain, Redrum, Altar Boy, The Pontiac y Spidey's Wild Ride . Contiene dos cortes ocultos al final sin información alguna al respecto.
  Es el disco más experimental de los tres, pero para nada de relleno, las versiones son un claro ejemplo de como Waits las lleva a su terreno de la forma más estrafalaria posible pero sin caer en el ridículo ( la verdad es que no me viene a la mente otro autor que fuera capaz de hacerlo y no resultar esperpéntico en su resultado). 

  En solitario tanto Brawlers como Bawlers estaría entre lo mejor que ha publicado nunca (incluso pienso que Bawlers es lo mejor que ha hecho hasta la fecha). Para los degustadores de la experimentación Bastards resulta más atrevido que el Real Gone. En conjunto no dejan lugar a dudas de que Orphans es el mejor reflejo del calidoscopio de ideas que rondan la mente, el alma y el corazón de Tom Waits. Pero nos dejamos para el final la guinda del pastel, y es que dicen que no hay un gran hombre en la historia sin una gran mujer detrás, y en el caso que nos ocupa la Afrodita de Tom es Kathleen Brennan, su esposa, que le ha alejado del alcohol y las drogas y además ha colaborado en las composiciones de los temas de la triple edición (ya aparecía su nombre en los créditos de los últimos discos). Lo que me lleva a la pregunta del millón ¿ En que grado ha colaborado ?. Pregunta sin respuesta, pero lo importante es haberlo salvado del infierno y que continúe entre nosotros facturando obras maestras.

Black Pus

Black Pus I


Black Pus es el proyecto en solitario de Brian Chippendale, una de las mentes más inquietas surgidas del underground norteamericano en los últimos años. Su álbum de debut (titulado "I") salió en el año 2005 y supuso una auténtica patada en los huevos al establishment musical. Este disco gira en torno a la batería, saxo, voces y todo tipo de ruidos pre-grabados y manipulados, todo ello tocado con una mala hostia impresionante y a un volumen ensordecedor. Sus sonidos saturados, chirriantes y oxidados se emparentan con los proyectos más radicales de John Zorn, el jazz más extremista de Peter Brotzmann y los pasajes más climáticos de Albert Ayler e incluso a veces con las explosiones sonoras del grindcore más salvaje... O sea una especie de free-jazz post-punk cacofónico marciano y absolutamente desquiciado... Una auténtica locura. Esta música abandona conscientemente la melodía y cualquier tipo de sonido agradable para sumergirse a veces en ritmos frenéticos y convulsos y otras veces penetrar en atmósferas caóticas más cercanas al free jazz, pero con mucha más violencia, ruido, acoples, y voces que aúllan y emiten sonidos irreconocibles. Si lo que pretendía Black Pus era acabar con el concepto de "música", realmente anda muy cerca de conseguirlo. Y mis oídos, sangrando, se lo agradecen.


Black Pus IV


Su cuarto trabajo en solitario , sus dos instrumentos son la batería y una caja de sorpresas con las que nos sorprende con todo un delirio de sonidos anárquicos y ruidosos. En su cuarta entrega nos encontramos unas canciones mas estructuradas que sus anteriores puestas de largo ,exceptuando el primer corte donde podemos apreciar la linea que seguían estos. Es muy rítmico, con un despliegue de noise rock tribal, bailable incluso. Como podréis ver en el video definirlo como superfreak no es un connotación exagerada, le gusta disfrazarse con una máscara de monstruo de las galletas por si su propuesta no llamaba la atención de per se. En la portada también vemos reflejado su mundo tan alocado e infantil .Y nosotros que creíamos que White stripes eran guays, por como se lo montaban siendo solo dos. Y como una imagen vale más que mil palabras :

Música Rota

Música Rota es el nuevo proyecto de Emilio Herrando, ex-componente de Ebria Danza, grupo castellonense que a principios de los 90 marcó a fuego algunos corazones como el mío a pesar de la corta vida del proyecto. Ebria Danza tan sólo editaron un disco ("El manicomio de las palomas") y un single ("Fragilidad suicida"), ambos con Triquinoise. El grupo fue encasillado en la escuela estilística de Corcobado y 713avo Amor, pero, influencias aparte, yo creo que ofrecieron mucho más que eso. Su música era triste, desgarradora, bellísima, frágil, caótica, barroca, destilaba una intensidad, electricidad y pureza espeluznantes, y era acompañada de unos textos y una voz que nos hicieron viajar en muchas noches de insomnio y angustia.

La aparición en 2007 de "Azar", el primer disco de Música Rota, fue una excelente noticia para todos aquellos que lloramos la disolución de Ebria Danza y que llevábamos años esperando noticias suyas. Emilio nos ofrece ahora un disco largo, variado, complejo, onírico, una obra en la que combina por un lado sonoridades electrónicas, pasajes ambientales oscuros, atmósferas densas e inquietantes y por otro lado una especie de folk triste, melancólico, decadente, bellísimo. Atrás quedaron la distorsión asfixiante, las imágenes expresionistas y los gritos desgarradores de Ebria Danza, pero siguen ahí esa voz y esos textos que ponen los pelos de punta, sigue ahí esa intensidad que sacude al cuerpo y al alma, aunque canalizada de otra manera, sigue ahí, en definitiva, ese arte, esa magia que ayuda a curar las heridas de nuestro maltrecho corazón.

El sonido del disco también merece mención especial, ya que los temas fueron grabados con instrumentos de segunda mano, rotos o "preparados" (como hacía John Cage), lo cual le da a los temas un aire todavía más frágil, decadente y "roto", como el nombre del proyecto indica: Música Rota.